sábado 28 de febrero de 2009

- ALMAFUERTE -




Pedro Bonifacio Palacios


Polifacético ALMAFUERTE




Pedro Bonifcacio Palacios nació en San Justo, provincia de Buenos Aires, Argentina, el 13 de mayo de 1854 y falleció a los los 62 años, el 28 de febrero de 1917.

Almafuerte es el pseudónimo que mayor popularidad alcanzó, aunque no fue el único que utilizó a lo largo de su vida (sobre todo, en la actividad periodística).





Su primera vocación fue la pintura, pero, como el gobierno le niega una beca para viajar a Europa a perfeccionarse, cambia su rumbo y se dedica a la escritura y la adocencia. Ejerció en escuelas de la Piedad y Balvanera. Poco después se trasladó a la campaña y fue maestro en Mercedes, Salto y Chacabuco.





A los 16 años de edad dirige una escuela en Chacabuco; dónde, en 1884, conoce al entonces ex presidente (1868 - 1874) Domingo Faustino Sarmiento. Tiempo después es destituído por no poseer un título habilitante para la enseñanza, pero muchos afirman que en realidad fue por sus poemas altamente críticos para con el gobierno.

En los pueblos donde ejerció la docencia, también alcanzó notoriedad como periodista polémico y apasionado, poco complaciente con los caudillos locales.





Luego de dejar la enseñanza obtiene un puesto dentro de la Cámara de diputados de la Provincia de Buenos Aires, y más tarde bibliotecario y traductor en la Dirección General de Estadística de dicha provincia. En 1887, se traslada a La Plata e ingresa como periodista en el diario El Pueblo.

En 1894 retoma su actividad docente en una escuela de la localidad de Trenque Lauquen, pero nuevamente es retirado por cuestiones políticas dos años más tarde.





A comienzos del siglo XX participa un poco de la actividad política, pero a causa de su inestabilidad económica y de que es reacio a aceptar un cargo político, ya que criticaba duramente a quienes vivían a expensas de los impuestos de la gente, no lo hace con mucho entusiasmo.





Al final de su vida, el Congreso Nacional Argentino le otorgó una pensión vitalicia para que se pudiera dedicar de lleno a su actividad como poeta. Sin embargo no pudo gozar de ella; el 28 de febrero de 1917 falleció en La Plata (Buenos Aires), a la edad de 63 años.

viernes 27 de febrero de 2009

- MI BANDERA -




Bandera Nacional


Enarbolación



27 de Febrero de 1812




Manuel Belgrano enarboló por primera vez la bandera nacional en Rosario el 27 de Febrero de 1812; esta bandera había sido bordada por María catalina Echeverría de Vidal; Belgrano, en una nota, aseguró que existía una necesidad imperiosa de llevar la bandera y por eso la había mandado a hacer.





Sobre los colores, la nota sólo decía que éste había tomado como referencia los colores de la escarapela que se utilizaban en aquella época, pero este dato hasta el día de hoy no pudo ser comprobado.





El 23 de Agosto de 1812, en la torre del templo de San Nicolás, se iza la bandera de la patria por primera vez en Buenos Aires, acercándonos cada vez más a la jura de la bandera, el Congreso de Tucumán sanciona el decreto de legalizar esta enseña y su uso.





Nueve días después se declara la Independencia, este suceso llevó a los criollos a utilizar la bandera oficialmente en cuya defensa ya habían perecido cientos de argentinos.





El 18 de Julio de 1816, el diputado de Buenos aires, Juan José Paso, pidió la jura de la bandera nacional, dos días más tarde se aceptó el pedido y se resolvió por decreto que la bandera sería azul celeste y blanco.


jueves 26 de febrero de 2009

- LACAMERA -




Fortunato LACAMERA


Pintores porteños





Nació en Buenos Aires el 5 de Octubre de 1887.





Sus primeros estudios de arte los realizó de la mano de Alfredo Lázzari, continuando luego su camino en soledad. Integró con carácter protagónico el grupo de pintores de la Boca, barrio al que dedicó lo mejor y más trascendente de su obra plástica.





A partir de 1919 concurrió al Salón Nacional y a numerosos salones del interior, en los que obtuvo importantes galardones. En 1938 ganó un premio Estímulo en el Nacional, y en 1950 le es acordado el premio Eduardo Sívori.





Su pintura, que reconoce una primera etapa de plein air, en los paisajes ribereños de Quilmes y de la Isla Maciel, se va adentrando luego, y de a poco, en lo más recóndito de su casa.





Apenas algún paisaje del Riachuelo, muchas veces entrevisto desde las ventanas de su taller. Y su patio, las jaulas de sus pájaros, la frugalidad de su mesa, la solidez del barro de sus macetas, el contenido lujo cromático de una sola flor sostenida por la transparencia del humilde vaso que le sirve de florero.





En 1940 Lacámera fundó la Agrupación de Gente de Artes y Letras Impulso, en que la reunió a los protagonistas de la vida cultural de su barrio. A esta institución el artista dedicó sus mayores esfuerzos, presidiéndola hasta el día de su muerte.





Fortunato Lacámera falleció en Buenos Aires el 26 de Febrero de 1951

miércoles 25 de febrero de 2009

- SAN MARTIN -





José de San Martín

Natalicio de "El padre

de la Patria"




San Martín nació en Yapeyú, actualmente en la provincia argentina de Corrientes, a la vera del caudaloso río Uruguay, el día 25 de febrero de 1778.

Su padre, don Juan de San Martín, era el gobernador del departamento; su madre, doña Gregoria Matorras, era sobrina de un conquistador del Chaco.





En 1786 se traslada a España con su familia, donde estudia primero en el Seminario de Nobles de Madrid y luego, en 1789, inicia su carrera militar en el regimiento de Murcia. Sirve en las filas de España durante las guerras contra los franceses y en 1808 combate en la batalla de Baylén contra los ejércitos de Napoleón que habían invadido la Península.





En Cádiz conoce a otros militares de América del Sur y se enrola en las logias que promovían la independencia. En 1811 renuncia a su carrera militar en España y se embarca desde Inglaterra hacia el Río de la Plata en la fragata George Canning, donde arriba el 9 de marzo de 1812 acompañado por otros patriotas.





El gobierno independiente de Buenos Aires acepta los servicios de San Martín, reconoce su grado de teniente coronel y le encarga crear un cuerpo de combate que luego sería el glorioso regimiento de Granaderos a Caballo. En ese mismo año se casa con María de los Remedios de Escalada, que pertenecía a una distinguida familia del país y crea la logia Lautaro, cuyo objetivo era liberar América del Sur del yugo español. En octubre de 1812, los miembros de la logia encabezan un movimiento que tiene por objeto remover algunos miembros del Primer Triunvirato. Entonces, pacíficamente, el Cabildo nombra al Segundo Triunvirato, quienes, al poco tiempo, llaman a una asamblea de delegados de las provincias con el fin de dictar una constitución.





El 3 de febrero de 1813 los Granaderos a Caballo vencen en un combate, en las barrancas de San Lorenzo, a las fuerzas de desembarco realista que arribaron con varias naves desde el puerto de Montevideo.

En enero de 1814 San Martín toma el mando del ejército del Norte, de manos de Belgrano que regresaba derrotado del Alto Perú —hoy la república de Bolivia—. Se encuentran en la Posta de Yatasto y desde entonces los dos patriotas entablan una larga amistad.





Al poco tiempo de encontrarse San Martín en Tucumán, se dio cuenta que era imposible llegar a Lima, que en ese momento era el centro del poder realista, por el camino terrestre del Alto Perú. Fue entonces que el Coronel concibió la idea, que luego realizaría con éxito, de cruzar la cordillera y atacar la Ciudad de los Virreyes por el mar.

