► PRO cultura

- SARMIENTO -

2011-09-11T19:58:00.002-03:00

Himno a Sarmiento

Fue la lucha, tu vida y tu elemento;
la fatiga, tu descanso y calma;
la niñez, tu ilusión y tu contento,
la que al darle el saber le diste el alma.

Con la luz de tu ingenio iluminaste
la razón, en la noche de ignorancia.
Por ver grande a la Patria tu luchaste
con la espada, con la pluma y la palabra.

En su pecho, la niñez, de amor un templo
te ha levantado y en él sigues viviendo.
Y al latir, su corazón va repitiendo:
¡Honor y gratitud al gran Sarmiento!
¡Honor y gratitud, y gratitud!

¡Gloria y loor! ¡Honra sin par
para el grande entre los grandes,
Padre del aula, Sarmiento inmortal!
¡Gloria y loor! ¡Honra sin par!

Letra y música: Leopoldo Corretjer

- MEMORIAL -

2011-09-11T19:54:00.000-03:00

11 de septiembre

2001 - 2011

- BARBIERI -

2011-09-11T19:53:00.001-03:00

10 de Septiembre de 1956

Fallece Vicente Barbieri

Nació el 31 de agosto de 1903 en Alberti (provincia de Buenos Aires) y fue uno de los principales representantes de la llamada “Generación del '40”. Se desempeñó también como peón, tipógrafo, maestro rural, periodista. En 1935 se traslada a Buenos Aires.

Publica en el suplemento literario de La Nación desde 1941 (antes en Crítica, donde J. L. Borges incluye un cuento suyo). Entre sus obras se cuentan: “Fábula del Corazón” (1939), “Árbol total” (1940), Corazón del Oeste (1941), "La columna y el viento" (1942), “Número impar” (1943), “Cabeza yacente” (1945), “Cuerpo austral” (1945), “Anillo de sal” (1946) y “El bailarín” (1953). En cuanto a la prosa, se destacan: “El río distante”. “Relatos de una infancia”, “Desenlace de Endimión” y “El intruso”. “Facundo en la ciudadela” , su último trabajo, fue estrenado por Orestes Caviglia en la Comedia Nacional.

- BANDONEON -

2011-09-11T19:49:00.000-03:00

Historias de Bandoneón

por Ricardo A. Carrasquet

El bandoneón es un instrumento musical cromático de fuelle y lengüetas libres parecido al acordeón.

Parece que los chinos, lo inventaron, o algo parecido. Se sabe que el francés Gabriel-Joseph Grenié, que vivió en la misma época de Mozart, construyo un instrumento que podía graduar su potencia sonora y fue modelo del armonio. Un alemán, Hermann Ulgh, lo construyó portatil. Era el actual bandoneón.
También se dijo que era una suerte de órgano portátil y podría ser utilizado para musicalizar misas en las calles alemanas.

Transcurría el año 1835. Décadas después, un fabricante vende esos aparatos dándole las iniciales A.A. como marca de fabrica, más tarde cambia porque Vertagh Heinrich Band los armó en su taller (Band Union) dando origen a nombres sucesivos, bandunion, bandonion, bandoneón. Uno de ellos llegó a Buenos Aires hacia 1862, y se sabe el suizo Shumacher animaba con él los descansos de la tropa durante la Guerra de la Triple alianza.
Quince años mas tarde nacía la danza y música que lo hizo famoso: el Tango.

Su forma es cuadrada y su tamaño mayor que el de la concertina, participando más de las características de ésta que de las del acordeón. En lugar de teclado utiliza botones, 38 para el registro agudo y medio y 33 para el grave. Cada botón emite un sonido, de forma que para producir un acorde se deben pulsar varios a la vez. Su sonido es limpio y de una gran extensión, lo que le ha convertido, sobre todo desde principios de siglo, en un instrumento solista muy apreciado por las orquestinas de tango en Argentina, Uruguay y Brasil.

El argentino Alejandro Barletta consiguió popularizarlo en sus largas giras por el mundo, elaborando un repertorio propio para el instrumento. El compositor argentino Roberto Caamaño tiene un concierto para bandoneón y orquesta. No han sido pocos los músicos que se destacaron haciendo sonar las notas y acordes por esa complicada mezcla de lenguetas y vericuetos de viento y tecla. Aníbal Troilo, Astor Piazzolla, Roberto Mederos, Rubén Juárez, Osvaldo Montes son algunos de los más mentados en éste rescate.

El bandoneón le dio las características definitivas al tango, y ha sido en su desarrollo, el instrumento de los dos músicos fundamentales en la evolución del género: Aníbal Troilo, en la década del '40 y Astor Piazzolla en la vanguardia. Ya, en la década de los treinta, los conjuntos aumentan el número de integrantes, llegando a tres y cuatro bandoneones. Antes de la divulgación de los amplificadores eléctricos, se formaban orquestas gigantescas con hasta una veintena de bandoneones. Finalmente se llegará al equilibrio: 4 bandoneones, combinación que permite hacer variaciones a cuatro voces, típicas en el tango.

El bandoneón fue para los poetas del tango como el compañero de la tristeza: “Has querido consolarme con tu voz enronquecida/ y tu nota dolorida aumentó mi berretín...”escribía Pascual Contursi en la década del veinte abriendo una línea que culminaría con las poesías de Manzi: “Fueye” y “Che Bandoneón".

Que vueltas tiene la vida: de Alemania a la Argentina, de las misas al tango, de J.S. Bach a Astor Piazzolla.

- TRORRE NILSSON -

2011-09-11T19:48:00.000-03:00

Leopoldo Torre Nilsson

Leopoldo Torre Nilsson (n. y m. en Buenos Aires, 5 de mayo de 1924 - 8 de septiembre de 1978, inhumado en el cementerio Británico de Buenos Aires) fue un director y productor argentino de vasta filmografía.

Es uno de los realizadores más importantes y representativos del cine argentino. Sus películas de corte intelectual marcaron la Nouvelle vague del cine argentino y consagraron a actores como Graciela Borges, Alfredo Alcón, Elsa Daniel y Leonardo Favio.

Hijo del director Leopoldo Torres Ríos (pionero del cine popular) y sobrino del realizador Carlos Torres Ríos, se formó en el medio cinematográfico. Entre 1939 y 1949 fue asistente de dirección de su padre en 19 filmes y colaborador en el guion de nueve de ellos.

Debutó en la dirección con el cortometraje El muro (1947), cuyos elementos evidenciaban una búsqueda literaria y cierto rechazo al cine demagógico.

En 1949 realizó su primer largometraje co-dirigido con su padre, El crimen de Oribe, adaptación de la novela El perjurio de la nieve, de Adolfo Bioy Casares.

Con La casa del ángel (1956), inició una intensa colaboración y producción con la escritora Beatriz Guido, que generó un estilo denso y perverso que marcó a toda una generación de directores jóvenes en los años sesenta. Se conocieron en 1951 en casa del escritor Ernesto Sábato y su relación (desde el punto de vista creativo una de las mas fructíferas de la época) duró 27 años, hasta su muerte.

En 1955, con Graciela, el Instituto de Cine de la Argentina lo reconoció como el mejor realizador del año.

Los directores de cine Javier y Pablo Torre son hijos de su primer matrimonio.

Filmografía

1950: El crimen de Oribe (en colaboración con su padre, Leopoldo Torres Ríos)
1953: El hijo del crack (ídem)
1954: Días de odio
1954: La Tigra (con Diana Maggi)
1955: Para vestir santos (con Tita Merello)
1956: Graciela (con Elsa Daniel)
1956: El protegido
1957: La casa del ángel (con Elsa Daniel y Lautaro Murúa)
1958: El secuestrador (con Leonardo Favio y María Vaner)
1959: La caída (con Elsa Daniel, Duilio Marzio, Lautaro Murúa, Lidia Lamaison)
1960: Fin de fiesta (con Leonardo Favio y Graciela Borges)
1960: Un guapo del 900 (Alfredo Alcón y Élida Gay Palmer)
1961: La mano en la trampa (con Elsa Daniel, Francisco Rabal, Maria Rosa Gallo, Leonardo Favio)
1961: Piel de verano (con Alfredo Alcón y Graciela Borges)
1962: Setenta veces siete (con Isabel Sarli y Francisco Rabal)
1962: Homenaje a la hora de la siesta (Quatro mulheres para um heroi, en portugués)
1963: La terraza (con Graciela Borges)
1966: El ojo que espía (The Eavesdropper, en inglés)
1967: La chica del lunes (Monday’s Child, en inglés; con Graciela Borges)
1967: Los traidores de San Angel (The Traitors of San Angel, en inglés)
1968: Martín Fierro
1970: Estirpe de raza (basada en El santo de la espada; con Alfredo Alcón y Evangelina Salazar)
1971: Güemes: la tierra en armas
1972: La maffia (Alfredo Alcón, Thelma Biral, China Zorrilla)
1973: Los siete locos (Alfredo Alcón y Leonor Manso)
1974: Boquitas pintadas (con Alfredo Alcón, Martha González, Luisina Brando)
1975: El pibe Cabeza (con Alfredo Alcón y Martha González)
1975: La guerra del cerdo
1976: Piedra libre (con Marilina Ross, Luisina Brando y Juan José Camero)

- ALFABETIZACION -

2011-09-11T19:43:00.003-03:00

Actualizar Día Internacional de la Alfabetización

8 de septiembre

La ceremonia de entrega de los Premios Internacionales de Alfabetización de 2010, una mesa redonda sobre alfabetización y autonomía de la mujer, un debate público y la presentación de una nueva red de alfabetización de la UNESCO fueron los actos más destacados previstos para la celebración del 8 de septiembre, Día Internacional de la Alfabetización, en la Sede de la UNESCO.

A Nueva York, la Directora General de la UNESCO, Irina Bokova, pronunció una importante alocución en la conferencia internacional titulada “La alfabetización, cimiento esencial del desarrollo”, que tendrá lugar en la sede de las Naciones Unidas. El discurso de apertura de esta conferencia fué a cargo de la ex Primera Dama de Estados Unidos, Laura Bush, que es Embajadora Honoraria para el Decenio de las Naciones Unidas de la Alfabetización.

En el mundo entero, el 8 de septiembre era la ocasión de celebrar la autonomía que la mujer alcanza mediante la alfabetización y rendir tributo a los hombres y las mujeres que laboran anónimamente para ayudar a los demás a adquirir las competencias de lectura y escritura, y acceder así a una amplia gama de oportunidades.

A la ceremonia de premiación le siguió la presentación de una nueva red denominada Knowledge and Innovations Network for Literacy [Red de conocimientos e innovaciones para la alfabetización], un taller virtual donde los investigadores y expertos de esta especialidad podrán intercambiar conocimientos y debatir acerca de los temas, participando en foros de Internet. Se espera que esta red contribuya a mejorar la promoción, la formulación de políticas y la ejecución de los programas de alfabetización, así como a fortalecer la cooperación y las iniciativas conjuntas Norte/Sur y Sur/Sur.

El Sr. Qian Tang, Subdirector General de Educación de la UNESCO, presidió la mesa redonda sobre alfabetización y autonomía de la mujer que tendrá lugar ese día.

Las actividades del Día Internacional concluieron con una mesa redonda sobre alfabetización titulada “Alfabetización en acción”, que estará abierta al público en general. En este acto se presentarán las contribuciones de los galardonados con los Premios Internacionales de Alfabetización de la UNESCO de 2010.

La atribución de los Premios Internacionales de Alfabetización corrió a cargo de un jurado internacional, que distinguió a programas innovadores en la materia que fomentan la autonomía de las mujeres mediante la alfabetización en Alemania, Egipto, Nepal, Cabo Verde, Malawi y Colombia.

En el mundo hay alrededor de 796 millones de adultos analfabetos, de los cuales las dos terceras partes son mujeres. En consecuencia, la celebración del Día Internacional de la Alfabetización se centrará en el cambio que la alfabetización puede aportar a la vida de esas mujeres y a las de sus familias, comunidades y sociedades.

- BIBLIOTECA -

2011-09-11T19:43:00.001-03:00

7 de septiembre de 1810

Se funda la Biblioteca Pública de Buenos Aires, hoy Biblioteca Nacional

Por decreto de la Junta de Gobierno de la Revolución de Mayo, fue fundada la actual Biblioteca Nacional de la República Argentina.

La primera sede estaba ubicada en Moreno y Perú. En sus comienzos funcionó con donaciones y estuvo bajo la protección de Mariano Moreno.
En 1852 Marcos Sastre fue nombrado Director y reemplazado un año después por Carlos Tejedor hasta 1858, año en el que asumió la dirección el poeta José Mármol.
Luego fue dirigida por Manuel Ricardo Trelles hasta 1884, cuando la biblioteca pasó a ser de jurisdicción nacional.

Su primer Director Nacional fue el Dr. José Antonio Wilde, quien le proporcionó a la biblioteca un nuevo reglamento.
En 1885 fue designado Director Paul Groussac, quien la dirigió hasta su muerte en 1929 y fue responsable de su traslado a un lugar más amplio en un edificio de la calle México.

A partir de 1930 sus directores fueron Carlos F. Melo, Martínez Zuviría,
El 10 de diciembre de 1930 se nombró a Carlos F. Melo, cuya gestión se extendió hasta su muerte, el 10 de octubre de 1931. Lo sucedió Gustavo Martínez Zuviría, José Luis Trenti Rocamora como interventor y Raúl Touceda hasta octubre de 1955, año en que se produce la Revolución Libertadora y en el que designa como Director al prestigioso literato Jorge Luis Borges. Durante su dirección se gestiona la construcción del edificio de la Biblioteca Nacional y en 1960 se destina el espacio ubicado entre las avenidas del Libertador General San Martín y Las Heras, y las calles Agüero y Austria.

Luego de once años, en 1971, se inician las obras para la construcción que fue finalizada en abril de 1992.

La Biblioteca Nacional funciona hoy en ese edificio, en Agüero 2502 de la Ciudad de Buenos Aires, y alberga una de las colecciones bibliográficas más importantes de América Latina.

- LELOIR -

2011-09-11T19:39:00.001-03:00

Luis Federico Leloir

Aniversaro de su natalicio

(París, 1906 - Buenos Aires, 1987) Científico argentino. Nacido en París, se trasladó en su infancia a la Argentina, donde recibió su formación científica. En 1932 obtuvo la licenciatura en medicina en la Universidad de Buenos Aires, y luego se trasladó al Reino Unido, donde colaboró durante un año en el laboratorio de bioquímica de la Universidad de Cambridge.