Una enfermedad lo obliga a pedir licencia y consigue que lo nombren Gobernador de Cuyo, y parte para Mendoza, al pie de la cordillera de los Andes. Allí se repone y comienza a preparar un ejército para cruzar la cordillera.





En 1816 envía, por la provincia de Cuyo, delegados al congreso que se reunía en Tucumán con órdenes expresas de insistir en la declaración de la independencia. La declaración de la independencia de España se aclamó el 9 de julio de ese año.

Desde Mendoza prepara con escasos medios un ejército. Todo el pueblo contribuye con su trabajo y con sus bienes para realizar la peligrosa expedición. Insiste ante el gobierno de Buenos Aires a que autorice a sus tropas el cruce de la cordillera.





En enero de 1817 comienza el cruce del ejército, alrededor de 4000 hombres, la caballería, la artillería de campaña y las provisiones para un mes. Cruzaron divididas en dos columnas por el paso de Los Patos y por el de Uspallata, y se encontraron en Santa Rosa de los Andes.

El 12 de febrero de 1817, pocos días después del paso de la Cordillera, el ejército de los Andes vence a los realistas en la batalla de Chacabuco y a los pocos días el Libertador entra en la ciudad de Santiago. El Cabildo se reunió el día 18 y designó a San Martín como Director Supremo, pero éste renunció al honor y entonces fue electo para el cargo el general Bernardo O´Higgins.





En los primeros días de 1818, un ejército realista desembarcado del Perú, avanzaba sobre la capital de Chile. El 19 de marzo, en un ataque nocturno, los realistas derrotan a los patriotas en la batalla de Cancharrayada y O´Higgins resulto herido.

El ejército Unido argentino chileno se rehace y el 5 de abril derrotan completamente a los realistas en la batalla de Maipú, que puso fin a los esfuerzos españoles para dominar el país.





El camino hacia Lima por mar estaba abierto, pero era necesario crear una flota que no existía. Con algunos barcos capturados al enemigo y otros comprados a los Estados Unidos e Inglaterra se crea la marina chilena que estuvo al mando de Blanco Encalada y luego del almirante inglés Lord Cochrane.

El 20 de agosto de 1820, parte el ejército expedicionario argentino chileno del puerto de Valparaíso hacia el Perú.
En el mes de julio de 1821, San Martín entra triunfante a Lima, proclama la independencia, es designado Protector del Perú y ejerce el gobierno.





El 26 de julio de 1822 San Martín se entrevista con Simón Bolívar en la ciudad de Guayaquil, hoy Ecuador. Se reúnen los dos libertadores de Sudamérica, del norte y del sur. Conferencian en secreto por más de cuatro horas. San Martín regresa a Lima la noche del 26.

El 20 de setiembre de ese año se reúne en Lima el primer Congreso del Perú y el Protector renuncia a su cargo. El mismo día se embarca para Chile y meses más tarde cruza a Mendoza.





El 3 de agosto de 1823 muere su esposa en Buenos Aires. El 10 de febrero de 1824, disgustado por las guerras civiles en que estaban envueltas las Provincias Unidas del Río de la Plata, se embarca para Francia con su hija Mercedes. En europa se ocupa de la educación de su hija y escribe para ella las Máximas para su hija que son un resumen de su filosofía de vida.

Reside en Europa hasta su muerte el 17 de agosto de 1850 en la ciudad de Boulogne Sur Mer.

martes 24 de febrero de 2009

- TIGLIO -





Marcos Tiglio

Otro porteño dedicado a la pintura




Nació en Buenos Aires el 24 de Febrero de 1903.





Cursó estudios en la Escuela Nacional de Bellas Artes, teniendo entre otros como profesores a Emilio Centurión y Jorge Larco. Frecuentó luego el taller de de Miguel Carlos Victorica.





Sus envíos al Salón Nacional datan de 1929. A partir de entonces fue continuo expositor de Salones Nacionales y Provinciales. Desde Chile y Brasil fue invitado a participar en muestras colectivas. Se lo galardonó con importantes premios, los que culminaron con la invitación a intervenir en el "Premio Palanza".





En la desaparecida Sala "Nordiska" muestra por primera vez sus cuadros, para regocijo de sus admiradores y periódicamente las más importantes galerías del país se ven prestigiadas por su talento. Su importante retrospectiva en el Museo de Arte Moderno en 1963 dejó deslumbradas a varias generaciones, que desconocían su importante aporte al arte argentino.





Muere en Buenos Aires en 1976.

lunes 23 de febrero de 2009

- ALICE -




Antonio Alice


Un plástico porteño




Pintor argentino nacido en la Ciudad de Buenos Aires el 23 de febrero de 1886.





Cuando contaba con doce años de edad, Cupertino del Campo, entonces estudiante de medicina, reconociendo su verdadera vocación, lo lleva al taller del pintor Decoroso Bonifanti; allí estudia durante seis años, y en 1904 se presenta al Concurso Nacional y obtiene el Premio Roma, que le permite estudiar becado en Europa. Ese mismo año parte con su maestro Bonifanti hacia Italia.





Ingresa en la Real Academia de Turín, donde estudia bajo la dirección de los maestros Grosso, Tavernier y Gilardi, obteniendo en 1905 la Medalla de Oro concedida por esa academia. Busca lograrse como intérprete de las glorias y bellezas de la patria, y se hace presente en el Salón del Centenario, en el concurso de cuadros históricos, con la gran tela La muerte de Guemes, premiada con Medalla de Oro (1910).





En 1911 obtiene la máxima recompensa en el Primer Salón Nacional, con Retrato de Señora, y en 1915 se le otorga la Gran Medalla de Honor en la Exposición de San Francisco de California. Así nacen, con emoción creciente, San Martín en Boulogne-sur-Mer, Argentina tierra de promisión, Los Constituyentes de 1853; grandes telas, cuidadosamente construidas, que llevan el ritmo de una exaltación patriótica, fecunda e integral.





Expuso en diversos salones argentinos y efectuó muestras individuales en Buenos Aires, Río de Janeiro, Madrid, Turín, Génova, Roma, Venecia, Munich y París. Sus obras figuran en museos de Buenos Aires, Rosario, Tucumán, Río de Janeiro y en colecciones europeas.





Muere el la ciudad que lo vio nacer, un 24 de agosto de 1943.

domingo 22 de febrero de 2009

- ZARZUELA -





La Zarzuela

Un género lírico español




La zarzuela es una forma de música teatral o género musical escénico surgido en España con partes instrumentales, partes vocales (solos, dúos, coros...) y partes habladas. Se diferencia de la ópera en que la zarzuela está cantada en español, e incluye partes habladas en lugar de los recitativos cantados de la ópera.





Parece que los primeros autores que aportaron su genio a este nuevo estilo de teatro musical fueron Lope de Vega y Calderón de la Barca. Según las investigaciones, Calderón es el primer dramaturgo que adopta el término de zarzuela para una obra suya titulada El golfo de las sirenas (1657).





Lope de Vega escribió una obra que tituló La selva con amor, drama con orquesta. Lope de Vega dice que es «cosa nueva en España». En el prólogo de 1629 de esta obra se dice: «Los instrumentos ocupaban la primera parte del teatro, sin ser vistos, a cuya armonía cantaban las figuras los versos, haciendo de la misma composición de la música las admiraciones, quejas, iras y demás afectos…». Sin embargo, sólo se conserva la música suficiente en la obra Los celos hacen estrellas de Juan Hidalgo y Juan Vélez, que se estrenó en 1672. Con esta obra se puede tener una idea de cómo era este género en el siglo XVII.





El siglo XVIII da entrada a la dinastía de los Borbones y con ellos se pusieron de moda los estilos italianos en diversas manifestaciones artísticas, incluida la música. Las zarzuelas del siglo XVIII se convirtieron en obras estilísticamente parecidas a las óperas italianas: por ejemplo, las obras de Antonio de Literes. Pero al llegar el reinado de Carlos III, también Borbón, los problemas políticos provocaron una serie de revueltas contra los ministros italianos, hecho que repercutió en las representaciones teatrales y de nuevo imperó la tradición popular española representada, en esta ocasión, por los sainetes de don Ramón de la Cruz. La primera obra de este autor representada en este género fue Las segadoras de Vallecas (1768), con música de Rodríguez de Hita.





El auge de la zarzuela llegó, en el siglo XIX, a partir de 1839, con los músicos Francisco Barbieri y Emilio Arrieta. Muchas veces el éxito de la obra se debía a una o más canciones que el público aprende y da a conocer oralmente, como ocurría con los cuplés. El engranaje de la obra siguió siendo el mismo: números hablados, cantados, coros, que se aderezan con escenas cómicas que, generalmente, son interpretadas por un dúo. Abundaba el género costumbrista y regionalista y en los libretos se recogía toda clase de modismos, regionalismos y jerga popular.





En ésta época se divide en género chico (zarzuelas de un solo acto) y género grande (zarzuelas de tres actos). Se adoptan temas costumbristas, populares, cómicos y bailes españoles. Algunos autores de esta época son Emilio Arrieta, Federico Chueca, Fernández Caballero, Tomás Bretón y Ruperto Chapí. En el siglo XX comenzó el declive de la zarzuela.





Después de la Revolución de 1868, el país entró en una profunda crisis (sobre todo económica) que se reflejó también en el teatro. El espectáculo teatral era caro y ya no se podían pagar aquellos precios. Fue entonces cuando el Teatro Variedades de Madrid tuvo la idea de reducir el precio del espectáculo y, al mismo tiempo, la duración de la representación. Una función teatral duraba, por aquel entonces, cuatro horas y se redujo a una hora. Fue lo que se llamó teatro por horas.





La innovación tuvo un gran éxito y los compositores de zarzuelas se acomodaron al nuevo formato creando obras mucho más cortas. A las zarzuelas de un solo acto se las clasificó como Género chico y Género grande a las zarzuelas de tres actos o más. La zarzuela grande fue batallando en el Teatro de la Zarzuela de Madrid, pero con poco éxito y poco público. A pesar de esto, en 1873 se abrió un nuevo teatro, el Apolo, que compartió los fracasos con el anterior, hasta que no tuvo más remedio que cambiar el espectáculo al género chico.





Interior del Teatro de la Zarzuela de MadridEn los primeros años del siglo XX, se componen obras de mayor calidad musical como "Doña Francisquita" de Amadeo Vives o, un poco antes Gigantes y Cabezudos)[1] 1898", del maestro Fernández Caballero que supo ganarse muy bien a la crítica componiendo una obra muy del "gusto popular".





La zarzuela se va manteniendo con estas producciones que, a veces, se ajustan a la estructura musical de una ópera italiana, gracias a autores de la talla de Francisco Alonso, Pablo Sorozábal, Federico Moreno Torroba, Rafael Calleja y Jacinto Guerrero. La guerra española abre un paréntesis y en la posguerra, la decadencia es casi total. No existen nuevos autores para este género y no se renuevan las obras. Por otro lado, la zarzuela existente es difícil y costosa de representar y sólo aparece esporádicamente, por temporadas, durante unos pocos días.





En estos primeros años del siglo se empieza a dar el apelativo de género ínfimo a las representaciones conocidas como revistas. Son obras musicales con una conexión de ideas parecida al de la zarzuela pero más ligeras y atrevidas, con números escénicos que, en la época, se calificaron de «verdes», es decir, pícaros, de temas sexuales y con letras de doble intención. Una de estas obras fue La Corte de Faraón, basada en la opereta francesa Madame Putiphar. La música se hizo tan popular que algunos de sus números acabaron siendo verdaderos cuplés difundidos por el público.

sábado 21 de febrero de 2009

- PRESAS -




Leopoldo Presas


Plástico porteño


Expresionista argentino





Nace en en la Ciudad de Buenos Aires, el 21 de febrero de 1915.

En 1938 egresa de la Academia Nacional de Bellas Artes y del Instituto Argentino de Artes Gráficas. Recibe de Spilimbergo las primeras aproximaciones emocionales con la plástica.





A partir de 1939 realiza sus primeras exposiciones tomando parte del grupo "Orión" junto a Barragán, Forte, Ideal Sánchez, Pierri y Venier, entre otros.
Paralelamente a su actividad artística, organiza un taller de diseño para el estampado de telas.





En 1946 comienza a ser estimado por la crítica y recibe diversos premios estímulo que fortalecen su tarea. Realiza en el Museo de Arte Moderno una exposición apadrinado por Marcelo De Ridder en 1950 con notable repercución que le permite viajar a Europa para perfeccionar su arte visitando Francia, España, Inglaterra y Bélgica. Luego, en 1956, lo hace en EE.UU. y es invitado a la Bienal de Venecia.





En 1963 recibe el Premio Palanza, consagratorio para el artista. Posteriormente realiza un gran número de exposiciones en el país y en el exterior, cosechando importantes logros. En 1967 realiza una retrospectiva con 108 obras en la desaparecida Gallery of Modern Art y Huntington Hartford Collection de Nueva York. Es elegido, en su país, presidente de la Sociedad Argentina de Artistas Plásticos.





Entre 1979 y 1987 se radica en París desde donde envía obra para ser expuesta en diversas oportunidades en Buenos Aires.
En 1994 se realiza una gran retrospectiva en las Salas Nacionales de Cultura, (Palais de Glacé), organizada por la Galería Zurbarán en Buenos Aires.


viernes 20 de febrero de 2009

- CORONADO -





Martín Coronado


Periodista, poeta y dramaturgo.




Cantó las cosas sencillas y los sentimientos humildes, y porque supo penetrar en el alma del pueblo, fue durante muchos años el más popular de nuestros poetas.

En 1873 publicó su primer volumen de versos y en 1876 estrenó su primera obra teatral, el poema dramático "La Rosa Blanca", representada en el teatro de la "Opera", (C. F.).





Otro estrenos suyos fueron "Luz de Luna y Luz de Incendio", "1810"", "Salvador", "Un Soñador"; "La Flor del Aire", "Cortar por lo Más Delgado", "Parientes Pobres", "Justicias de Antaño", "El Sargento Palma", "La Piedra del escándalo" y "La Chacra de don Lorenzo".

En 1902 la compañía de José J. Podestá estrena en el teatro "Apolo" la que sería su inmortal obra, "La Piedra del Escándalo", drama con el que se afirma definitivamente el teatro criollo y que lo consagra como primer dramaturgo argentino.





En esta famosa obra cantó el gran Pablo Podestá el estilo del mismo nombre con versos suyos, que rebasó todos los límites de la popularidad y cantaron los troveros de la época, incluidos Gardel y Razzano. (Este grabó de él "Canción de Mayo" con música de Víctor Pedro Donato, en 1929).

Tratamos de hallar algún indicio sobre tratos con Carlos Gardel y no encontramos, aunque no se descarta la posibilidad de que los hubo, pues por ahí se dice que alguien se lo recomendó cuando empezó en su adolescencia con sus trinos.

Coronado nació en la Ciudad de Buenos Aires el 14 de julio de 1850 y falleció un día como hoy, el 20 de febrero pero de de 1919.