En 1937 volvió a Argentina, emprendiendo su investigación sobre la oxidación de los ácidos grasos en el Instituto de Fisiología de Buenos Aires. Fue el impulsor del Instituto de Investigaciones Bioquímicas Campomar, en el que realizó importantes estudios sobre la acción de la lactosa en el cuerpo humano. También se desempeñó en el Departamento de Bioquímica de la Universidad de Buenos Aires y en la Asociación Argentina para el Progreso de la Ciencia, de la que fue presidente.

En 1943, Leloir se trasladó a Estados Unidos, donde colaboró durante dos años en el campo de la investigación en la Universidad de Washington y en el Columbia University´s College of Physicians and Surgeons. Tras regresar a Buenos Aires, con ayuda financiera privada, creó el Instituto de Investigación Bioquímica. Sus trabajos en diversos campos de esta rama científica le valieron el reconocimiento de la Comisión Nacional de Cultura Argentina (1944) y de la Helen Whytue Fundation de Nueva York (1958), y el premio Benito Juárez de México (1967). A partir de 1962 dirigió el Departamento de Bioquímica de la Universidad de Buenos Aires.

El trabajo fundamental de Leloir fue el aislamiento de una enzima que fermenta la galactosa y a la que denominó cogalactowaldenasa, por producir en aquélla una inversión de Walden. Dicha coenzima, hoy llamada glucosauridindifosfato, fue sintetizada más tarde por el inglés Alexander Todd, también ganador del premio Nobel. Los descubrimientos de Leloir sobre los componentes de los ácidos nucleicos o nucleótidos, elementos fundamentales en los procesos metabólicos de los hidratos de carbono y los azúcares en particular, le valieron el premio Nobel de Química en 1970. Posteriormente dedicó sus investigaciones a la formación de algunos polisacáridos y descubrió ciertas enzimas hepáticas relacionadas con la síntesis de la glucosa.

Leloir obtuvo otras importantes distinciones, como el premio de la Fundación Bunge y Born, en 1965; el de la Cairdner Foundation de Canadá, en 1966, o el Louisa Gross Horowitz, de Nueva York, en 1966. Desde 1947 hasta 1982 ejerció la docencia en institutos públicos y privados, sin abandonar su cargo como director del Instituto de Investigaciones Bioquímicas. Entre 1962 y 1965 fue jefe del Departamento de química biológica de la Facultad de Ciencias Exactas y Naturales de la Universidad de Buenos Aires, y en los años siguientes formó parte del directorio del Consejo Nacional de Investigaciones Científicas y Técnicas (CONICET). Desde 1985 hasta su muerte fue miembro de la Academia Nacional de Ciencias de Buenos Aires.

- LUNFARDO -

2011-09-11T19:38:00.001-03:00

Día del Lunfardo

5 de Septiembre

Desde el 2000, todos los 5 de septiembre se celebra en Buenos Aires el Día del Lunfardo. Por iniciativa del periodista Marcelo Héctor Oliveri, miembro de la Academia Porteña del Lunfardo, la fecha conmemora el día de publicación de “Lunfardía”, libro de José Gobello, cuya primera edición en 1953 impulsó la valorización y el interés lingüístico de la jerga popular.

El origen del habla popular de la Argentina debe buscarse en las zonas marginales de la sociedad de fines del siglo XIX, específicamente en los sectores del hampa porteño. No es casual, entonces, que los primeros estudiosos de la jerga fueran funcionarios policiales (como Dellepiane o Fray Mocho) y tampoco que se la haya definido como una “lengua de los delincuentes”.

La palabra “lunfardo” tendría su origen en el gentilicio “lombardo”, término que llegó a ser sinónimo de ladrón porque los lombardos fueron, en el siglo XVIII, usureros y prestamistas, actividades por entonces impopulares. En esta línea, José S Álvarez “Fray Mocho”, en sus “Memorias de un vigilante”, menciona el “Mundo Lunfardo”, para citar un catálogo de actitudes delictivas de su tiempo.

“Mi noche triste”, de Pascual Contursi, es el primer tango-canción que incluyó letras lunfardas. En sus inicios, los tangos lunfardos contaron la vida arrabalera y compadre. Tras la crisis del 30, las letras comenzaron a mencionar temas como la pobreza, el desempleo (aparece la figura del linyera) y los valores desvirtuados del “siglo XX cambalache”.

Entre 1933 y 1953, la jerga sufrió un ataque de sectores conservadores de la sociedad, que rechazaban su transmisión en el medio radiofónico. Esta proscripción, cuyo momento más fuerte fue en 1943 bajo el gobierno del GOU, hizo que muchos tangos tuvieran que cambiar sus letras y títulos: “El bulín de la calle Ayacucho”, con letra de Celedonio Flores (en la foto) pasó a llamarse “Mi cuartito”. La medida, tanto autoritaria como mediocre, causó la mofa de los sectores medios y populares, para quienes el tango en lunfardo era un exitoso producto cultural de consumo cotidiano.

- MERCURY -

2011-09-11T19:34:00.003-03:00

Freddie Mercury

Aniversario de su nacimiento

Freddie Mercury, cuyo nombre verdadero era Farrokh Bulsara, nació el 5 de Septiembre de 1946 en la isla de Zanzíbar. Al poco de nacer sus padres se trasladaron a Bombay. Su padre, Bomi, era funcionario de la Corte Suprema del gobierno británico. En 1954 se fue a estudiar al colegio St. Peter en Panchagani, a unos 80 kilómetros de Bombay. Fue allí donde sus amigos comenzaron a llamarlo Freddie, nombre que la familia también adoptó.

Freddie Mercury destacaba en la escuela como atleta. Le gustaba jugar al Cricket, al Tenis de mesa, al Hockey y boxear. Pero su verdadera pasión era el arte. Le encantaba la música y se pasaba horas escuchando viejos discos y cantando.

El director de la escuela se dio cuenta de sus cualidades y convenció a sus padres para que lo apuntaran en a clases de música. Freddie formó parte del coro de la escuela y aprendió a tocar el piano. En 1958, junto a cuatro amigos formó una banda de Rock´n´Roll, Los Hectics, donde Freddie tocaba el piano.

En 1962 Freddie Mercury acabó la escuela y volvió a Zanzíbar, pero en 1964 tuvo que emigrar a Inglaterra debido al estado prebélico que se vivía en el país. Allí quiso estudiar arte e inició un curso en la universidad. Durante las vacaciones trabajó como camarero en el aeropuerto de Heathrow y transportando cajas en un almacén.

En 1966 comenzó sus estudios en la Escuela de Arte Ealing, decantándose por la ilustración gráfica. En esa época, se convirtió en un ardiente seguidor de Jimi Hendrix, y decoraba su habitación de Kensington con dibujos e ilustraciones hechas por él mismo.

Freddie hizo buenas migas con el bajista Tim Stafell, compañero de la escuela. Junto con Brian May a la guitarra y Roger Taylor en la batería formaron un grupo llamado Smile. También conoció a Chris Smith con el que escribiría varias canciones. Freddie abandonó la academia en Junio de 1969 con el diploma de diseñador gráfico.

Comenzó a trabajar para periódicos locales en Kensignton. En el verano de 1969 conoció a un grupo de Liverpool llamado Ibex. Pronto se uniría a ellos, viajando a Bolton, Lancashire para dar un concierto. El 25 de Agosto de 1969 actuaron en Bluesology Pop-in festival al aire libre de Bolton.

El grupo cambiaría su nombre por el de Wreckage, pero el final de los 60 marcaría también el final de Wreckage. Freddie Mercury se buscó otro grupo y encontró en un anuncio por palabras a los Sour Milk Sea. Estos quedaron encantados con la voz de Mercury, y decidieron contratarlo. Con este grupo dio varios conciertos en Oxford.

Freddy se hizo amigo del guitarrista del grupo Chris Chesney, que entonces sólo tenía 17 años. Poco después, el grupo se deshizo. Mientras tanto, Tim Stafell, vocalista de sus ex-compañeros Smile, abandonaba la formación. Estos llamaron a Freddie para que lo sustituyese. Freddie accedió y cambió el nombre del grupo por el de Queen, adoptando él mismo el sobrenombre de Freddie Mercury.

En 1970 conoció a Mary Austin y vivieron juntos durante siete años. En 1971 se les unió John Deacon. Queen estaba al completo. Freddie diseñó el logo del grupo tomando como base los signos zodiacales de los miembros del grupo: dos vírgenes por su signo ( Virgo ), dos leones por Roger y John ( Leo ) y un cangrejo por Brian ( Cáncer).

Freddie Mercury fue el autor de la primera canción de Queen en entrar en el Top británico "Seven Seas Of Rhye", el primer gran éxito de Queen "Killer Queen" y de la más famosa canción de Queen "Bohemian Rapsody".

En 1975 actuaron en Japón, donde fueron recibidos como celebridades. Sus canciones se convirtieron en himnos, y el Royal Ballet adaptó varias de sus canciones. En 1980, Freddie cambió su imagen cortándose sus melenas y dejándose bigote.

En 1983 colaboraría con la Royal Opera House en una obra de Verdi. Allí conoció por primera vez a Montserrat Caballé, quedándose cautivado por su voz. El 13 de Julio tocaron en Wembley ante más de setenta mil personas en el Live Aid. Fue visto por TV por más de mil millones de personas.

En Marzo de 1987, Freddie Mercury viajó a Barcelona para trabajar con Montserrat Caballé. De esta colaboración surgiría la canción "Barcelona".

El 23 de Noviembre Freddie Mercury declaraba que tenía el SIDA. Al día siguiente moriría.

- CANE -

2011-09-11T19:34:00.001-03:00

Miguel Cané

Aniversario de su fallecimento

Nace el 27 de enero de 1851.

Hijo de Miguel Cané y Eufemia Casares, es el segundo hijo del matrimonio. Hereda de su padre la admiración por Europa y la vocación por escribir. En 1863 muere su padre y a los tres meses ingresa al recién fundado Colegio Nacional. Dos presencias que lo entusiasman moldean su personalidad, El profesor y luego rector del Colegio, Amadeo Jacques y los folletines. Jacques le descubre las modernas corrientes del pensamiento, especialmente el positivismo y en los segundos da los primeros pasos de lector incansable y acucioso. Más tarde descubre su pasión por la música, el ateísmo y la vocación periodística.

El periodismo dará sencillez y espontaneidad a su prosa y fomentará su curiosidad abierta a todo. Y como a otros escritores de su época lo preparará para convertirse en el cronista de su generación, de su país y de sí mismo.
A los 17 años comienza su carrera de abogado y pasa a ser redactor de La Tribuna lo que le posibilita en febrero de 1870, acompañar a su admirado presidente Sarmiento a Entre Ríos para entrevistarse con Urquiza.
Poco después va a conocer Europa " el centro cultural soñado, mezcla de club, museo y sala de música".

En 1873 dirige El Nacional que apoya a la candidatura de Avellaneda. Con el triunfo de éste inicia su segundo viaje a Europa, a su regreso se casa con Sara Beláustegui y es diputado provincial. En 1876 ocupa una banca en el Congreso Nacional.

En 1876 edita sus Ensayos; en ese mismo año vio nacer su primer hijo y obtiene por fin su título de abogado. Asumió luego la representación diplomática ante los gobiernos de Colombia y Venezuela cargo en el que permaneció por dos años. Como resultado de esa salida del país surgió su libro En Viaje.
Ocupó luego otros cargos públicos como la Intendencia de Buenos Aires, el Ministerio de Relaciones Exteriores y ministro argentino en París. Falleció en Buenos Aires en 1905.

Fue considerado por algunos historiadores de la literatura como el escritor más representativo de la generación del 80.

Aún no cumplidos los 20 años, Cané publica en La Tribuna una sección que titula Párrafos. Páginas breves, fragmentos casi. Esta denominación inicial incluye toda la prosa de Cané. Casi todas sus obras son colección de artículos periodísticos nacidos en el hecho mismo que los provocó. Cuando acusan tal origen -En viaje, Juvenilia- el mismo autor se complace en llamarlos apuntes, "charlas descosidas" nacidas sin plan previo "de una sucesión de cuadros tomados en el momento de reflejarse en mi espíritu por la impresión".
Sus páginas surgidas espontáneamente, "sin plan y sin medida", sin reelaboración, deben entenderse como una charla amable entre el escritor y el lector.
Aunque Cané no escribe para las muchedumbres como sus admirados Dickens y Shakespeare, no restringe su auditorio sino que lo amplia e incluye al lector culto porteño.

Juvenilia: es un relato en primera persona donde el relator da unidad a los primeros episodios que surgen como recuerdos deshilvanados, sin desarrollo lineal.. Hay un melancólico contrapunto entre la adolescencia despreocupada de ayer y el hombre maduro de hoy. El ámbito de la obra es el perímetro del colegio, ampliado durante el período de vacaciones en la Chacarita de los Colegiales. Sin embargo, a él confluyen los ecos ciudadanos y los conflictos nacionales, el mundo de afuera aparece como réplica del mundo de adentro.

Poco después de la muerte de su padre, Cané ingresa como pupilo al Colegio Nacional de Buenos Aires. El niño sufre entonces un duro proceso de adaptación ya que se ve sometido a una severa disciplina: levantarse al alba, comer alimentos poco agradables, etc. Los capítulos posteriores relatan las travesuras y rencillas que se suscitan a diario entre los estudiantes. Una figura surge nítidamente como guía rectora: la de su querido profesor Amadeo Jacques. Después de varios años Cané regresa al Colegio ahora como docente- y los recuerdos juveniles impregnan su corazón de suave melancolía.

- SECRETARIA -

2011-09-11T19:29:00.002-03:00

El día de la Secretaria

El día de la Secretaria es el 4 de septiembre en Argentina.

En 1952 se elige en un evento anual de la Asociación Nacional de Secretarias en Estados Unidos el día de la Secretaria. Son ellas las que nos sacan siempre de apuros, las que están en todo, te llevan la agenda, tus horarios, y cuantas veces te hacen recordar cosas muy importantes que vos por todas tus ocupaciones ni te acordaste.

Hoy es el día de ellas, hacelas sentir lo que realmente valen especialmente hoy! Te contamos que cosas podés regalarle a tu secretaria para quedar super bien, y ser un buen Jefe o Jefa.