Recordemos que llevan su nombre, una localidad bonaerense y también una de las salas del Teatro San Martín, del Complejo Teatral Buenos Aires.

jueves 19 de febrero de 2009

- WILLIAMS -




Amancio Williams


Diseñando el futuro


Visiones arquitectónicas


Amancio Williams -19 de febrero de 1913 - 14 de octubre de 1989-


Fue un arquitecto modernista argentino, conocido por haber diseñado la Casa del Puente,también conocida como "Casa sobre el arroyo", una vivienda ubicada en la ciudad de Mar del Plata.





Williams nació en la ciudad de Buenos Aires en 1913. Su padre era el músico Alberto Williams. A los 18 años ingresó a la Facultad de Ingeniería de la UBA, aunque abandonó sus estudios tres años más tarde para dedicarse a la aviación, hasta que ingresó a la Facultad de Arquitectura de la UBA en 1938, de la cual egresó en 1941.
Williams se destacó por un enfoque basado en la investigación, pero pocos de sus proyectos fueron realizados. Uno de ellos fue la Casa del Puente, la cual diseñó para su padre y fue construida entre 1943 y 1945 (bajo su dirección). En 1949 se hizo cargo de la dirección de uno de los pocos proyectos del reconocido arquitecto modernista suizo-francés Le Corbusier en Sudamerica, la Casa Curutchet (ubicada en La Plata).





Williams es reconocido por difundir los ideales del movimiento moderno y ha sido nombrado miembro honorario de instituciones como la Universidad de la República y la Universidad Federico Villarreal. También formó parte de la Academia Nacional de Bellas Artes y recibió un premio de la Fundación Konex en 1982. Williams es también reconocido por su enfoque basado en realizar estudios e investigaciones, y que tocaba diversas disciplinas.





En Vicente Lopez existe el "Monumento del fin del milenio", originalmente diseñado por Williams en honor a su padre, que utiliza las "bóvedas cáscara", un diseño de Williams que consiste en una forma de hormigón armado que no requiere de otros elementos para sostenerse a si misma excepto su columna (la cual es hueca y actúa como desagüe). El proyecto fue impulsado por el arquitecto Claudio Vekstein y uno de los ocho hijos de Williams, Claudio.





Este no fue el único proyecto de Williams en el que utilizó las bóvedas cáscara: también las usó en un pabellón de exposiciones en la feria del centenario de la Sociedad Rural Argentina en Palermo y en el diseño de tres hospitales en la provincia de Corrientes, entre otros. Algunos de sus proyectos nunca realizados incluyen una propuesta para el aeropuerto de Buenos Aires y la llamada "Ciudad que necesita la humanidad". Muchos de estos proyectos fueron expuestos y aparecieron en revistas especializadas, recibiendo reconocimiento por parte de sus colegas.





La Casa del Puente

Construída entre 1943 y 1945 para su padre, la "Casa del Puente" ó "Casa sobre el arroyo", se ubica en un terreno de dos manzanas atravesado por un arroyo, en la ciudad de Mar del Plata. La casa consiste en una caja con forma de prisma ubicada sobre un puente curvo que cruzaba el arroyo. Williams también diseñó una serie de elementos de madera para su interior.





Tras la muerte de Alberto Williams la casa fue vendida y utilizada para la emisora de radio LU9, lo cual llevó a que se le realizaran algunas remodelaciones. Tras la muerte de su propietario la casa entró en sucesión y a pesar de que fue declarada de Interés Patrimonial, Cultural y Natural por la Municipalidad de General Pueyrredón y de ser incorporada al Código de Preservación Patrimonial, la casa quedó abandonada y sufrió un incendio y una serie de actos de vandalismo.

miércoles 18 de febrero de 2009

- MORES -




Mariano Mores


Cumpleaños de un gran artista


Prócer viviente de nuestra música



Mariano Mores es un famoso músico argentino, pianista, compositor y director de orquesta de tango. Se lo considera uno de los mejores pianistas del mundo.





Nació con el nombre de Mariano Alberto Martínez en el barrio San Telmo, Ciudad de Buenos Aires, un 18 de febrero de 1918.

Estudió en el conservatorio D’Andrea en Lanús Oeste. Hizo el Profesorado de Música clásica en sólo tres años; a los catorce años ya trabajaba en el café Vicente de la calle Corrientes. Fue acompañante en el conjunto criollo La Cuyanita y por un tiempo fue pianista de Roberto Firpo.





Estrenó sus primeras composiciones en el Trío Mores, que integraba junto a las hermanas Margot y Myrna Mores. Se casaría con Myrna (cuyo verdadero nombre es Guillermina Morales) y adoptaría el apellido Mores como nombre artístico. En realidad él era simplemente Marianito, el pianista de las Hermanas Mores, el apellido se le agregó por usos y costumbres: "Actúan los Mores" o "El trío Mores" Después de su casamiento Myrna dejó de cantar profesionalmente para dedicarse a su hogar e hijos, pero siempre acompañó a su marido a las giras mundiales junto a su orquesta.





En 1938 compuso varias obras para la película Senderos de fe, que no tuvo éxito, pero que le dio la oportunidad de conocer gente del ambiente, por ejemplo Roberto Sciammarella y Alberto Vaccarezza.

Fue piano solista en la orquesta de Francisco Canaro entre 1939 y 1948; formó su propio grupo y ese mismo año debutó en la sala del Teatro Presidente Alvear, dirigiendo una gran orquesta.





Tiene más de 300 grabaciones. Su primer cantor fue su hermano Enrique Martínez, con el seudónimo de Enrique Lucero. Por su orquesta desfilaron muchos vocalistas:

el uruguayo Mario Ponce de León
Aldo Campoamor
Carlos Acuña
Susy Leiva, Virginia Luque y Tita Merello (en "Buenas Noches Buenos Aires")
Miguel Montero
Hugo Marcel
su hijo Nito Mores (fallecido en 1984)





Actualmente cantan junto a Mariano Mores y su orquesta, su hija Silvia Mores, su nieto Gabriel Mores (hijo de Claudia y Nito Mores). Su sobrino Ariel Mores y el cantante uruguayo, radicado en la Argentina Daniel Cortés (quien anteriormente cantara con su verdadero apellido Cuffos y fuera rebautizado por el maestro M. Mores como Daniel Cortés).





En sus giras internacionales, no solamente llevaba su orquesta o sexteto, y sus cantores, siempre lo acompañaron diversos ballets de Tango y Folklore, ya que en sus presentaciones jamas dejó de lado las danzas folkloricas. En la década del 50, el Ballet Soler-Evans, en la del 60 El ballet de Victor Ayos, quien también fue su coreógrafo en la recordada "Buenas Noches Buenos Aires", tanto en su versión Musical para Teatro o en su versión cinematográfica, bajo la direccion de Hugo del Carril, Mariano Mores y Cecilio Madanes.





En lo que se refiere a materia discográfica, Mores realizó la mayor parte de sus registros comerciales en el sello Odeón, aunque el primer sello que grabó fue Mercurio. En Odeón grabó entre 1954 y 1969. A partir de aqui el maestro Mores grabaría muy poco, en 1972 apenas un disco de cuatro temas en México, un LP (Enteramente Argentina) para el sello Microfón, en 1977, otro LP (Ok Mister Tango) para el sello CBS, en 1986 y un CD en vivo para Leader Music en 1994. Actuó con su orquesta en la película documental Café de los maestros (2008) dirigido por Miguel Kohan y en el álbum Café de los Maestros Vol. 1 y 2 (2005) producido por Gustavo Santaolalla en el que registró las regrabaciones de Tanguera y Taquito Militar.