A las mujeres les encantan que las mimen con regalos entre otras cosas, es una linda sorpresa saber que la valoran y su jefe elige algo especial para regalarte.

- ARIEL -

2011-09-11T19:29:00.001-03:00

Ariel Ramírez

Ariel Ramírez, pianista y compositor nacido en Santa Fe (Argentina), es uno de los músicos populares de mayor trascendencia tanto en su país como en el exterior. En 1964 dirigió y participó en la grabación de su obra Misa Criolla, con los Fronterizos como solistas y el Coro de la Cantoría de la Basílica del Socorro, con la dirección del Presbítero J. G. Segade.

El histórico disco Philips 820 39 LP, que inmediatamente alcanzara extraordinaria difusión y aceptación mundial, ofrecía además otro estreno Navidad Nuestra, de Ariel Ramírez y Félix Luna, también para solistas, coro y orquesta. Ambas obras fueron editadas en Buenos Aires, en 1965, pero el estreno público de la Misa Criolla interpretada con el elenco original, recién se realizó el 12 de marzo de 1967, en la Rheinhalle, de Dusseldorf (Alemania). La Editorial Pigal publicó en 1989 una edición conmemorativa de los 25 años de su creación, en versión “Para tenor, coro mixto, percusión, instrumentos andinos y clave o piano”.

Ariel Ramírez, intérprete de piano registró decenas de placas que se han convertido en “clásicos” de la música argentina. Como compositor muchas de sus canciones han recibido la admiración del público del mundo, como la difundida “Alfonsina y el Mar” o “Indio Toba” o “La peregrinación” (alouette). Solista de piano en el comienzo de su carrera y al frente de distintos elencos de músicos y cantantes de primer orden posteriormente, ha ofrecido conciertos en los centros musicales europeos y americanos más prestigiosos desde 1950 hasta la fecha. Su lugar de residencia habitual es Buenos Aires.

El 24 de septiembre de 2000 en Chile se distinguió a Ariel Ramírez con la Medalla de Oro CISAC (Confederación Internacional de Sociedades de Autores y Compositores) en reconocimiento a su larga trayectoria como uno de los músicos más destacados de América y con importante repercusión en Europa y Asia, así también como a un luchador incansable por los derechos del autor y a un defensor continuo de la sociedades de gestión colectiva en toda América Latina.

Entre sus obras más destacadas se encuentran Misa Criolla (1964); Mujeres Argentinas (con Félix Luna, Cantata 1969); Alfonsina y el Mar (con Félix Luna, Zamba, 1969); La tristecita (con María Elena Espiro, Zamba, 1945); Navidad Nuestra (con Félix Luna, Villancicos, 1964); La Peregrinación (con F. Luna, Huella, 1964); Los caudillos (con F. Luna, Cantata Epica, 1965); Los inundados (con Guiche Aizenberg, Canción del Litoral, 1960); París, la libertad (con F. Luna, Canción, 1977); Agua y sol del Paraná (con Miguel Brascó, Canción del Litoral, 1950); El nacimiento del charango (1958); Cantata Sudamericana (con F. Luna, 1972); Antiguo dueño de las flechas (Indio Toba) (con F. Luna, 1972); 15 Estudios para piano (1975); Tríptico Mocovi (con Guiche Aizenberg, 1980); Misa por la paz y la justicia (1980); La hermanita perdida (con Atahualpa Yupanqui, Aire de Milonga, 1980)

- INMIGRANTE -

2011-09-11T19:25:00.003-03:00

‎4 de Setiembre- Día del Inmigrante

Establecido por decreto del Poder Ejecutivo Nacional Nº 21.430 de 1949.La Constitución de 1853 en su Prólogo, también hace referencia a "todos los habitantes del mundo que quieran habitar el suelo argentino".La llegada de los inmigrantes al país respondió a patrones mundiales de flujos de población. La mayoría de ellos abandonó su patria lanzándose literalmente ... a la aventura, pues ignoraban casi todo de su lugar de destino.

"Argentina, tierra de hermanos, pusiste en tu suelo
un hogar para cada SUEÑO..."

En esta fecha se recuerda el 4 de Septiembre de 1812 cuando el primer Triunvirato firmó un decreto que decía "(...) el gobierno ofrece su inmediata protección a los individuos de todas las naciones y a sus familias que deseen fijar su domicilio en el territorio (...)" De esta forma la República Argentina abrió sus fronteras a los inmigrantes de cualquier parte del mundo que quisiesen vivir en este suelo.

- RIVARAVIA -

2011-09-11T19:25:00.001-03:00

‎3 de Septiembre de 1932

El Mausoleo de Rivadavia

Obra del destacado escultor Rogelio Yrurtia (1879-1950), profesor y académico de la Academia Nacional de Bellas Artes; autor además del Monumento al Coronel Manuel Dorrego y el Canto al Trabajo. Su estructura sobria está compuesta por bloques de granito flanqueada por dos figuras de bronce de 5,60 m., que representa a Moisés y un hombre joven. D ...e forma longitudinal, ocupa un lugar central en la Plaza. Sus medidas son: 15 x 24,50 y altura máxima 9,50 m. Dicho Monumento se ubica en la ex plaza 11 de Septiembre (hoy Plaza de Miserere).

En agosto de 1857 fueron repatriados los restos de Bernardino Rivadavia.
El político argentino, nacido en 1780, participa de la lucha durante las invasiones inglesas (1806 – 1807) en el cuerpo de gallegos y fue Secretario de Gobierno y Guerra del primer Triunvirato. Vive en Londres desde 1814 hasta 1820, donde se nutre de ideas liberales y adquiere admiración por Gran Bretaña.

En 1821 Martín Rodríguez lo nombra Ministro de Gobierno: Entre otras medidas transformadoras, se destacan la supresión de los fueros eclesiásticos, la confiscación de propiedades de órdenes religiosas y la creación de instituciones civiles. Intentaba replegar el rol social absoluto que cumplía la iglesia católica durante la colonia. Fundó la Universidad de Buenos Aires, el Colegio de Ciencias Morales y la Sociedad de Beneficencia. Además suprimió los cabildos, resabios de la etapa colonial.

En el período se establecen una Ley electoral (sufragio universal pero con restricciones), la Ley Fundamental (sobre el gobierno de las provincias), la Ley de Capital de Estado (creaba un nuevo territorio nacional sustrayendo tierras a Buenos Aires), y la Ley de Presidencia. En febrero de 1826 será designado Presidente de las Provincias Unidas del Río de la Plata (primero en detentar ese cargo en el país que aun no tenía estabilidad institucional). Renunciará en junio del año siguiente. Su figura ha sido objeto de rechazos y apologías.

En el debate histórico sobresalen las polémicas respecto al abordaje de las relaciones con Gran Bretaña destacándose la adquisición de un empréstito de un millón de libras esterlinas con la casa Baring Brothers en condiciones favorables a la banca con la garantía de las tierras públicas de la Provincia de Buenos Aires, el cual termina de pagarse multiplicado en 1904. Esta medida se vinculaba a la controvertida ley de enfiteusis (sistema por el cual potenciales productores se instalarían en tierras públicas como arrendatarios). Además se debate fuertemente su posición frente a la guerra con el Brasil, y su simpatía con las ideas unitarias.
Ausente del país desde 1829, fallece en Cádiz, España, el 2 de septiembre de 1845.

- CABA -

2011-09-11T19:21:00.002-03:00

‎2 de Septiembre de 1852

Regimen Municipal

Después de la Batalla de Caseros y del desplazamiento de Juan Manuel de Rosas del poder, el 3 de febrero, Justo José de Urquiza asume el cargo de Director Provisorio de la Confederación y de Gobernador Provisorio de la Provincia de Buenos Aires. El 2 de septiembre, tres días antes de abandonar Buenos Aires delegando el mando, dicta un Decreto de restable ...cimiento del régimen Municipal en Buenos Aires.

Dicho decreto no se implementará debido a los sucesos del 11 de septiembre: la revolución secesionista por la que el gobierno porteño volvió a quedar en manos del gobernador bonaerense.

Recién el 3 de abril 1856. Se constituye la Corporación Municipal, antecedente del Gobierno de la Ciudad.

- ECHEVERRIA -

2011-09-11T19:20:00.001-03:00

ESTEBAN ECHEVERRÍA

(1805 - 1851)

Esteban Echeverría vio la luz en Buenos Aires el 2 de septiembre de 1805. Era hijo de la argentina doña María Espinosa y del vasco español José Domingo Echeverría. Durante su primera infancia perdió a su madre.
Estudia varios años en el Colegio de Ciencias Morales; lo abandona a fines de 1823, a pesar de haber sido estudiante aplicado. Ingresa como dependiente en la fuerte casa comercial Lezica Hermanos. Como su primera juventud fue en extremo borrascosa y desarreglada, resuelve regenerarse moralmente y completar su educación en Europa.

Esa ausencia de la patria (1825-1830) le es muy provechosa. En París sigue los cursos más variados, se familiariza con las tendencias literarias ideológicas en boga, forma una sólida cultura de carácter enciclopédico y se asimila infinidad de obras en francés e inglés. Con ese importante bagaje retorna a la ciudad natal (junio de 1830) totalmente transformado. Introduce en el Plata el romanticismo literario, suscitando una fecunda renovación, y formula la doctrina del liberalismo político, impregnado de altas preocupaciones sociales y pedagógicas.

En 1831 publica sus primeros versos en diarios porteños, por más que en el viejo continente se ejercitara en escribirlos. En 1832 aparece anónimamente su poema Elvira. La indiferencia con que se le recibe contrasta con el desbordante entusiasmo y la cálida simpatía que suscitan después los Consuelos (1834) y sus Rimas (1837), donde inserta la Cautiva, su mejor obra en verso.

En 1837 -según las mejores averiguaciones- se abre el Salón Literario en la librería de don Marco Sastre, el futuro educacionista y autor de Tempe Argentino. En el Salón se leen trabajos, se diserta y discute. Echeverría es uno de sus grandes animadores. Como Rosas ordena la clausura del Salón, Echeverría funda en su reemplazo una sociedad secreta, la Asociación de Mayo, a la manera de la Joven Italia, de Mazzini.

El propio Echeverría y otros miembros conspicuos señalan el año 1837 como el de la fundación de la nombrada sociedad, pero investigaciones recientes permites establecer que tal cosa acaece recién el 8 de julio de 1838. La Asociación tiene filiales en las provincias de Córdoba, Tucumán y San Juan. En sus filas militan la mayoría de los hombres que volvieron a organizar la República después de Caseros, sobre la base de los principios expuestos en su seno por Echeverría, y desarrollados en el Dogma Socialista obra publicada en el Indicador, de Montevideo, el 1° de enero de 1839, y tirada aparte, con algunas modificaciones, en 1846, en la capital uruguaya, precedida de la Ojeada Retrospectiva.

Durante algún tiempo Echeverría se dedica a las tareas rurales en su estancia "Los Talas", cerca de Luján. Era una temeridad quedarse por más tiempo en el país. Entonces emigra al Uruguay (fines de 1840). Inicia también en entre nosotros los estudios de sociología y economía americanas y los de estética literaria. Del resto de su producción cabe mencionar especialmente su espléndido cuanto realista "El matadero", el primero en su género escrito en el Plata, y su "Manual de Enseñanza Moral" para las escuelas primarias (1846).

Desde la adolescencia tiene que luchar contra la enfermedad. Sufre continuamente de los nervios y lo persigue su afección cardíaca. Su salud se agrava considerablemente en 1851. Una dolencia pulmonar lo lleva a la tumba en Montevideo el 19 de enero de dicho año.

Las obras completas de Echeverría fueron compiladas por su entrañable amigo, don Juan María Gutiérrez, en Buenos Aires (1870-1874), casa editorial Casavalle.

- CAFES -

2011-09-11T19:13:00.002-03:00

alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5651229017960966642" />

Nómina a los Martín Fierro de Cable

Documental:

- "Bric" (Jorge Lanata - Infinito)
- "Cafés notables" (Ricardo Carrasquet - Ciudad Abierta)
- "Unidos por la historia" (Felipe Pigna Y Pedro Palou - The History Channel)

- VIEYTES -

2011-09-11T19:12:00.000-03:00

1 de Septiembre de 1802

El Semanario de Vieytes

En una época en que la misma lectura era algo restringido a las élites sociales, de difícil y escasa publicación de ideas que cuestionaran criterios del orden colonial, Juan Hipólito Vieytes (1762–1815), patriota, combatiente en las invasiones inglesas y en 1810, funda el “Semanario de Agricultura, Industria y Comercio”.

Emprendedor industrioso y comerciante de Buenos Aires; creía en el desarrollo de la agricultura para la generación de riqueza y crecimiento del país. Sostuvo la libertad de comercio contradictoria del monopolio español y la sumisión colonial. Admirador de Adam Smith, publicó un resumen de su famosa obra “La riqueza de las Naciones”.

El semanario promovía la producción y desarrollo económico, exponía aspectos técnicos particulares y además fue doctrinaria tribuna progresista de muchos patriotas que pocos años después protagonizarían la gesta revolucionaria de Mayo y el posterior proceso de lucha emancipatoria.

Colaboraron en el Semanario Pedro Antonio Cerviño, Manuel José Lavardén. El 11 de febrero de 1807 deja de aparecer después de 218 ediciones.

- ELADIA -

2011-09-11T19:07:00.001-03:00

HOMENAJE A ELADIA BLAZQUEZ

Por Ricardo A. Carrasquet

Ninguna mujer logró, como Eladia, componer tantos tangos con letra de tanto éxito y de tanta calidad, desde fines de la década del ‘60, cuando la popularidad del género había caído en la Argentina a sus mínimos históricos. Sólo pueden comparársele algunos títulos del binomio Piazzolla-Ferrer.
...
Ella creó un tango canción significativamente nuevo, aunque sobre moldes no vanguardistas, con su rara habilidad para combinar notas y palabras, con una temática nueva y un lenguaje actualizado, que caló hondo en un público no necesariamente tanguero. Los tradicionalistas la recibieron como pasó con otros, muy fríamente, aunque sin la agresividad que reservaron para otras propuestas más heterodoxas, menos convencionales.
Era frecuente que se la apodara "la Discepolo con faldas", por esa comparación con Enrique Santos, en abordar temas que hablaban muy crudamente de nuestra manera de ser.