Algunas obras

Cuartito azul, con Mario Battistella, su primer tango, estrenado en 1939
En esta tarde gris ( 1941)
Tu piel de jazmín (1941)
Grisel (1942)
Uno (1943), con letra de Enrique Santos Discépolo
Cada vez que me recuerdes (1944)
Cristal (1944), con Enrique Cadícamo
Copas, amigos y besos (1944)





A quién le puede importar (1945)
Adiós, pampa mía (1945)
Sin palabras (1946), con Enrique Santos Discépolo
Cafetín de Buenos Aires (1948) con José María Contursi
Una lágrima tuya (1949), con Homero Manzi
El patio de la morocha (1951)





Taquito militar (1952)
La calesita (1953), con Cátulo Castillo
El firulete (1958)
Por qué la quise tanto (1961)
Frente al mar (1963)

martes 17 de febrero de 2009

- VERDI -




Giuseppe Verdi


El gran compositor


Maestro de la Opera



Giuseppe Verdi (1813-1901), el más popular de los compositores de ópera, nacido de una familia pobre en un pequeño pueblo italiano. Comenzó a estudiar música en un pueblo cercano. Busseto, donde fue llevado a la casa de un rico patrón quien más adelante costeó su educación en Milán.





Al completar sus estudios se convirtió en director municipal de música clásica en Busseto y contrajo matrimonio con la hija de su patrón; tres años después regresó a Milán con la partitura de su primer ópera, Oberto. Oberto fue producida en La Scala (casa de ópera de Milán) en 1839, tuvo un éxito bastante modesto, y llevó a Verdi a ser contratado para más óperas. Luego sobrevino el desastre: su esposa y sus dos hijos fallecieron. Verdi se las arregló para completar su siguiente ópera, pero ésta fue un completo fracaso y, en su desesperación, él juró no componer óperas nunca más.





Lo que lo hizo cambiar de opinión fue el libreto del antiguo Jews exiliado de su tierra natal. Verdi era un ardiente nacionalista quien anhelaba por una libre y unida Italia y vió a Jews como un símbolo de los italianos oprimidos. Rápidamente compuso Nabucco, la cual tuvo un éxito enorme. De ahí en adelante, Giuseppe y sus óperas se volvieron un símbolo de la independencia italiana. (El grito "Viva Verdi" también defendía el slogan patriótico “Vittorio Emmanuele, Re D’Italia” Víctor Emmanuel, Rey de Italia).





La melodía vocal expresiva es el alma de las óperas del compositor. Tienen muchos duetos, tríos y cuartetos; y el coro juega un papel fundamental. El estilo de Verdi llegó a ser menos convencional a medida que éste fue envejeciendo, recordemos el caso de Il Trovatore; sus trabajos ulteriores tienen una agradable continuidad musical, menos diferencia entre aria y recitativo, mayor orquestación imaginativa y ricos acompañamientos. Sus últimas cuatro óperas: Don Carlos, Aida, Otello y Falstaff son quizás las mejores. Falstaff, su trabajo final, es una obra maestra cómica la cual termina con una fuga despreocupada a las palabras: Todo el mundo es una broma! La fuerza del destino es otra obra destacada. Sus composiciones menos reconocidas son Ernani, Luisa Miller y Un ballo in maschera.





Operas de Verdi

En sus treinta, Verdi compuso Rigoletto (1853), y La Traviata (1853). A pesar de que el público las amó, los críticos estaban frecuentemente escandalizados por el tema de la ópera pues ellos parecían condenar la violación, el suicidio y el amor libre. Pero Giuseppe era ferozmente independiente y vivió abiertamente con su segunda esposa por diez años antes de casarse con ella. Luego del éxito que le provocaron dichas obras y las cuales le hicieron rico, Verdi compró un estado en Busseto; y en 1861 fue elegido en el primer parlamento que se convocó luego de que Italia llegara a ser una nación. En sus últimos años escribió Aida (1871), Otello (1887), y a la edad de setenta y nueve años su ópera final, Falstaff (1893).





Verdi no componía para la elite musical, sino que lo hacía para la masa pública cuyo principal entretenimiento era la ópera. Buscó temas que fueran originales, interesantes y pasionales; sobre todo pasionales. Casi todos sus maduros trabajos son serios y acaban infelizmente; ellos se mueven rápidamente e involucran a sentimientos extremos de odio, amor, celos y miedo; y su música poderosa subraya las dramáticas situaciones.

lunes 16 de febrero de 2009

- GROUSSAC -




Paul Groussac


Aniversario de su nacimiento


Para conocerlo mejor



Paul-François Groussac (15 de febrero, 1848 — 27 de junio, 1929) fue un escritor, historiador, crítico literario y bibliotecario Franco-Argentino. Nació en Toulouse de Catherine Deval y Pierre Groussac, un descendiente de una vieja familia de Languedoc.





En su juventud en Toulouse estudió los clásicos. Es enviado a la casa de su abuela en Sorèze por unos meses, luego de morir su madre en 1858; allí estudia en el colegio de los dominicos, donde conoce al padre Lacordaire, un escritor romántico que ejerce influencia sobre él. Víctor Hugo es en esta época, su máximo inspirador.





En 1865 se matriculó en la École Navale de Brest, pero optó por no ejercer la carrera militar. Se anotó en la Escuela de Bellas Artes de Toulouse, pero disgustado con el rigorismo de la carrera, decide abandonarla antes de comenzar a curar. Este mismo año, obtiene de su padre permiso para realizar un largo viaje, pero una vez llegado a París, nota que tiene muy poco dinero para continuar y, no queriendo regresar en esas condiciones, decide gastar el dinero que le resta en un viaje de segunda mano en el primer buque que zarpara. Es así como se sube al velero "Anita", con destino a Buenos Aires (influyó en su decisión de emigrar el disgusto que le ocasionaron las nuevas nupcias que había contraído su padre.) Traía una carta de recomendación del filósofo y antiguo alcalde de Toulouse, Adolphe Gatien-Arnoult, para su ex-colega universitario Amadeo Jacques (que había emigrado a la Argentina y estaba casado con la patricia Benjamina Augier Echagüe). Groussac se queda en Buenos Aires el resto de su vida.





En sus comienzos, trabaja como ovejero en San Antonio de Areco, pero una carta de su padre lo insta a regresar a la vida civilizada.

Durante los próximos diecisiete años, dicta clases de matemática en el Colegio Modelo, comienza sus estudios autodidactas en la biblioteca, trabaja como catedrático, da clases en la Escuela Normal y en el Colegio Nacional. Se interesa profundamente, convirtiéndose en un gran estudioso, en el idioma español; publica en la "Revista Argentina" y dirige "La Unión" (periódico del gobierno tucumano—provincia donde permaneció once años—, por encargo del gobernador Federico Helguera;) escribe para el diario "La Razón" (en el cual realiza un polémico estudio acerca de una posible radicación de los jesuitas en la provincia tucumana) y, más tarde, asume su dirección. Dirigió la Escuela Normal de Tucumán; es nombrado Director de Enseñanza en Tucumán e Inspector Nacional de Educación (en 1874), participa del primer congreso pedagógico como defensor del laicismo presentando una conferencia (que más tarde publica) bajo el título de Estado Actual de la Educación Primaria en la República Argentina. Publica un artículo en "Le Figaro" de París durante su breve estadía en 1883 y, desde París también, envía sus impresiones parisinas publicadas por "El Diario".





En su regreso a Buenos Aires funda "Sud-América" (un diario de ideas liberales opuesto al gobierno porteño; además de él, fueron socios fundadores Lucio V. López, Delfín Gallo, Roque Sáenz Peña y Carlos Pellegrini); en 1885 vuelve a ser designado inspector de educación y jefe de la Biblioteca Nacional (año en la cual se nacionaliza; antes era la Biblioteca Pública de Buenos Aires) por orden del presidente Julio Argentino Roca. Ocupó este cargo hasta su muerte, cuarenta y cuatro años más tarde. Este mismo año, tiene grandes desacuerdos con la prensa clerical y los defensores por la educación religiosa, en el debate nacional sobre Ley de Educación.