Quizá sin proponérselo, la Blazquez nos ofrece con sus composiciónes, intentando tomar distancia, una buena muestra de la desfiguración de las ideas imperantes por entonces.
Blázquez fue recorriendo a través de su vida de artista diversos caminos, según fueran las circunstancias, buscando un lugar para su empuje creador.
De muy niña triunfó cantando el repertorio popular español, determinada por el origen de sus padres. Los inmigrantes españoles formaban un público enorme, y Buenos Aires pasaba a ser la mayor ciudad gallega del mundo, con más habitantes nacidos en Galicia que La Coruña, capital de esa región hispana. El folclore argentino, luego el bolero, más tarde el tango y por fin la balada fueron sucediéndose en su labor.

De 1970 es su primer disco LP dedicado al tango, donde canta sus propias obras. En los dos años previos había perdido sucesivamente a su madre y a su padre. En esa placa histórica incluye el excelente "Sueño de barrilete" que en realidad había compuesto en 1959 y dado a conocer recién en 1968.

Con un magistral engarce entre la melodía y los versos, presenta a un personaje frustrado, que no alcanzó la altura de su ideal. En ese mismo álbum figuran otros de los mejores tangos que jamás compondría Eladia, como "Contame una historia" y "Sin piel", además de "Mi ciudad y mi gente", que ganó el Festival de la Canción de Buenos Aires de 1970.

Después de "El precio de vencer", uno de sus temas más cuestionadores, que grabó en 1973, año en que en la Argentina predominaban las ideas políticas radicalizadas, sobresale nítidamente como su tango más popular "El corazón al sur", que registró en 1976.

Blázquez había nacido en Avellaneda, un 24 de Febrero de 1931. Eladia, debe reconocerse como la autora más valiente de nuestro tiempo, porque supo llevar la canción con palabra justas, los desazones y dolores de la gente. Seguramente éste fue su gran éxito.

De pronto una noticia nos sacudió a todos: “La cantante y compositora Eladia Blázquez murió esta madrugada, en la clínica Bazterrica de la Ciudad de Buenos Aires. La artista tenía 74 años y padecía desde hace varios años una enfermedad oncológica terminal”.

Como consecuencia de su salud, llevaba varios años alejada de los escenarios, unque continuaba componiendo canciones.
Finalizaba sus días, luego de padecer una extensa agonía, en la madrugada del 31 de Agosto de 2005.

En una de sus últimas presentaciones protagonizó el espectáculo "Cantautoras", junto a Teresa Parodi y Marilina Ross, y el año pasado había compuesto la letra de las canciones y la música de la obra "Nativo", que se representó en el Teatro El Nacional, de Buenos Aires.

Familiares y allegados a la cantante y compositora, informaban que sus restos habían sido cremados y que esa misma tarde, lluviosa y fría por cierto, a las 16 en el cementerio de la Chacarita, sus cenizas fueron despedidas por una reducida comitiva encabezada por Raúl Lavié, Atilio Stampone y otras figuras, depositando la urna en el panteón de SADAIC.

"Ahora he tomado el amor en general, y me inclino por las vivencias humanas que nos atañen a todos, que nos duelen mucho y que van mas allá de la pareja", dijo en un reportaje la artista, quien señaló que "yo estoy, de algún modo, testimoniando una época casi sin salida, que a veces creí que es verdaderamente apocalíptica, pero en cada canción, por dura que sea, trata de parar ese Apocalipsis, de advertir y mostrar otra cara, la cara del amor." "Nací en un barrio donde el lujo fue un albur. Por eso tengo el corazón mirando al sur". Se hizo cantante profesional a los 8 años, tocaba guitarra y piano, y brilló en la composición.

Fue intérprete de baladas, cuecas y valses peruanos, y cuando sólo contaba 11 años, compuso el bolero "Amor imposible". A los 20 años escribió "Mi vinito de Jerez", un homenaje a Federico García Lorca. En 1957 editó "Humo y alcohol" y desde 1964 incursionó en el folclore con temas como "Río, río", "Mala suerte" y "Ya me voy, ya me voy yendo". Con la balada "No es un juego el amor", se consagró en 1968 en el Segundo Festival Buenos Aires de la Canción, y en 1970 el tango "Mi ciudad y mi gente", fue premiado en el IV Festival Buenos Aires de la Canción.

Desde el tango, se refirió al amor, pintó a Buenos Aires y la idiosincrasia de los argentinos. En 1970 lanzó su disco de tango, con "Sueño de barrilete", "Contáme una historia", "Sin piel", y "Mi ciudad y mi gente". En 1973 grabó "El precio de vencer", "El corazón al sur" en 1976, y en 1980 compartió un espectáculo junto a Chico Novarro al que titularon "Por qué nosotros". Entre sus discos figuran "Buenos Aires y yo", con canciones como "María de nadie", "Domingos de Buenos Aires" y "Sueño de barrilete", y el álbum "Eladia", en donde incluye clásicos como "Adiós Nonino" junto a Astor Piazzolla, "Honrar la vida", "El corazón de tu violín" y "Fiesta y milonga" con Atilio Stampone. En "Somos o no somos" grabó temas como "Somos como somos", "Patente de piola", "El corazón al sur" y "Pasión del escolaso".

En "Si te viera Garay", en la sección "Ayer", incluyo temas como "La voz de Buenos Aires", "Un cielo de serenata" y "Viejo Tortoni", y en la sección "Hoy" grabó "Invierno porteño", "Abril en mi ciudad", "Y somos la gente" y "Vivir en Buenos Aires". En "Yo la escribo y yo la vendo" figuran "Te llaman fueye", "Si Buenos Aires no fuera así", "Al de la zurda", "Tu rebelión", "Un caballero", "El miedo de vivir" y "La cartera de economía". En "La mirada" los temas más destacados son "Mi ciudad y mi gente", "Sueño de barrilete", "Somos como somos", "Contra viento y marea" y "El amor total". Uno de los más recordados discos es "Con las alas del alma", en donde se destaca el tema que da titula al álbum compuesto con Daniel García y que fue cortina de un programa televisivo. También integran el disco "Siempre se vuelve a Buenos Aires" con Piazzolla, "Milonga en el viento" con Pablo Ziegler, "Sin Piel", "Bien nosotros", "Que buena fe", "Cualquiera de estas noches", "Te llaman Soledad". Además lo integran "A un semejante", "Prohibido prohibir", "Argentina primer mundo", "El ángel dormido", "Vivir en Buenos Aires" y "Honrar la vida". Por último, Eladia incursionó también en cine cantando en el film "Tango y tango" (no estrenada comercialmente - 1984), e hizo su aporte de temas en "Made in Argentina (1987).

El Corazón al Sur

Nací en un barrio donde el lujo fue un albur,
por eso tengo el corazón mirando al sur.
Mi viejo fue una abeja en la colmena,
las manos limpias, el alma buena.
Y en esa infancia, la templanza me forjó,
después la vida mil caminos me tendió
y supe del magnate del tahur,
por eso tengo el corazón mirando al sur.
Mi barrio fue una planta de jazmín,
la sombra de mi vieja en el jardín,
la dulce fiesta de las cosas más sencillas
y la paz en la granilla de cara al sol...
Mi barrio fue mi gente que no está
las cosas que ya nunca volverán
si desde el día que me fui, con la emoción y con la cruz
yo sé que tengo el corazón mirando al sur
La geografía de mi barrio llevo en mí,
será por eso que del todo no me fui:
la esquina, el almacén, el piberío
los reconozco... son algo mío...
Ahora sé que la distancia no es real
y me descubro en ese punto cardinal
volviendo a la niñez desde la luz,
teniendo siempre el corazón mirando al Sur...

¡Honrar la vida!

¡No! Permanecer y transcurrir
no es perdurar, no es existir
¡Ni honrar la vida!
Hay tantas maneras de no ser,
tanta conciencia sin saber
adormecida...
Merecer la vida no es callar y consentir,
tantas injusticias repetidas...
¡Es una virtud, es dignidad!
Y es la actitud de identidad ¡más definida!
Eso de durar y transcurrir
no nos da derecho a presumir.
Porque no es lo mismo que vivir...
¡Honrar la vida!

¡No! Permanecer y transcurrir
no siempre quiere sugerir
¡Honrar la vida!
Hay tanta pequeña vanidad,
en nuestra tonta humanidad
enceguecida.
Merecer la vida es erguirse vertical,
más allá del mal, de las caídas...
Es igual que darle a la verdad,
y a nuestra propia libertad
¡La bienvenida!...
Eso de durar y transcurrir
no nos da derecho a presumir.
Porque no es lo mismo que vivir...
¡Honrar la vida!

Sueño de Barrilete

Desde chico ya tenía en el mirar
esa loca fantasía de soñar,
fue mi sueño de purrete
ser igual que un barrilete
que elevándose entre nubes
con un viento de esperanza, sube y sube.
Y crecí en ese mundo de ilusión,
y escuché sólo a mi propio corazón,
mas la vida no es juguete
y el lirismo en un billete sin valor.

Yo quise ser un barrilete
buscando altura en mi ideal,
tratando de explicarme que la vida es algo más
que darlo todo por comida.
Y he sido igual que un barrillete,
al que un mal viento puso fin,
no sé si me falló la fe, la voluntad,
o acaso fue que me faltó piolín.

En amores sólo tuve decepción,
regalé por no vender mi corazón,
hice versos olvidando
que la vida es sólo prosa dolorida
que va ahogando lo mejor
y abriendo heridas, ¡ay!, la vida.
Hoy me aterra este cansancio sin final,
hice trizas mi sonrisa de cristal,
cuando miro un barrilete
me pregunto: ¿aquel purrete donde está?

Creemos oportuno rendir éste humilde pero sentido tributo, a una grande de la música de Buenos Aires, como sin lugar a dudas lo fue la querida Eladia. Seguramente la noticia nos llegó tan de sorpresa, que no supimos reaccionar y tampoco nos dimos cuenta del gran vacío que quedó en nosotros.

Nuestro recuerdo y reconocimiento “Eladia de Buenos Aires"

- PORTEÑA -

2011-09-11T19:06:00.000-03:00

LA PORTEÑA

Hace su viaje inaugural un 30 de agosto de 1857

En 1857 se realizó el primer viaje entre la estación del Parque y la localidad de Floresta, en Buenos Aires. “La Porteña” fue la locomotora que condujo el convoy.
Una multitud se dio cita en la plaza del Parque (hoy, plaza Lavalle) de la ciudad de Buenos Aires, el 29 de agosto de 1857.

Era un sábado luminoso; el sol realzaba los adornos dispuestos en la estación del Parque, y entre los presentes era generalizada la sensación de estar presenciando un momento histórico. El estridente sonido del silbato de la locomotora, bautizada “La Porteña”, anunció al público que era inminente la partida.

El primer tren que circuló en la Argentina comenzó a rodar entre los vítores y los aplausos de la multitud, que se agolpaba a lo largo de las vías. Poco después llegaba al final del recorrido, y todo el pueblo de La Floresta se reunió en la estación para dar la bienvenida al tren y celebrar el acontecimiento.

Los trabajos para permitir la circulación del primer tren en nuestro país habían comenzado mucho antes. En los primeros meses de 1855 llegaron técnicos y operarios desde Europa para construir las vías; rápidamente se iniciaron las obras, pero distintos inconvenientes fueron dilatando los plazos previstos.

Según el contrato firmado, el ferrocarril debía inaugurarse en enero de 1857, pero las intensas lluvias de ese verano dañaron los terraplenes, y frustraron una y otra vez las expectativas despertadas por el proyecto. Finalmente, en agosto la obra quedó concluida.

El viaje experimental del primer convoy, formado por la locomotora “La Porteña” y dos coches -en los que viajaban algunos pasajeros-, cubrió el trayecto de ida sin inconvenientes, pero se produjo un accidente en el viaje de retorno. El maquinista quiso imprimirle mayor velocidad al tren y alcanzó las 25 millas por hora, una velocidad fabulosa para la época. Pero las vías no estaban preparadas para tamaña exigencia: la locomotora descarriló y quedó dañado un tramo de 80 metros.

Los viajeros, entre los que se encontraban accionistas de la empresa ferroviaria, sufrieron algunas contusiones, pero se juramentaron para mantener en secreto el incidente; no querían que el público se alarmara.

Los técnicos realizaron las obras necesarias para garantizar que nada semejante se produjera, y el 27 de agosto se realizó un nuevo ensayo en privado. Esta vez el éxito coronó los esfuerzos, por lo que se acordó que dos días después se realizara el viaje inaugural oficial.

El tren conducido por “La Porteña” recorrió unos 10 kilómetros. No fue mucha la distancia, pero marcó el inicio de una actividad que alcanzó notable desarrollo, fue el motor del progreso argentino durante la mitad del siglo XX y declinó en la última década de la centuria.

- BARLETTA -

2011-09-11T18:59:00.000-03:00

Leónidas Barletta

Leónidas Barletta fue un escritor, periodista y dramaturgo argentino nacido el 30 de agosto de 1902 en Buenos Aires y muerto el 15 de marzo de 1975 en la misma ciudad.

Fue una figura de la izquierda independiente argentina. En 1930 abrió sus puertas el Teatro del Pueblo y Barletta fue su director desde el 20 de marzo de 1931 y hasta su muerte. Era incluso conocido como el hombre de la campana debido a que salía con una campana a llamar al público, gritando: "Función, función...".

Dentro de su actividad como periodista cabe recordar que fundó y dirigió el periódico cultural Propósitos, fue secretario de redacción de la revista Claridad, y colaboró como articulista con varias de publicaciones.

Participó del denominado Boedo y del movimiento fundador de los teatros independientes. Fue uno de los animadores del fuego cruzado con el Florida. Según cuenta Köremblit en su libro Coherencia de la paradoja, Barletta dijo de Borges, reconocida figura de Florida: "Cachafaz… Fracasado… El pobre Borges… Vate criollo y vate septuagenario… Buscador de puestitos… Pergueñador de cuentos persas... y lávese de toda esa mugre metafísica."[cita requerida]

Obra publicada:

Cuentos realistas(1923)
Canciones agrias (1923)
Vientos trágicos (1924)
Las fraguas del amor (1924)
Los pobres (1925)
María Fernanda (1926)
Vidas perdidas(1926)
Royal circo (1926)
Odio (1931)
La ciudad de un hombre (1943)
El barco en la botella (1945)
Historia de perros (1951)
Cuentos del hombre que le daba de comer a su sombra (1957)
Novela (1967)
Aunque llueva (1970)
Un señor de Levita (novela de Barrio Norte) (1972)

- MANCERA -

2011-08-29T21:02:00.001-03:00

HASTA SIEMPRE PIPO!!!

Hace minutos falleciò Nicolàs Mancera, a la edad de 80 años...
Los que trabajamos y compartimos momentos contigo, no te olvidaderamos!

- ABOGADOS -

2011-08-29T20:58:00.002-03:00

Felicitaciones a todos los abogados en su dìa!!!

- ALBERDI -

2011-08-29T20:58:00.001-03:00

Juan Bautista Alberdi

Nace un 29 de agosto de 1810

Político, jurisconsulto y escritor argentino (Tucumán, 1810 - Francia, 1884). Residió desde muy joven en Buenos Aires, ciudad en la que desarrolló una importante actividad política, cultural y social. Participó en la fundación del Salón literario y la Asociación de Mayo junto a Esteban Echeverría. Fundó el periódico La Moda y compuso algunas piezas musicales.

Decidido opositor al gobierno de Juan Manuel de Rosas, debió expatriarse y pasó casi toda su vida en el exilio. Hacia 1840 concluyó sus estudios de Derecho en Montevideo. Más tarde viajó por Europa y Sudamérica. Finalmente se estableció en Valparaíso (Chile), donde se dedicó a su profesión de abogado con gran éxito, pero sin abandonar la literatura y el periodismo. Ejerció una gran influencia en las instituciones políticas argentinas.

En 1852 escribió Bases para la organización política de la Confederación Argentina, tratado completo de Derecho público americano, prácticamente un «borrador» de la Constitución Nacional Argentina de 1853. Adherido a la Confederación y enfrentado a la política de Buenos Aires, en 1855 fue nombrado consejero del gobierno del general Justo José de Urquiza y representante plenipotenciario de la Confederación Argentina en la legaciones de París, Madrid y Londres.

Junto a Domingo F. Sarmiento -con quien polemizó duramente en la Cartas Quillotanas-, fue uno de los intelectuales más importantes e influyentes de Argentina y América Latina durante el siglo XIX. Muchas de sus ideas y propuestas se plasmaron en el régimen político que se consolidó en los 80. La derrota de Urquiza ante Bartolomé Mitre en la batalla de Pavón (1861) le obligó a prolongar su exilio, permaneciendo en Francia. Regresó al país por un breve periodo de tiempo pero volvió a Francia, donde murió.

Fue autor de numerosos trabajos que incluyen el ensayo, la crítica literaria, la polémica, etc., de los que, además de las Bases, podemos mencionar Las palabras de un ausente, El voto en América, El crimen de la Guerra, Sistema Económico y rentístico de la Confederación Argentina, Preliminar al estudio del derecho. También fue redactor de numerosos periódicos políticos y literarios, publicó una serie de artículos costumbristas -bajo el seudónimo de Figarillo- y escribió una crónica dramática sobre la Revolución de Mayo.

- ARBOL -

2011-08-29T20:54:00.002-03:00

Día del Arbol

Suecia fue el primer país del mundo en instituir un día del año como "Día del árbol". Esto ocurrió en 1840, cuando en dicho país se había tomado conciencia de la importancia que tienen los recursos forestales, del cuidado que se debía brindar a los árboles, y la necesidad de introducir a los niños desde temprana edad, en el conocimiento y la práctica de una tarea a largo plazo.

Años más tarde, muchos suecos emigraron a Estados Unidos y llevaron consigo esta valiosa herencia cultural, cuyo ejemplo sirvió para que Norteamérica en 1872, también instituyera su "Día del árbol".

Y a partir de allí comenzaron a establecerlo los otros países del continente y del mundo.

El 21 de agosto de 1860 Canadá había adoptado la hoja del arce (árbol de singular belleza y buena madera para la construcción) como emblema nacional. Razón por la que la hoja del arce o maple pasó a ser el centro de la bandera y escudo que exhibe Canadá ante el mundo, usándose también, bajo la forma decorativa de broches, alfileres y botones, cada vez que se celebra el "Día del árbol" en esa nación.

En la República Argentina el principal impulsor de la actividad forestal fue Domingo Faustino Sarmiento (Presidente de la Nación de 1868 a 1874) que en un discurso subrayó: "El cultivo de los árboles, conviene a un país pastoril como el nuestro, porque no solo la arboricultura se une perfectamente a la ganadería, sino que debe considerarse un complemento indispensable" y agrega: "La Pampa es como nuestra República, tala rasa. Es la tela en la que ha de bordarse una nación. Es necesario escribir sobre ella ¡Arboles! ¡Planten árboles!".

La prédica de Sarmiento encontró eco treinta años después, cuando el 29 de agosto de 1900, el Consejo Nacional de Educación, en base a la iniciativa del Dr. Estanislao Zeballos, instituyó dicha fecha, en celebración al "Día del Arbol", y cuyo festejo se concretó a partir de 1901.

- CAFES -

2011-08-29T20:54:00.001-03:00

CAFES NOTABLES DE BUENOS AIRES

Ciclo televisivo de mi autoría, que comenzó e emitirse en 2009, ha sido ternado a los MARTIN FIERRO, en el rubro DOCUMENTALES, junto a otros dos: uno de JORGE LANATA y otro de FELIPE PIGNA.
Realmente es una satisfacción que quiero compartir con Uds. Gracias!!

- ARCHIVO -

2011-08-29T20:51:00.000-03:00

Archivo General de la Nación

El Archivo General de la Nación (AGN) es una dependencia del Ministerio del Interior de la Argentina, con sede en Buenos Aires. Fue fundado el 28 de agosto de 1821 como Archivo de la Provincia de Buenos Aires, durante la gestión de Martín Rodríguez como gobernador de esa provincia. En 1957 se incorporaron a sus colecciones los materiales del Archivo Gráfico de la Nación, que había sido constituido en 1939.

El AGN alberga numerosas colecciones documentales escritas, visuales y sonoras que se remontan a la época colonial. El fondo documental correspondiente al Virreinato del Río de la Plata es parte del programa Memoria del Mundo de la Unesco.

- NOBLE -

2011-08-29T20:49:00.002-03:00

SE FUNDA CLARIN

ROBERTO NOBLE

Roberto Noble nació en Capital Federal en 1902. Fue periodista, legislador, estadista, escritor y pensador. Tenía 16 años cuando ingresó al Partido Socialista (1918), e inmediatamente fundó la revista crítica social. Su capacidad intelectual y su carácter, naturalmente político, lo llevaron a destacarse desde sus primeros años como estudiante universitario. Colaboró tam ...bién en varias revistas universitarias y en el diario La Nación. En 1928 obtuvo su doctorado en Derecho.

Elegido diputado en 1930 pro el Partido Socialista Independiente, su mandato se vio interrumpido por el golpe militar del general Uriburu. Reelegido en 1931 cumplió mandato hasta 1936. Fue vicepresidente de la Cámara de Diputados y Ministro de Gobierno de la provincia de Buenos Aires desde 1936 hasta 1938. Como diputado creó la revolucionaria Ley Noble de la Propiedad Intelectual y la Ley de Justicia de Paz Letrada.

Como Ministro de Gobierno de la Provincia de Buenos Aires puso en vigor la ley de Defensa del Peón de Campo, creó el Sistema de Conciliación y Arbitraje Obligatorio como instrumento para resolver conflictos laborales y elevó los salarios obreros un sesenta por ciento. Fundó Radio Provincia, remodeló el Teatro Argentino de La Plata, y concretó numerosas obras edilicias que aún perduran, como las Galerías Santa Fe sobre la avenida del mismo nombre, en Capital Federal; espacio de compras y cultura, para lo que convocó a Raúl Soldi, Leopoldo Presas, Battle Planas, Torres Agüero, Luis Seaoane y Noemí Grestein; entre otros reconocidos artistas para realizar los incomparables murales que todavía se pueden admirar en esta galería comercial.

Abandonó la actividad política en 1939 para instalar un establecimiento agropecuario en Quiroga, provincia de Buenos Aires, al que años después terminó vendiendo para invertir su producido en la fundación de su obra cumbre: El Diario Clarín. Hacía 1945, este medio se había convertido ya bajo su dirección en el diario de mayor circulación en el mundo de habla hispana.

Paralelamente, en 1955 se avocó a los que serían sus últimos emprendimientos agropecuarios: La Estancia La Loma y Cabaña Santa maría del Totoral. Estos proyectos sirvieron para dinamizar a esa zona de la provincia. A través de ellos se introdujo en esta región la raza Aberdeen Angus. También fue allí donde por primera vez se utilizó el sistema de inseminación artificial en el norte del país. Llevó también la corriente eléctrica y el teléfono al pueblo de Totoral, donde falleció el 12 de Enero de 1969.

- RADIO -

2011-08-29T20:46:00.000-03:00

‎27 de Agosto de 1920

Radiofonía Argentina

Desde la terraza del Teatro Coliseo el 27 de agosto de 1920, el Dr. Enrique Telémaco Susini, César Guerrico, Luis Romero Carranza y Miguel Mujica, “los locos de la azotea”, transmitieron la ópera Parsifal de Richard Wagner, interpretada por la Soprano argentina Sara César presentada al aire por el mismo Susini que había traído desde los frentes de batalla de Europa los primeros elementos de radiofonía escondidos en su sobretodo.

Muchas discusiones existen al respecto sobre si corresponde llamar o no a esta la primera transmisión de radio del mundo pero en lo que sí existe mayor consenso es en sostener, como lo hacen diversos estudiosos de la materia, que esta transmisión de tres horas de duración y escuchada por cincuenta personas, se trataría de la primera transmisión dedicada a todo el público en general con propósitos de continuidad, fundadora sin dudas de la radio como medio de comunicación.

- CORTAZAR -

2011-08-29T20:45:00.001-03:00

‎26 de Agosto de 1914

Nacimiento de Julio Cortázar

Julio Cortázar fue uno de los escritores latinoamericanos más importantes del siglo XX. De padres argentinos, nació en Bélgica en medio del estallido de la Primera Guerra Mundial. La familia permaneció en Europa -se refugiaron en Suiza y en España- mientras se desarrollaba la contienda. Cuando finalizó, regresaron a la Argentina y se establecieron en Banfield, donde Julio pasó su infancia.

En 1932 obtuvo el título de maestro normal y luego el de profesor. Por entonces devoraba literatura, daba clases en distintos colegios y escribía narraciones, poemas y ensayos. En 1938 editó su primer poemario, “Presencia”. En 1944 se trasladó a Mendoza para dar clases en la Universidad Nacional de Cuyo, allí también intervino políticamente, manifestándose en contra del ascenso de Perón.

Tanto fue así que, cuando asumió el líder político, renunció a su cargo universitario. Este año publicó “La otra orilla”, el primer volumen de sus relatos.
Algún tiempo después comenzó a estudiar el traductorado de inglés y francés, oficio en el que se destacó en los próximos años. Por entonces publicó “Los reyes”, una pieza de teatro que llevaba su firma -las obras anteriores estaban firmadas con seudónimos-.

Luego de varios rechazos de las editoriales y la disconformidad con el gobierno, Cortázar dejó la Argentina y se estableció en París como traductor de la UNESCO. Sin embargo, continuó escribiendo en español. Desde entonces editó sus obras más reconocidas: “Final del juego”, “Las armas secretas”, “Los premios”, “Historias de cronopios y de famas” y “Rayuela”. Esta última, de gran éxito editorial, le dio fama internacional y lo lanzó como puntal de lo que luego se conocería como el “boom” de la literatura latinoamericana.

En 1961, a poco de la revolución cubana, viajó a La Habana, experiencia que sería capital en su vida y que lo acercó definitivamente al mundo político. En los próximos años continuó publicando con el espíritu crítico y lúdico que caracterizó a su obra. Se casó tres veces: con Aurora Bernárdez, Ugné Karvelis y Carol Dunlop. Enfermo de leucemia, murió en París en 1984.

- ACTOR -

2011-08-29T20:41:00.004-03:00

FELIZ DIA DEL ACTOR

Ginés de Roma fue un actor romano del siglo III. Es considerado santo mártir por el catolicismo. Según la leyenda, a Ginés, mientras representaba una comedia ante el emperador Diocleciano, se le ocurrió parodiar el bautismo, que había presenciado unos días antes.

Pero se produjo un milagro, y nada más recibir el agua, mientras realizaba la comedia se convirtió al cristianismo. F ...ue torturado y decapitado por el prefecto de Roma en el año 286. Su festividad se celebra el día 25 de agosto.
Por ese motivo se instituyó al día 26 como fecha para celebrar, en conmemoración de la gesta de Ginés, “El Día del Actor”.

En Argentina, en 1992, se decidió declarar: “Día del actor argentino” aquella fecha que resulte de todos los segundos lunes de cada mayo. Lo cierto es que parece que Ginés se rebelo contra el emperador y fue castigado (y muy duramente, por cierto) por su rebeldía.

Otro detalle llamativo es que los 26 de agosto, la celebración de “El Día del Actor” coincide con la de “El día de la solidaridad”. Todos los trabajos que tengan la posibilidad de llamarse tales, son realizados por trabajadores, y el concepto de “solidaridad” siempre va de la mano de la condición de trabajador; ya que no hay trabajador que no reconozca la existencia imprescindible de otro.

Los actores, además, nos permitimos jugar a ser ese “otro” que justifica nuestra propia existencia. Vaya, pues, un simpático y propio abrazo a todos los trabajadores actores. Vaya, también, un sincero agradecimiento a todos los que nos saludaron este día; y vaya, por sobre todas las cosas, un entrañable gesto capaz de convertirse en toda una de esas elementales acciones físicas, para los que nos enorgullecemos de nuestra condición de trabajadores y actores.

- URUGUAY -

2011-08-29T20:41:00.001-03:00

‎25 de Agosto de 1825

Independencia de Uruguay

La Provincia Oriental del Uruguay declara su independencia del Brasil y se reincorpora a las Provincias Unidas del Río de la Plata luego de que José Antonio Lavalleja y un grupo de hombres arribados desde Buenos Aires, desembarcaran en las costas uruguayas, con la finalidad de sitiar Montevideo.

Este grupo, llamados “los 33 Orientales”, logró sitiar la Ciudad y Lavalleja convocó a una Asamblea en La Florida que declaró la Independencia de Uruguay con respecto al Imperio de Brasil y nombró Gobernador a Lavalleja, el 25 de agosto de 1825.