Para 1894, ya escribía en La Nación y Le Courrier du Plata, y había publicado numerosos artículos acerca de sus viajes por América. Ese mismo año, funda un diario en francés, "Le Courrier Français, journal du matin, politique, littéraire & commercial", con la colaboración financiera del industrial Clodomiro Hileret; que suspende a los dos años. El resto de los años venideros, se dedica profundamente a la Biblioteca, ordenándola, administrándola y aumentando su patrimonio enormenmente gracias a grandes donaciones que él promovió.
Tras una operación glaucoma en 1926, pierde la poca vista que conservaba, pocos años antes de morir, a los 81 años.





Sus obras más destacados son La Biblioteca (1896) y Anales de la Biblioteca (1900), que fueron antologías de ensayos críticos, relatos históricos de la biblioteca y documentos pertinentes a la historia del Río de la Plata. Como redactor de la revista Sud América, Groussac se encontró en el centro del mundo literario de Argentina. Sus obras subsiguientes, como Estudios de historia argentina, Ensayo histórico sobre el Tucumán y Mendoza y Garay se destacaron por una riqueza de factos, descripciones vívidas de personajes y sus entornos, y un estilo lúcido y esmerado.





Otras de sus obras significantes son Fruto vedado (novela,) Relatos argentinos, La divisa punzó, Crítica literaria, Las islas Malvinas y sobre todo (por la pasión que sobre él infundía), la "Biografía de Liniers", finalmente publicada como libro en 1907, luego de adelantar capítulos en la revista de la Biblioteca.





Su póstuma reputación fue apoyada por menciones frecuentes en los ensayos críticos de Jorge Luis Borges, quien escribió su necrología. En el ensayo autobiográfico La ceguera, Borges mencionó la influencia de Groussac sobre Alfonso Reyes, a quién apreciaba mucho: "Alfonso Reyes me dijo: Groussac, que era francés, me enseñó cómo debe escribirse en castellano."





Como crítico, Groussac fue muy conocido por su carácter despiadado y intratable, y por su sarcasmo fulminante. Borges analizó unos de sus insultos literarios en Arte de injuriar (1933), un artículo de Sur.





También hay unos paralelos biográficos entre Groussac y Borges: entre 1955 y 1973 Borges ocupó el viejo puesto de Groussac en la Biblioteca Nacional. Además, fueron ambos ciegos durante sus respectivas ocupaciones.





Está enterrado en el Cementerio de La Recoleta.

domingo 15 de febrero de 2009

- 188 AÑOS DE CABALLITO -




CABALLITO:


UN ANTIGUO BARRIO PORTEÑO


COMPLEAÑOS N° 188



En el año 1804 en la esquina de Rivadavia y Emilio Mitre, se abrió una pulpería perteneciente al vecino Nicolás Vila, en su techo se encontraba la única y típica veleta del barrio con la silueta de un caballito.





A ella el barrio debe su nombre, esta era una zona de hermosas quintas muchas de ellas para vivienda permanente y otras utilizadas para fin de semana por los porteños, las mismas se veían a lo largo de la actual Rivadavia, era una zona tranquila, con mucho verde. Una de sus famosas quintas fue la de Ambrosio Plácido Lezica, a partir de la cual en el año 1928 nace el hoy llamado parque Rivadavia.

La llegada del tranvía y luego la del subterráneo como en muchos otros barrios de Buenos Aires, contribuyeron favorablemente en sus principios para impulsar un gran desarrollo habitacional y comercial en la zona.





LOS TRANVIAS EN CABALLITO

En 1913 por primera vez la empresa Anglo Argentina hizo circular el granvía número 49 que circulaba entre el bajo Flores y Primera Junta, este recorrido tuvo su origen porque una linea de carga transportaba tierras de la construcción del subte A, a la zona del bañado detrás del cementerio de Flores. Estos tranvías dejaron de funcionar por un decreto de Noviembre de 1961 que determinaba que podían funcionar solamente por un año más.





PRIMER COLECTIVO ENTRE CABALLITO Y FLORES

En la crisis económica de 1928 un grupo de taxistas afecatados por las sircunstancias y los escasos ingresos decidieron utilizar los taxis para establecer una linea colectiva de pasajeros entre la Plaza Primera Junta, San José de Flores y Rivadavia y Lacarra, cobraban 0,20 centavos entre cabeceras y 0,10 centavos hasta Plaza Flores.





Estas personas fueron los precursores del sistema de transporte de colectivos. Los coches podían transportar hasta seis pasajeros, ubicados tres en el asiento trasero y dos en asientos plegables y uno al lado del chofer.En las horas cruciales se habilitaban coches especiales para damas. Una semana más tarde ya estaban circulaban 10 lineas de colectivos con un total de 410 vehículos.





CLUB FERRO EN LA HISTORIA DE CABALLITO

En Julio de 1904 empleados del Ferrocarril Oeste se reúnen con el fin de fundar un club para que sus asociados puedan dedicarse a los ejercicios físicos. El 8 de Diciembre de 1904 se inaugura y se realiza una cinchada conmemorativa, lo cual se repitió hasta 1912, año en el cual ser reemplazó la cinchada por una disputa futbolística entre empleados ingleses y locales. Así fué como se inició el Club Ferro Carril Oeste.





Desde el 13 de Febrero comienzan los festejos por el Aniversario número 188 de la República de Caballito. La fecha de la conmemoración es el 15, día que se recuerda la fecha en que se compró el predio que dio origen a la “pulpería del caballito”, donde se izaría la veleta que dio lugar al nombre del barrio, en la esquina de Emilio Mitre y Rivadavia.





En este aniversario el CGPC 6 junto a 22 instituciones que conforman la Red de Cultura Caballito (desde 1989) organizan 17 actividades gratuitas entre los viernes 13 y 20 de febrero; que incluyen música de tango, jazz, blues y rock; exposiciones; visitas guiadas; paseos en tranvía y un cumpleaños que iluminará el cielo del Parque Rivadavia con muchos fuegos artificiales.

viernes 13 de febrero de 2009

- CORTAZAR -




25 años sin Cortazar


Uno de los máximos de la literatura argentina


Con esa personalidad física y verbal




Julio Cortázar nació en Bruselas el 26 de Agosto de 1914, de padres argentinos. Llegó a la Argentina a los cuatro años. Paso la infancia en Bánfield, se graduó como maestro de escuela e inició estudios en la Universidad de Buenos Aires, los que debió abandonar por razones económicas. Trabajó en varios pueblos del interior del país.





Enseño en la Universidad de Cuyo y renunció a su cargo por desavenencias con el peronismo. En 1951 se alejó de nuestro país y desde entonces trabajó como traductor independiente de la Unesco, en París, viajando constantemente dentro y fuera de Europa. En 1938 publicó, con el seudónimo Julio Denis, el librito de sonetos ("muy mallarmeanos", dijo después el mismo) Presencia.





En 1949 aparece su obra dramática Los reyes. Apenas dos anos después, en 1951, publica Bestiario: ya surge el Cortázar deslumbrante por su fantasía y su revelación de mundos nuevos que irán enriqueciéndose en su obra futura: los inolvidables tomos de relatos, los libros que desbordan toda categoría genérica (poemas-cuentos-ensayos a la vez), las grandes novelas: Los premios (1960), Rayuela (1963), 62/Modelo para armar (1968), Libro de Manuel (1973).





El refinamiento literario de Julio Cortázar, sus lecturas casi inabarcables, su incesante fervor por la causa social, hacen de él una figura de deslumbrante riqueza, constituída por pasiones a veces encontradas, pero siempre asumidas con él mismo, genuino ardor.