Después de obtenida la victoria de Sarandí la Banda oriental volvió a ser parte de las Provincias Unidas del Río de La Plata que reconocieron su incorporación a la unión el 24 de octubre de 1825, lo que desencadenó la guerra con Brasil, la que finalizará tres años después con la creación de la República Oriental del Uruguay.

- COSTELLO -

2011-08-29T20:37:00.001-03:00

Elvis Costello

Declan Patrick MacManus nacido en Londres el 25 de agosto de 1954, conocido como Elvis Costello, es un músico, cantante y compositor británico.

Se inició en la escena pub-rock londinense a mitad de los 70 desde donde vio llegar como observador privilegiado la New Wave y el punk, movimientos con los que se asoció.

En 1975 McManus llevaba una aparente vida convencional, casado y con hijo, y empleándose en diferentes trabajos administrativos. No obstante, componía y movía sus maquetas hasta que la independiente Stiff Records le contrató; Jack Riviera, director del sello, le propuso una identificación artística más sugerente, combinando el nombre de Elvis Presley y su segundo apellido materno: Elvis Costello ya era una realidad.

El disruptivo 1977 marca la carrera de Costello: a su fichaje por Stiff a inicios de año, le sigue la edición de su primer single Less than zero en abril, y de "Alison" en marzo, debutando en larga duración en verano con My aim is true, con un significativo éxito de críticas y un moderado éxito comercial (puesto 14 en el Reino Unido, entrando el el Top40 en Estados Unidos).

La portada con un Costello con Fender Jazzmaster en ristre, enormes gafas de pasta, piernas en cuña embutidas en pantalón pitillo, ecos estéticos al punk y a Buddy Holly y pose desafiante era una declaración de intenciones. La banda que acompañó la grabación fueron los americanos Clover, conjunto que en aquella época practicaba el country/root y que con el tiempo se convertiría en Huey Lewis and The News: ese mismo verano, Costello reclutó a lo que sería su banda estable, The Attractions, formadada por Steve Nieve al piano, Bruce Thomas al bajo y Pete Thomas a la batería. El otoño participaría en la Stiff Live Package, con otros grupos del sello como Ian Dury, Wreckless Eric y Nick Lowe. A final de año Jack Riviera deja Stiff para fundar Radar Records a donde se llevaría a Lowe y Costello, publicando su último single Watching the detectives (grabado con el bajista y batería de Graham Parker and The Rumours) a final de año.

En los dos años siguientes publicó con el nuevo sello y la nueva banda This Year's Model', otra colección de singles como fue el su debut, con un estilo igual de urgente e intenso pero más crudo y directo, acaso fruto de la escena punk vigente y desligado del pub-rock setentero y músicos de country-rock con los que grabó My aim is true y Armed Forces. Con este último álbum pretendería y alcanzaría un reconocimiento comercial más amplio (el álbum y primer single Oliver's Army lograría el número dos de las listas británicas, mientras que el álbum entraría en el Top10 Estados Unidos, no así ninguno de sus singles). Armed Forces es un disco más complejo y variado musicalmente, tanto en tiempos, estilos y orquestación, igual de irónico y quizá más trabajado en cuanto a letras, y deja entrever lo que será la carrera posterior del Costello maduro de las siguientes décadas.

Costello cierra los setenta como productor, dejando su impronta en el disco debut y homónimo de The Specials.Son conocidas sus incursiones en el mundo de la música clásica como es el caso de sus obras "The Juliette Letters" y "Il Sogno". En 1999, participa en el multitudinario festival de Woodstock, dando un emotivo show en ese caótico festival. Elvis Costello se casó con Diana Krall en diciembre de 2003 y tuvieron dos hijos gemelos el 6 de diciembre de 2006 en Nueva York, Dexter Henry Lorcan y Frank Harlan James.

En 2008 Costello presentó un programa de televisión llamado Elvis Costello with... (Elvis Costello con...), coproducido por CTV (Canadá), Channel 4 (Inglaterra) y Sundance Channel (Estados Unidos). El programa desarrollaba entrevistas en profundidad a miembros destacados del negocio musical. Su primer invitado fue Elton John. El espacio televisivo tenía fines benéficos, para recaudar dinero en la lucha contra el sida en África.

- OFFENBACH -

2011-08-29T20:36:00.001-03:00

Jacques Offenbach

Jacques Offenbach (n. Colonia, Alemania, 20 de junio de 1819 – f. París, Francia, 5 de octubre de 1880) fue un compositor y violonchelista alemán, nacionalizado francés, creador de la opereta moderna y de la comedia musical. Fue uno de los compositores más influyentes de la música popular europea del siglo XIX.

Nació en Deutz, hoy un barrio de la ciudad de Colonia, en el seno de una familia judía, con el nombre de Jakob. Sus padres fueron el encuadernador, profesor de música y compositor Isaac Juda Eberst y Marianne Rindskopf, quienes poco antes de su nacimiento cambiaron su apellido por el nombre de la ciudad natal del padre, Offenbach del Meno, cerca de Fráncfort. Estudió violonchelo y violín. En 1833 viajó a París, donde fue discípulo de Luigi Cherubini en el Conservatorio. Fue violonchelista de diversas orquestas, entre ellas la de la Opéra-Comique.

En 1844 hubo de convertirse a la religión católica a fin de poder casarse con la española Herminia de Alcain —cuyo nombre en francés es Herminie d'Alcain— de 18 años de edad. En 1848 huyó de Francia ante los hechos revolucionarios que se produjeron, volviendo al año siguiente. En 1849 fue nombrado director de orquesta en el Théâtre français.

En 1855, fundó el teatro «Bouffes Parisiens» donde llevó a escena sus propias obras, que reflejan la joie de vivre de su época, con humor e irreverencia. La Belle Hèléne es una apología del ménage a trois. También presentó divertidas adaptaciones de otros genios de la música como G. Rossini cuya ópera Il signor Bruschino logró realizar con gran éxito.

Con la caída del Imperio de Napoleón III sus gustos se resistieron y creó el Théâtre de la Gaité fracasando en él y dio una gira por Estados Unidos también sin mucho éxito. Su ascendencia alemana le granjeó enemigos después de la guerra franco prusiana; reflejó con ironía ante estos enemigos representándolos en sus operetas aunque estos personajes fueran de la Antigüedad.

Según Karl Krauss, Offenbach «cumple la función de remediar la estupidez, darle un respiro a la razón y estimular la actividad mental». Su obra más seria y ambiciosa fue Los cuentos de Hoffmann, que no llegó a concluir a causa de su muerte en 1880. Sus restos reposan en el Cementerio de Montmartre.

- FARIAS GOMEZ -

2011-08-29T20:33:00.001-03:00

Hasta siempre Chango!!!

- BORGES -

2011-08-29T20:28:00.001-03:00

Fundación mítica de Buenos Aires

¿Y fue por este río de sueñera y de barro
que las proas vinieron a fundarme la patria?
Irían a los tumbos los barquitos pintados
entre los camalotes de la corriente zaina.

Pensando bien la cosa, supondremos que el río
era azulejo entonces como oriundo del cielo
con su estrellita roja para marcar el sitio
en que ayunó Juan Díaz y los indios comieron.

Lo cierto es que mil hombres y otros mil arribaron
por un mar que tenía cinco lunas de anchura
y aún estaba poblado de sirenas y endriagos
y de piedras imanes que enloquecen la brújula.

Prendieron unos ranchos trémulos en la costa,
durmieron extrañados. Dicen que en el Riachuelo,
pero son embelecos fraguados en la Boca.
Fue una manzana entera y en mi barrio: en Palermo.

Una manzana entera pero en mitá del campo
expuesta a las auroras y lluvias y suestadas.
La manzana pareja que persiste en mi barrio:
Guatemala, Serrano, Paraguay y Gurruchaga.

Un almacén rosado como revés de naipe
brilló y en la trastienda conversaron un truco;
el almacén rosado floreció en un compadre,
ya patrón de la esquina, ya resentido y duro.

El primer organito salvaba el horizonte
con su achacoso porte, su habanera y su gringo.
El corralón seguro ya opinaba YRIGOYEN,
algún piano mandaba tangos de Saborido.

Una cigarrería sahumó como una rosa
el desierto. La tarde se había ahondado en ayeres,
los hombres compartieron un pasado ilusorio.
Sólo faltó una cosa: la vereda de enfrente.

A mí se me hace cuento que empezó Buenos Aires:
La juzgo tan eterna como el agua y como el aire.

JORGE LUIS BORGES

- BORGES -

2011-08-23T20:30:00.001-03:00

Jorge Luis Borges

Hace 112 años nacía Borges

Jorge Francisco Isidoro Luis Borges (Buenos Aires, 24 de agosto de 1899 – Ginebra, 14 de junio de 1986) fue un escritor argentino, uno de los autores más destacados de la literatura del siglo XX. Publicó ensayos breves, cuentos y poemas. Su obra, fundamental en la literatura y en el pensamiento humano, ha sido objeto de minuciosos análisis y de múltiples interpretaciones, trasciende cualquier clasificación y excluye cualquier tipo de dogmatismo.

Es considerado como uno de los eruditos más grandes del siglo XX, lo cual no impide que la lectura de sus escritos suscite momentos de viva emoción o de simple distracción.

Ontologías fantásticas, genealogías sincrónicas, gramáticas utópicas, geografías novelescas, múltiples historias universales, bestiarios lógicos, silogismos ornitológicos, éticas narrativas, matemáticas imaginarias, thrillers teológicos, nostálgicas geometrías y recuerdos inventados son parte del inmenso paisaje que las obras de Borges ofrece tanto a los estudiosos como al lector casual.

Y sobre todas las cosas, la filosofía, concebida como perplejidad, el pensamiento como conjetura, y la poesía, la forma suprema de la racionalidad. Siendo un literato puro pero, paradójicamente, preferido por los semióticos, matemáticos, filólogos, filósofos y mitólogos, Borges ofrece —a través de la perfección de su lenguaje, de sus conocimientos, del universalismo de sus ideas, de la originalidad de sus ficciones y de la belleza de su poesía— una obra que hace honor a la lengua española y la mente universal.

Ciego a los 55 años, personaje polémico, con posturas políticas que le impidieron ganar el Premio Nobel de Literatura al que fue candidato durante casi treinta años, Borges siempre soñó con que la posteridad le perdonara sus errores y le concediera la gloria de que se lo recordase por sus mejores textos.

- WAGNER -

2011-08-23T20:19:00.000-03:00

Richard Wagner

(Leipzig, actual Alemania, 1813-Venecia, Italia, 1883)

Compositor, director de orquesta, poeta y teórico musical alemán. Aunque Wagner prácticamente sólo compuso para la escena, su influencia en la música es un hecho incuestionable. Las grandes corrientes musicales surgidas con posterioridad, desde el expresionismo hasta el impresionismo, por continuación o por reacción, encuentran en él su verdadero origen, hasta el punto de que algunos críticos sostienen que toda la música contemporánea nace de la armonía, rica en cromatismos, en disonancias no resueltas, de Tristán e Isolda.

La infancia de Wagner se vio influida por su padrastro Ludwig Geyer, actor, pintor y poeta, que suscitó en el niño su temprano entusiasmo por toda manifestación artística. La literatura, además de la música, fue desde el principio su gran pasión, pero el conocimiento de Weber y, sobre todo, el descubrimiento de la Sinfonía núm. 9 de Beethoven lo orientaron definitivamente hacia el cultivo del arte de los sonidos, aunque sin abandonar por ello su vocación literaria, que le permitiría escribir sus propios libretos operísticos.

De formación autodidacta, sus progresos en la composición fueron lentos y difíciles, agravados por una inestable situación financiera, la necesidad de dedicarse a tareas ingratas (transcripciones de partituras, dirección de teatros provincianos) y las dificultades para dar a conocer sus composiciones. Sus primeras óperas –Las hadas, La prohibición de amar, Rienzi– mostraban su supeditación a unos modelos en exceso evidentes (Weber, Marschner, Bellini, Meyerbeer), sin revelar nada del futuro arte del compositor.

Hasta el estreno, en 1843, de El holandés errante, no encontró el compositor su voz personal y propia, aún deudora de algunas convenciones formales que en posteriores trabajos fueron desapareciendo. Tannhäuser y Lohengrin señalaron el camino hacia el drama musical, la renovación de la música escénica que llevó a cabo Wagner, tanto a nivel teórico como práctico, en sus siguientes partituras: El oro del Rin (primera parte de la tetralogía El anillo de los nibelungos) y Tristán e Isolda.

En estas obras se elimina la separación entre números, entre recitativos y partes cantadas, de modo que todo el drama queda configurado como un fluido musical continuo, de carácter sinfónico, en el que la unidad viene dada por el empleo de unos breves temas musicales, los leitmotiv, cuya función, además de estructural, es simbólica: cada uno de ellos viene a ser la representación de un elemento, una situación o un personaje que aparece en el drama.

No sólo en el aspecto formal fue revolucionaria la aportación wagneriana: en los campos de la melodía, la armonía y la orquestación –con el uso de una orquesta sinfónica de proporciones muy superiores a las que tenían las habituales orquestas de ópera–, sino que también dejó una impronta duradera. Su gran aspiración no era otra que la de lograr la Gesamtkunstwerk, la «obra de arte total» en la que se sintetizaran todos los lenguajes artísticos.

Sus ideas tuvieron tantos partidarios como detractores. Uno de sus más entusiastas seguidores fue el rey Luis II de Baviera, gracias a cuya ayuda económica el músico pudo construir el Festspielhaus de Bayreuth, un teatro destinado exclusivamente a la representación de sus dramas musicales, cuya complejidad superaba con mucho la capacidad técnica de las salas de ópera convencionales.

En 1876 se procedió a su solemne inauguración, con el estreno del ciclo completo de El anillo de los nibelungos. Años antes, en 1870, el compositor había contraído matrimonio con la hija de Franz Liszt, Cosima, con quien había mantenido una tormentosa relación cuando aún estaba casada con el director de orquesta Hans von Bülow. Wagner dedicó los últimos años de su vida a concluir la composición de Parsifal.

- FOLKLORE -

2011-08-23T20:18:00.001-03:00

Día Mundial del Folklore y Día del Folklore Argentino

La palabra "folklor" fue creada por el arqueólogo inglés William John Thoms el 22 de Agosto de 1846. Etimológicamente deriva de "folk" (pueblo, gente, raza) y de "lore" (saber, ciencia) y se designa con ella el "saber popular". La fecha coincide, en Argentina, con el nacimiento de Juan Bautista Ambrosetti (1865-1917), reconocido como el "padre de la ciencia folklórica".