Julio Cortazar murió en 1984, un 12 de enero, pero su paso por el mundo seguirá suscitando el fervor de quienes conocieron su vida y su obra.

Entre sus obras:

• Los Reyes (1949)
• Bestiario (1951)
• Final de Juego (1956)
o Continuidad de los parques





o No se culpe a nadie
• Las armas secretas (1959)
• Los premios (1960)
• Historias de Cronopios y de Famas (1962)
o Instrucciones para subir una escalera
o Historias de Cronopios y de Famas
o Conducta en los velorios





• Rayuela (1963)
• del capítulo 7
• del capítulo 68
• Todos los fuegos el fuego (1966)
• La vuelta al día en ochenta mundos (1967)
o la máquina para leer Rayuela y otras historias
• 62/Modelo para armar (1968)





• Último round (1969)
• La prosa del Observatorio (1972)
• Libro de Manuel (1973)
• Octaedro (1974)
• Alguien anda por ahí (1977)
• Territorios (1978)
• Un tal Lucas (1979)
o Lucas, sus pudores
• Quremos tanto a Glenda (1980)





• Deshoras (1982)
• Nicaragua tan violentamente dulce (1983)
• Los autonautas de la cosmopista (1983, escrito con Carol Dunlop)
• Divertimento (1986)
• El Examen (1986)
• Diario de Andrés Fava (1995)
• Adiós Robinson (1995)

- GÛIRALDES -




Nace Ricardo Güiraldes


Emblema de un estilo


Creador de DON SEGUNDO SOMBRA




Ricardo Güiraldes nació en 1886, un día como hoy, 11 de enero, en medio de una acaudalada familia porteña. Sus primeras palabras las dijo en Francia, adonde su familia se traslado cuando el niño había cumplido un año. Ricardo pasó en Europa su primera infancia, aprendiendo a hablar francés, alemán y por último castellano.





En 1890 los Güiraldes vuelven a Buenos Aires. La vida de Ricardo se repartía entre la casa en plena ciudad y la estancia "La Porteña" en San Antonio de Areco.
El despertar a la vida en las grandes ciudades del mundo marcó su futuro estilo cosmopolita y universal.

Su infancia en el campo le descubrió al gaucho y marcó el objetivo final de su obra literaria.





Desde su adolescencia, Ricardo Güiraldes alternó la vida en el campo con la lectura. Devoró los libros de los narradores clásicos de la vanguardia. Probó escribiendo sus primeras páginas y contó acerca de quienes las leyeron: "Todos se reían, como era debido".

En su juventud tuvo un fugaz paso por las facultades de arquitectura y derecho en las que no logró más que aplazos.





Comenzó entonces sus viajes con amigos alrededor del mundo, donde alejado de "La Porteña", no se decidía a escribir.
Se convirtió en el más pícaro de los playboys, las fiestas, la noche, el tango y las mujeres. Europa se rindió a su encanto. Pero entre todas las mujeres, Ricardo se rindió a una argentina, Adelina del Carril.





Con ella se casó en 1913 y de ese matrimonio nacieron en 1915 los dos primeros libros de Güiraldes: "El cencerro de cristal" y "Cuentos de muerte y de sangre". Fueron rotundamente despreciados por la crítica e ignorados por el público. Ricardo los tiró en el pozo de "La Porteña".





En el texto, explica el porque del fracaso de estos dos primeros libros de Güiraldes. De los escritores de esa época, solo Leopoldo Lugones reconoció el narrador nato y exquisito que palpitaba en Ricardo Güiraldes.

En 1923 publico Xaimaca ,libro de viajes en forma de novela , de estilo e imagineria poéticos e impresionistas.En 1926, Ricardo Güiraldes había recorrido con sus viajes las grandes ciudades del mundo.





En todas partes encontró un cuadro similar. El paisaje estaba dominado por la era industrial y su herramienta fundamental, la producción en cadena.
Hombres y mujeres solo eran un engranaje, una pieza más de las grandes fábricas y empresas.





Había nacido la sociedad de masas. Las personas apretadas en las ciudades, perdían su identidad para sumarse a la multitud.
Güiraldes con su obra proponía al lector recuperar su identidad perdida. Ser uno, en lugar de muchos.

Ricardo Güiraldes logró que el folklorismo trascendiera sus límites locales. Creó un lenguaje universal. el gaucho y La Pampa perdieron su encierro y se sumaron al bagaje literario de las gentes de cada rincón del planeta.





Su obra culmina con el clásico Don Segundo Sombra (1926) cuya historia se basa en el Kim de R. Kipling , con metáforas procedentes del vanguardismo frances de principios de siglo, en esta obra el cosmopolismo literario y el arraigo al país se funden en una de las producciones más características de la moderna literatura latinoamericana. Postumamente se publicaron sus Poemas Solitarios (1928).

jueves 12 de febrero de 2009

- BREST -




Jorge Romero Brest


Un adelantado en la comunicación


Aniversario de su muerte




Jorge Anibal Romero Brest, Coco (1905-1989) fue un influyente y discutido crítico de arte argentino, vinculado a la promoción de las escuelas de vanguardia entre las décadas del 60 y del 70 en América Latina. Dirigió el Museo Nacional de Bellas Artes (1955-1963) y el Centro de Artes Visuales del Instituto Di Tella (1963-1969), en Buenos Aires.





Su primera experiencia como crítico de arte fue una conferencia titulada "El elemento ritmo en el cine y el deporte". Brest fue un gran conferencista, y alcanzó su fama en gran medida a través de ellas. Luego comenzó a escribir artículos sobre arte en La Vanguardia, el diario del Partido Socialista de Argentina. Su primera colaboración fue un artículo titulado "Sugestiones para una filosofía del deporte. Acotaciones artísticas".





En 1937 escribió su primer libro, El problema del arte y del artista contemporáneos. Bases para su dilucidación crítica. A fines de 1940, ya se destacaba por su atención a los movimientos artísticos de vanguardia, pero también por sus actitudes fuertemente críticas, descalificando la primera muestra del Grupo Orión, una conjunción de pintores y escritores surrealistas fundado por Luis Barragán, Bruno Venier y Vicente Forte, recomendándoles a los pintores que, primero debían «aprender a pintar».





En 1942 publicó el libro Prilidiano Pueyrredón y al año siguiente David. En 1945 publicó los dos primeros tomos de Historia del Arte (el tercero fue publicado en 1946 y en 1958, el cuarto). Esta última obra fue utilizada como texto de estudios en varias universidades latinoamericanas. Durante el peronismo (1945-1955) se afilió al Partido Socialista pero sin convicción.





Como consecuencia de su adscripción política, el gobierno peronista lo cesó en los empleos docentes que desempeñaba. Brest entonces comenzó a dictar un Curso de Estética e Historia del Arte en la librería Fray Mocho, que tuvo gran concurrencia y le permitió comenzar a ganar dinero.





Las conferencias y cursos llevaron a que se generara una cantidad de seguidoras y seguidores de sus puntos de vista con quienes en 1948 fundó la revista Ver y Estimar. En 1952 publicó La pintura europea contemporánea, su libro más destacado. Para entonces comienza a adquirir fama internacional y a formar parte de jurados en las muestras de arte internacionales (Venecia, París, San Pablo, Tokio).





En 1955 la dictadura militar autodenominada Revolución Libertadora lo nombró director del Museo Nacional de Bellas Artes, dirigiéndolo hasta 1963. El hecho ha generado debates, pero es unánime la opinión de que renovó decisivamente un museo que se encontraba virtualmente abandonado, impulsando desde el mismo nuevas corrientes artísticas.