El romanticismo del siglo XIX reaccionaba contra el intelectualismo de épocas anteriores y permitía así surgir el estudio sistemático y metódico de las manifestaciones culturales del pueblo, es decir, del folklore. Así William John Thoms crea el vocablo folklore, que vio la luz el 22 de agosto de 1846.

La primera revista de corte científico dedicada al folklore, fue Folklore Record, publicada entre 1878 y 1882 por la Folklore Society de Londres, institución surgida hacia fines de ese siglo. El Primer Congreso Internacional de Folklore se realizó en la ciudad de Buenos Aires en 1960.

A dicho evento, presidido por el argentino Augusto Raúl Cortazar, asistieron representantes de 30 países que instauraron el 22 de agosto como Día del Folklore. El emblema que representa a los folkloristas argentinos - elegido por el Primer Congreso Nacional del Folklore en 1948 - es el árbol, porque el folklore también hunde sus raíces en la tradición, sus ramas representan el pensamiento, el sentido y la imaginación por un lado y la obra de las manos, es decir la creatividad artesanal por el otro.

Las escasas hojas representan la juventud primaveral de la ciencia. Las palomas, la unión de lo material con lo espiritual en la amplitud del folklore. El tronco y ramas están envueltas con una banda que dice: Qué y cómo el pueblo piensa, siente, imagina y obra. Este emblema fue ideado por Rafael Jijena Sánchez.

- NIÑO -

2011-08-23T20:11:00.002-03:00

DIA DEL NIÑO

El 20 de noviembre de 1959, la Asamblea General de las Naciones Unidas se reunió con la intención de reafirmar los derechos universales de la niñez y para que se celebrara en cada país del mundo un día que se consagraría a la fraternidad y a la comprensión entre los niños del mundo entero y se destinara a actividades que desarrollaran el bienestar de todos los niños del mundo.

La idea de esta reunión se debió una institución llamada Unión Internacional de Protección a la Infancia, que en 1952 planteó que debía haber un día especial para festejar a los niños. Un año después, en 1953, cuarenta países decidieron unirse a la fiesta y celebrarlo también.

Pronto, las Naciones Unidas se sumaron a la idea y se decretó por unanimidad que debía establecerse una fecha para honrar y poner énfasis en las necesidades de los niños de todo el mundo.

El Día del Niño y Niña oficial es el 20 de noviembre pero en cada país se celebra en un momento diferente.

En 2011 dicha fecha se celebrará el 21 de agosto debido a que el 14 de ese mes se llevaron a cabo las Elecciones Primarias Abiertas en todo el país

- VOTO FEMENINO -

2011-08-23T20:11:00.001-03:00

Voto Femenino y Universal

A 65 AÑOS

Un 21 de agosto de 1946 el Senado aprobaba un proyecto de ley por el cual se otorgaba el voto a la mujer. Así surgiría la más ferviente ilusión de Evita de poder concretar lo que tanto anhelaba: legitimar el voto femenino. La lucha venia ya de muchos años atrás y se encuadraba dentro del movimiento mundial por la emancipación de la mujer.

Argentina no fue pionera. Muchos países ya habían dado el primer paso, incluso antes de que Nueva Zelanda lo aprobara en 1893.

En nuestro país, los derechos de la mujer fueron reivindicados desde los primeros años del siglo XX. Los nombres de Cecilia Grierson, Alicia Moreau de Justo, Elvira Dellepiane, Victoria Ocampo se hallan estrictamente ligadas a esta causa.

Claro que las agrupaciones feministas de entonces estaban mayoritariamente conformadas por mujeres de clase media y alta, que habían librado en sus propios hogares la lucha que implicaba salirse del rol que la sociedad les asignaba: esposas y madres.

- FELLINI -

2011-08-23T16:38:00.003-03:00

Federico Fellini

Icono del cine italiano

(Rímini, Italia, 1920-Roma, 1993) Director de cine italiano. Su infancia, evocada posteriormente en películas como Ocho y medio y Amarcord, en gran parte autobiográficas, transcurrió en su ciudad natal, Rímini, donde estudió en la escuela del asilo San Vincenzo. Sus primeras grandes aficiones, antes de descubrir su pasión por el cine, fueron el dibujo y la caricatura. A los diecisiete años publicó en una revista sus primeras caricaturas, que representaban a los compañeros del campamento de verano de la organización juvenil del Partido Nacional Fascista al que había asistido en el verano de 1936.

A partir del año siguiente colaboró en los semanarios La Domenica del Corriere y el político-satírico florentino 420, en los cuales publicó relatos, viñetas y dibujos, todo ello bajo el seudónimo de «Fellas». En 1939, junto con su madre y su hermana, se trasladó a Roma con la intención de cursar estudios de derecho y jurisprudencia en la Universidad de Roma, estudios que nunca terminó.

En Roma adquirió cierta notoriedad, sobre todo entre los lectores más jóvenes, gracias a las viñetas y los cuentos por entregas que publicó en la revista Marco Aurelio. Por aquellas fechas, además, conoció al cómico Aldo Fabrizi, con quien colaboró intensamente en los años siguientes como autor de gags para sus espectáculos de variedades.

En 1940, tras un breve paso por la radio, hizo su primera incursión en el mundo del celuloide al participar, en calidad de guionista, en la película ¡El pirata soy yo!, dirigida por Mario Mattoli. Fue el primero de una larga lista de filmes en los cuales se ocupó de preparar el guión. En 1943 se casó con Giuletta Masina, una joven actriz de teatro. En marzo de 1945, el primer y único hijo del matrimonio murió a las dos semanas de nacer.

Fecha clave para Fellini en su relación con el cine fue 1944, año en que conoció a Roberto Rossellini, uno de los más importantes directores del neorrealismo italiano. Junto a Rossellini, quien se convirtió en su tutor, colaboró como guionista en Roma, ciudad abierta y otras películas suyas.

En 1951 se estrenó como director, primero codirigiendo, junto a Alberto Lattuada, el filme Luces de varieté, y posteriormente en su ópera prima El jeque blanco, basada en una idea de Michelangelo Antonioni. Al año siguiente ganó su primer premio: un León de Plata por Los inútiles en la Mostra de Venecia. En 1954, y en aquel mismo certamen, ganó un León de Plata por su siguiente película, La strada, su primer filme de resonancia internacional y que le reportaría, así mismo, su primer Oscar; protagonizada por su esposa, esta realización inicia la transición del director desde el neorrealismo hacia un cine más personal, de marcado tono autobiográfico y repleto de elementos fantásticos.

Sus siguientes películas recibieron toda clase de premios internacionales, como la Palma de Oro en el Festival de Cannes por La dolce vita, con la cual obtuvo un importante éxito comercial y supuso el inicio de su colaboración con el actor Marcello Mastroianni, que se convertiría en habitual a partir de entonces. Ocho y medio (1963) marca claramente el comienzo de la segunda etapa del cine felliniano, de exuberante fantasía y barroquismo y con un humor de rasgos surrealistas.

Giulietta de los espíritus (1965) originó cierta polémica, que se repetiría en otras películas, por el impúdico erotismo que la atraviesa y por la ironía con que se trata a sí mismo y a la sociedad italiana, especialmente la Iglesia. Películas como Roma o Y la nave va marcan la posterior producción de este cineasta, dueño de un universo muy personal y de un estilo extremadamente libre. En 1993, poco antes de su muerte, recibió su quinto Oscar al conjunto de su carrera en una conmovedora ceremonia en la que estuvo flanqueado por Sofia Loren y Marcello Mastroianni, sus dos más célebres actores, y su esposa, Giulietta Masina.

- DE MURAT -

2011-08-23T16:38:00.001-03:00

Ulyses Petit de Murat

(1907-1983)

Nació en Buenos Aires, el 28 de enero de 1907. Hijo de Ulyses Petit de Murat y de Fedra Regúnaga. Cursó sus estudios secundarios en el Colegio Nacional de San Isidro e interrumpió sus estudios de abogacía para dedicarse a la literatura y al periodismo. En 1926 publicó sus primeros versos formales en “Martín Fierro”.

En 1929 publicó “Conmemoraciones” . En 1931 “Rostros”. Y en 1935 obtuvo con “Las Islas”, hermoso libro de poemas , el Premio Municipal de Poesía. En 1937 publicó su colección de poemas “Marea de lágrimas”, cuyo tono elegíaco y perfección de formas, asentaron su prestigio de poeta.

Tradujo del inglés “Donde la cruz está hecha” de O’Neill en colaboración con Jorge Luis Borges, siendo autor, además, de la primera versión castellana de “El amante de Lady Chatterley”, la sensacional novela de D.H. Lawrence.

Después de colaborar asiduamente en “La Nación”, “El Hogar”, “El sol” y las principales revistas de vanguardia, ingresó a “Crítica”.

Estuvo sucesivamente al frente de la página de música, luego dirigió junto con Jorge Luis Borges el suplemento literario de ese mismo diario, para hacerse finalmente cargo de la jefatura de cine, en la vacante dejada por el conocido director Arturo S. Mom, en el año 1932.

Fue el más prolífico guionista local y el benjamín del legendario grupo literario Martín Fierro, ese importante movimiento revolucionario de las letras, que integraban Macedonio Fernández, Jorge Luis Borges, Oliverio Girondo, Eduardo Mallea y otras figuras destacada de la literatura argentina.

Ejerció la crítica fílmica antes de su debut como guionista en “Con el dedo en el gatillo”, escrito en colaboración con Raúl González Tuñón y en esa obra maestra que resultó ser “Prisioneros de la Tierra”, dirigida por Mario Soffici (1939), adaptación de cuatro cuentos de Horacio Quiroga, realizada en colaboración con un hijo de este, llamado Darío Quiroga, e interpretada por Francisco Petrone. Luego vinieron los éxitos decisivos de “Todo un hombre”, “La guerra gaucha” y “Su mejor alumno”, cuyos guiones realizó con su gran amigo Homero Manzi.

Una enfermedad despiadada, la tuberculosis, lo arrancó de Buenos Aires y lo llevó a recluirse en un sanatorio de Ascochinga, provincia de Córdoba, en donde escribe su novela “El balcón hacia la muerte” por la que obtuvo la más alta recompensa que otorgan las letras argentinas, en la forma de un Premio Nacional para el trienio 1942-43-44.

Entre 1951 y 1958 estuvo exiliado en México. Durante su estadía en ese país, escribió más de cuarenta guiones de películas para el cine mexicano, una para España y una para Brasil. También escribió dos novelas que se publicaron simultáneamente en Argentina y México y estrenó en la ciudad de México una versión de "Edipo Rey" de Sófocles.

Entre los cuarenta argumentos que escribió para el cine mexicano, se destacan:”Camelia” con María Félix y Jorge Mistral; “La entrega”, con Arturo de Córdova y Marga López y "Manicomio" con un grupo de artistas jóvenes, que fue la primera película filmada sobre el Rock and Roll, aún antes que las de Elvis Presley de un enorme éxito de taquilla.

Tuvo, en radio Universidad, dependiente de la Universidad Nacional Autónoma de México, un espacio de una hora y quince minutos de duración, en el horario vespertino, dedicado a la difusión de la literatura argentina.

El 29 de mayo de 1958 el “International Institute of Arts and Letters” de EEUU, lo incorporó como Miembro de dicha Institución, por sus méritos literarios.

Fue jurado en Festivales de Cine Internacionales, tales como el decimoter festival Internacional de Cannes (1960), en el que compartió junto con George Simenon y Henry Miller, el honor de ser jurado de las películas de largometraje, en el de Karlovy Vari en Checoslovaquia, en el de Moscú, etc. Fue también, dos veces Presidente del Gran Jurado del Festival Internacional de Mar del Plata.

En 1962 obtiene el premio Argentores y el del Fondo Nacional de las Artes para teatro, por su obra “Un espejo para la santa”.

En 1967 obtiene el Trofeo ARGENTORES a la mejor producción de cine por la cinecomedia “Al diablo con este cura”, protagonizada por Luis Sandrini.

En 1969 y mientras se encontraba recuperándose de un infarto, encabeza la lista ganadora en las elecciones de la SADE, convirtiéndose en su presidente. Ese mismo año obtiene junto con Mario Soffici, el Gran Premio del Fondo Nacional de las Artes, por su labor en la cinematografía nacional.

A partir de 1968 encara una serie de proyectos cinematográficos de gran envergadura, junto con Leopoldo Torre Nilson, que se plasman en las películas: “Martín Fierro” (1968), “El santo de la espada” (1970) y “Guemes” (1971) protagonizadas por Alfredo Alcon.

En 1970 publica “Carta abierta a los jóvenes del año 2000”.

Fue también durante varios periodos, Secretario General de ARGENTORES, Presidente del Jurado de los premios KONEX y Jurado del exitoso programa televisivo “Odol pregunta”.

En 1979, es invitado por la Radio y Televisión Española para un ciclo de reportajes a los más importantes escritores sudamericanos, junto a Borges, Mújica Lainez, Sábato, etc.

En 1980, era el guionista vivo con más guiones filmados, en el mundo.

Fallece el 19 de agosto de 1983, luego de un larguísimo viaje por Rusia y China, siendo presidente del Fondo Nacional de las Artes.

Fue considerado como “El poeta de los versos patéticos” por Jorge Luis Borges y de él dijo Gabriela Mistral: “Petit de Murat desnuda el hueso de la muerte”.

En una entrevista periodística siendo Presidente de la SADE, se define a sí mismo como poeta al afirmar que “el único y real goce creador lo obtengo al crear una línea de poema”.

- TUÑON -

2011-08-14T13:45:00.001-03:00

Raúl González Tuñón

Nació en Buenos Aires el 29 de marzo de1905, y murió en la misma ciudad el 14 de agosto de 1974.

Fue uno de los más importantes poetas argentinos del siglo XX. "Amigo de las gentes, de las mujeres amantes y del vino, una suerte de François Villon criollo, cantor de las tabernas, las grandes fiestas y duelos e insurrecciones populares", según lo definió Pedro Orgambide.