Sus críticos le recrimian haber impulsado y desplazado caprichosamente a pintores y corrientes. Más allá de las mismas, el museo, bajo la dirección de Brest, impulsó por épocas a pintores como Raúl Soldi, Héctor Basaldúa, Guillermo Butler, Lino Eneas Spilimbergo, Emilio Pettoruti, Miguel Carlos Victorica, Ramón Gómez Cornet y Antonio Sibellino. También promovió a los pintores del Grupo Orión, que había criticado tan duramente en la década anterior: Leopoldo Presas, Vicente Forte y a Raúl Russo.





En 1960 organizó una muestra para exponer el trabajo de los abstractos: Sarah Grilo, Fernández Muro, Octavio Ocampo, Kazuya Sakai, Clorindo Testa. En 1963 el museo realizó una importante exposición de la Nueva Figuración, con los llamados "cuatro jinetes del Apocalipsis": Jorge de la Vega, Luis Felipe Noé, Ernesto Deira y Rómulo Macció.





Luego de renunciar al Museo Nacional de Bellas, le ofrecieron la dirección del Instituto Di Tella (calle Florida al 900), una institución que desempeñó un rol esencial en la renovación del arte argentino y la difusión del pop. De allí surgieron figuras como Marta Minujín realizando su famosa "Menesunda" y la difusión de los "happenings", León Ferrari, Josefina Robirosa, Federico Klemm, Nicolás Garcia Uriburu, Antonio Seguí. En 1969 el Instituto debió cerrar. Ese mismo año publicó un nuevo libro con el título Ensayo sobre la contemplación artística.

El criterio básico de selección de Romero Brest estaba basado en un genuino aporte creativo por parte del artista: "una cierta calidad objetiva, que no fuera un simple remedo tardío de los movimientos europeos".

La personalidad de Romero Brest siempre fue confrontativa y contradictoria, lo que le valió ganarse de adeptos incondicionales con la misma facilidad que enemigos encarnizados.





Por un lado soy un político del arte, un agitador, en tanto considero una valoración social de la obra; y por otro soy un gozador del arte, fuera de toda determinación y de toda ideología, en cuanto hago juicios de valoración contemplativa. Sin embargo, nunca tuve ideas claras y definitivas sobre el arte. Cuando escribí el libro no las tenia, y mucho menos ahora".

miércoles 11 de febrero de 2009

- TIEMPO -




Frases y citas célebres sobre

El Tiempo




La verdad es hija del tiempo.
Aulo Gelio

Con veinte años todos tienen
el rostro que Dios les ha dado;
con cuarenta el rostro
que les ha dado la vida y
con sesenta el que se merecen.
Albert Schweitzer





El tiempo saca a luz todo
lo que está oculto y encubre
y esconde lo que ahora brilla
con el mas grande esplendor.
Horacio

Quien pierde su tiempo
pierde la vida.
¡Las horas vacías
no vuelven jamás.
José Luis Almada

Nunca pienso en el futuro.
Llega enseguida.
Albert Einstein





No son malos tiempos,
son malos hombres.
John Beaumont

El amor hace pasar
el tiempo; el tiempo
hace pasar el amor.
Proverbio italiano

El tiempo es una imagen
móvil de la eternidad.
Platón

El mejor profeta del
futuro es el pasado.
John Sherman

No existe en el mundo nada
más poderoso que una idea
a la que le ha llegado su tiempo.
Victor Hugo





El tiempo, ese juez insobornable
que da o quita la razón.
J.M.García

Los primeros cuarenta años
de vida nos dan el texto;
los treinta siguientes,
el comentario.
Arthur Schopenhauer

Cuán insensato es el hombre
que deja transcurrir el
tiempo estérilmente.
Goethe

Tómate tiempo para deliberar,
pero cuando llegue la hora de
la acción deja de pensar y actúa.
Andrew Jackson

El tiempo no es sino el espacio
entre nuestros recuerdos.
Henri-Frédéric Amiel





Solamente aquel que construye
el futuro tiene derecho
a juzgar el pasado.
Friedrich W. Nietzsche

Malgasté el tiempo y ahora
el tiempo me malgasta a mí.
William Shakespeare

Más vale una palabra a
tiempo que cien a destiempo.
Miguel de Cervantes

Un minuto que pasa es irrecuperable.
Conociendo esto, ¿cómo
podemos malgastar tantas horas?.
Gandhi





Se dice que el tiempo es
un gran maestro; lo malo es
que va matando a sus discípulos.
Hector Berlioz

El que se ocupa demasiado
en hacer el bien no tiene
tiempo de ser bueno.
Rabindranath Tagore

La manera más segura
de llegar tarde,
es tener demasiado tiempo.
Leo Kennedy

lunes 9 de febrero de 2009

- MACEDONIO -





MACEDONIO FERNANDEZ


Una mente brillante



Escritor argentino, nacido en 1874 y fallecido en 1952.

(Aniversario de su fallecimiento)





Creador de la nueva novela latinoamericana, que se apartó de los cánones tradicionales y llevó la narración hacia la fantasía y la imaginación creadora, entre sus obras principales se encuentran: Papeles de recienvenido (1929), Una novela que comienza (1941) y Continuación de la nada (1949). A él se debe el primer acercamiento a la novela mimética.





"Pensemos que somos, acaso, la primera nación de América Iatina que está ensayando, ensayando con felicidad, la literatura fantástica - dijo Borges en una entrevista - pensemos que en casi toda la América latina la literatura no es otra cosa que un alegato político, un pasatiempo folclórico o una descripción de las circunstancias económicas de tal o cuaI cIase de población, y que aquí, en Buenos Aires, ya estamos inventando y soñando con plena libertad."





El primer auténtico cuestionamiento de la realidad misma, y por ende de la novela mimética, se debe en Hispanoamérica a Macedonio Fernández. Está claro que la familiaridad de Macedonio, como poeta, con las doctrinas del creacionismo y del ultraísmo hubiese reforzado su deseo de romper con el realismo. Pero la clave de la comprensión en Macedonio es, por lo menos en su prosa el tema de la muerte, aunque en algunas de sus poesías quizá abre otra perspectiva: la de un idealista filosófico de los más intransigentes.





Para él, ser es literalmente ser percibido. Fuera de la percepción no existe nada, ni siquiera el sujeto individual que percibe. Desaparecen tanto la identidad personal como la cosa en sí. No quedan más que estados de una sola conciencia que incluye sujeto y objeto en un todo indivisibIe: un infinito fenómeno psíquico.





Para entender el mundo de Macedonio hay que tener en cuenta que es una serie de procesos mentaIes que no se desenvuelven en el espacio, sino de modo sucesivo en eI tiempo, eI mundo interpretado según el monismo o idealismo total. Pero Macedonio, para quien todo cuanto es y hay es un sentir, y es lo que cada uno de nosotros ha sido siempre y continuadamente.





Enunciadas por primera vez sistemáticamente en Doctrina estética de la novela, las ideas sobre la novela de Macedonio cuajaron más tarde en una provocación a la escuela realista, un programa total de desacreditamiento de la verdad o realidad de lo que cuenta la novela.





En Ia noveIa tradicional todo el goce del lector consiste en la suspensión voluntaria de la incredulidad y en la autoidentificación con los personajes y las situaciones. A todo eso Ma- cedonio lo llama, con el máximo desdén, "la alucinación". Lo que él busca, en cambio, es algo muy distinto: la conmoción de la certeza del ser.





Dijo Macedonio Fernández: "He logrado en toda mi obra escrita ocho o diez momentos en que, creo, dos o tres renglones conmueven la estabilidad, la unidad de alguien. A veces creo, sin embargo, que la literatura no existe porque no se ha dedicado únicamente a este juego de desidentificación."