En 1922 publica sus primeros poemas en las revistas Caras y Caretas e Inicial. En 1923 participa en la redacción de Proa, la revista que dirige Ricardo Güiraldes, y colabora en el periódico Martín Fierro. Viaja por el interior del país y en 1929 por primera vez a Europa. Dos años después a Brasil, y en 1932 al Chaco paraguayo, en el avión del diario Crítica, como corresponsal de guerra. Vuela a la Patagonia y se instala en Río Gallegos.

En 1933 funda la revista Contra. Lo detienen y procesan por ¨incitación a la rebelión¨. En 1934 viaja a España y se radica en Madrid, donde traba amistad con García Lorca, Neruda y Miguel Hernández. En 1935 vuela a Buenos Aires y dos años más tarde está otra vez en España, durante la defensa de Madrid. Vive en Chile. Viaja por Europa, va a la Unión Soviética y a China.

Con El violín del diablo (1926) y Miércoles de ceniza (1928) trae Tuñón a la poesía argentina el desenfado y la picardía de los muchachos de los puertos, de los vagos y mal entretenidos que deambulaban por el viejo Paseo de Julio. Es un reconocimiento apasionado no sólo de la gente sino de los escenarios poco prestigiosos de la ciudad durante los años '20. Es en el puerto, en los suburbios, en el conventillo que encuentra los motivos de sus poemas. Todo es motivo de canto para el poeta que, por encargo de su novia, escribe Poema para la Virgencita del Teatro Cervantes.

En este primer período, la poesía de Tuñón une a lo descriptivo la imagen insólita, la pirueta, un pase de prestidigitador. En otros poemas, El séptimo cielo, por ejemplo, utiliza la palabra en función de onomatopeya, de dibujo verbal. Es lo que se advierte también en Poema de la Cenicienta Ciudadana, donde los nombres ingleses de los artistas de cine o de su máquina de escribir, sirven de rima y música interna al poema.

En La Calle del Agujero en la Media (1930) el verso libre, de amplio período, suplanta la cadenciosa, rítmica primera manera del poeta. Ahora, el discurso poético se distiende, se abre para incorporar lo sensorial en infinitos detalles, para registrar pequeñas anécdotas que tienen la brevedad de una instantánea. Este cambio de lenguaje corresponde al cambio de escenario: ya no es Buenos Aires sino París. Como constante, queda su observación de lo cotidiano, su mirar en las vidrieras y en los ojos fraternales: los de un saxofonista, los de un vendedor de globos, los de las chicas del music-hall, los de Blanca Luz que está lejos, los del organista de la iglesia de San Suplicio.

En El otro lado de la Estrella y Todos bailan, poemas de Juancito Caminador, ambos publicados en 1934, Raúl González Tuñón continúa esta segunda manera de su poesía: el verso amplio que llega fundirse con la prosa. De ese tiempo es la serie de Blues y su memorable poema "Lluvia", dedicado a Amparo Mom. Seguro de su oficio, canta ahora no sólo al amor y la vida vagabunda, sino a los hombres dispuestos a una actitud de solidaridad y al combate. Su registro de los años '30: el clima de preguerra europeo, el apogeo del jazz, los gangsters de EE.UU. ("Los Seis Hermanos Rápidos Dedos en el Gatillo") preparan ya el advenimiento de la poesía política de González Tuñón.

"Fue el primero que blindó la rosa", dijo Pablo Neruda. En 1936 aparece La rosa blindada. Puede señalarse este momento como el del tercer período poético de González Tuñón. En él se integran y se complementan sus dos maneras anteriores. Fiel al recuerdo de su abuelo Manuel Tuñón (obrero nacido en Mieres que lleva a su nieto a una manifestación socialista), fiel también a la poesía española, a los romances y coplas populares, González Tuñón enriquece la suya tanto en su tema como en su lenguaje. "La Libertaria", "El Tren Blindado de Mieres", "La Copla al Servicio de la Revolución", "Cuidado, que viene el Tercio", "La muerte Derramada", "El Pequeño Cementerio Fusilado" son algunos poemas de aquel tiempo, en los que, a partir de un tema heroico, la poesía se expresa tanto en verso rimado como en largos períodos de verso libre y prosa. En Las puertas de fuego (1923) y La Muerte en Madrid (1939) el mismo tema y procedimiento se reiteran con acierto.

No ocurrió lo mismo en parte de su producción posterior, donde a veces lo contingente, lo aleatorio, el compromiso de circunstancia, restó fuerza a su poesía. No obstante, se advierte en sus últimos poemas un feliz regreso a sus orígenes, al poeta vagabundo, a su admirable Juancito Caminador, aquel que dijo: "Traigo la palabra y el sueño, la realidad y el juego de lo inconsciente, lo cual quiere decir que yo trabajo con toda la realidad."

Además de su labor poética, Raúl González Tuñón escribió varias obras de teatro: El descosido, La cueva caliente y, en colaboración con el poeta Nicolás Olivari, Dan tres vueltas y se van.

- DELACROIX -

2011-08-14T13:44:00.000-03:00

Eugène Delacroix

(1798-1863)

Aniversario de su fallecimiento

Delacroix fue un artista de gran éxito en su época, guardando aún su obra alguna reminiscencia del Clasicismo a la vez que del Romanticismo más claro. Siendo un supuesto hijo de Talleyrand, estudio también con Guérin, especializándose en 1815 en cuadros de grandes dimensiones. Conoció a Géricault en 1817, quien influirá en su pintura.

Delacroix estudió a los grandes maestros del Barroco en el Louvre, interesándose por los grandes artistas venecianos y por Rubens y Rembrandt También conoce la producción contemporánea, especialmente la de los ingleses Bonington y Constable, y la obra de pintores próximos como Wappers, y le influyen Turner y los retratistas ingleses, de Reynolds a Lawrence.

En 1825 viajó a Inglaterra, yendo en 1832 a Marruecos, donde se pone en contacto con el colorismo, la sensualidad y la luz de la pintura norteafricana. En 1833 recibe la protección del primer ministro Thiers. En 1847 visita a Corot, pintor realista, a quien admirará, pero seguirá pintando grandes encargos decoraciones y no obras realistas. En estos momentos también le influirá notablemente Poussin.

Delacroix escribió un diario, en el que se presentan vínculos con el Impresionismo "las sombras de un objeto son del color complementario a éste".

Entre sus obras, se destacó "La Libertad guiando al pueblo" (1830)

- LETRAS -

2011-08-14T13:40:00.004-03:00

ACADEMIA ARGENTINA DE LETRAS

80 años

La Academia Argentina de Letras fue creada por decreto el 13 de agosto de 1931. Desde su comienzo mantiene estrechos vínculos con la Real Academia Española en carácter de Correspondiente. También con las demás Academias Hispanoamericanas, la Academia Norteamericana de la Lengua Española y la Filipina, y con la Asociación de Academias de la Lengua Española, con sede en Madrid.

De acuerdo con el Decreto de creación y el Estatuto aprobado, la Corporación tiene por fines:

1. Contribuir a los estudios lingüísticos y literarios; conservar y acrecentar el tesoro del idioma y de las formas vivientes de nuestra cultura.

2. Estimular los múltiples aspectos de la creación literaria, como elementos esenciales de la cultura argentina.

3. Velar por el uso correcto y pertinente de la lengua, interviniendo por sí o asesorando a las autoridades nacionales, provinciales, municipales o a los particulares que lo soliciten.

4. Fomentar y estimular la labor intelectual.
La Corporación está constituida por veinticuatro académicos titulares. Para ser elegido académico de número se requiere: a) Ser argentino; b) Haberse distinguido especialmente en el cultivo de las letras o en estudios relacionados con nuestro idioma.

Giorgia López Lo Celsos académicos de número tendrán su residencia habitual en la ciudad de Buenos Aires o en sus alrededores. La Corporación cuenta también con académicos correspondientes en el país y en el extranjero, quienes deben reunir las mismas condiciones de los titulares, excepto las de nacionalidad y residencia en la Capital Federal. Podrán designarse también académicos honorarios.

La Academia edita publicaciones que se distribuyen en distintas series. Posee una Biblioteca especializada que se ha visto beneficiada con importantes donaciones.

- TV -

2011-08-14T13:40:00.001-03:00

Feliz día del trabajador de TV

12 de agosto

En la nochebuena de 1252, Santa Clara, imposibilitada de participar de forma presencial, asistió espiritualmente a la Celebración de la Eucaristía que los franciscanos celebraban a varios kilómetros de distancia, sin necesidad de salir de su lecho.

Tuvo una visión en la pared de su cuarto en donde se presentaba la liturgia tal cual se dio en aquella noche. Por esta razón es aclamada como protectora de la televisión.

Felicidad a los que la hacen de verdad con el corazón!!!!

- SANMARTINIANO -

2011-08-14T13:36:00.001-03:00

Inauguración del Instituto Sanmartiniano

11 de Agosto de 1946

El Instituto Sanmartiniano, sito en la intersección de las calles Mariscal Castilla y Alejandro Aguado de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires, no es una réplica de la residencia que tuvo el General San Martín en Boulogne-sur-Mer, sino de la casa que habitó a siete kilómetros de París, en la localidad de Grand-Bourg (réplica con leve modificación de escala).

El 25 de abril de 1834, San Martín adquirió la casa de Grand-Bourg gracias a la ayuda económica de su amigo y antiguo compañero de armas, Alejandro María de Aguado.
Aguado estaba radicado en Francia. Era un acaudalado banquero, mecenas artístico y había sido consejero económico del rey Fernando VII hasta la muerte del rey en 1833. Se desempeñaba como intendente de la comuna de Evry, en la que estaba comprendido el predio de Grand-Bourg. Allí residía en el castillo Petit-Bourg.

Por causalidad, y no por casualidad, Grand-Bourg le dio nombre a la plaza ubicada frente al Instituto Sanmartiniano y la calle lateral recuerda a Aguado, quien facilitó que San Martín adquiriera esta casa. Y fue en esta casa cerca de París donde pudo vivir con su hija Merceditas ya casada con Balcarce y donde se criaron sus dos nietas, Mercedes y Josefa (hecho que recuerda el monumento frente al Instituto Sanmartiniano).

A fines de 1824, San Martín había fijado su residencia en Bruselas, Bélgica, donde hoy se encuentra en Parque de Woluwe-St-Lambert, colocando a su hija en un pensionado de señoritas. Allí estuvo hasta 1830 en que San Martín abandonó Bruselas y se trasladó a París.
Su situación económica era muy difícil, subsistía gracias a las rentas exiguas de su finca mendocina y de una casa porteña. La pensión que le asignara por decreto el gobierno peruano ya no se le pagaba y los gobiernos de Chile y de Argentina tampoco lo ayudaban en el exilio.

Al regresar a Francia en 1830, el reencuentro con Aguado fue de providencial ayuda económica. San Martín escribiría más tarde en sus cartas: “Me puso a cubierto de tal indigencia. A él debo, no solo mi existencia, sino el no haber muerto en un hospital”. Así adquirió su finca en Grand-Bourg. Un año después, compró también una casa en París, en la Rue Neuve Saint-Georges. Pasaba en la capital temporadas muy breves; la mayor parte del año permanecía en su finca de campo, junto al Sena, vecino de Aguado, a quien visitaba con frecuencia.

La casa tenía un piso bajo y dos altos: en planta baja se ubicaba el salón, el comedor y la cocina; en el primer piso cinco habitaciones y otras tres en el segundo. El techo era de pizarra. La rodeaba un vasto parque: una huerta con árboles frutales, un invernáculo y un jardín que él mismo cuidaba.
Los disturbios revolucionarios de 1848 hicieron que San Martín se mudara nuevamente. Las barricadas de los obreros en las calles parisienses, las fogatas y las ejecuciones le parecieron un espectáculo deplorable. Se dirigía a Londres, pero prefirió quedarse en Boulogne-sur-Mer con la esperanza de regresar a París cuando todo se calmara.

Llegó a Boulogne-sur-Mer, ciudad medieval levantada sobre el Canal de la Mancha, en marzo de 1848. Vivió en su casa burguesa de Grand Rue 113, cerca de la “ciudad vieja” (casco antiguo de Boulogne-sur-Mer). En tiempos de San Martín, esta calle se llamaba Víctor Hugo, detalle que le fascinaba porque admiraba al escritor. Dos banderas, una de Francia y otra de Argentina y una placa en el frente identifican hoy la casa. Alquiló dos pisos, el segundo y el tercero. El propietario se llamaba Adolfo Gerard. Fue escritor y periodista y se hizo muy amigo del General. Allí vivió hasta el día de su muerte, el 17 de agosto de 1850. Estuvo enterrado en esta ciudad hasta 1861. A Buenos Aires recién llegó en 1880.

La casa de San Martín hoy es propiedad de la Nación Argentina y está custodiada por militares argentinos. En muy buen estado, cobija placas, banderas y banderines distribuidos hasta en el patio. Casi todo lo que se presenta como mobiliario u objetos íntimos de San Martín son réplicas. Una escalera ancha y suntuosa de madera comunica con los pisos de arriba. El dormitorio de San Martín (reproducido en nuestro Museo Histórico Nacional, en Parque Lezama) es austero y desde la ventana se ven serranías y hacia el este, el mar.

En la costanera (calle Saint Beuve), cerca del puerto, se levanta el monumento a San Martín, escultura ecuestre inaugurada el 24 de octubre de 1909 ante la presencia de granaderos transportados por la fragata Sarmiento.
Boulogne-sur-Mer fue una base importante de los alemanes en la Segunda Guerra Mundial. El 15 de junio de 1944 los aliados bombardearon destruyendo la ciudad.

- FUERZA AEREA -

2011-08-14T13:35:00.000-03:00

Día de la Fuerza Aérea Argentina

Aunque inmediatamente la fecha remita al nombre de Jorge Newbery, en realidad el interés por remontar los aires proviene de tiempos más profundos en la historia. Se cuenta hacia 1810, un relojero de origen holandés llamado Miguel de Colombisse se dirigió a la Primera Junta de Gobierno solicitando la cantidad de 4.000 pesos para construir un vehículo aerostático impulsado por y remos y dirigido por un timón. Las urgencias de la Guerra de la Independencia hicieron que Buenos Aires denegara el pedido, lógicamente.

Fueron los globos de aire caliente los aparatos más utilizados y más “comunes”, que pasearon por los cielos de las ciudades desde el siglo XIX. Nombres como el del francés Lartet o el norteamericano Wells así lo registran, en tiempos en que montarse arriba de uno de esos inventos era casi una locura.

Hacia 1866, durante la Guerra de la Triple Alianza, un 6 de julio más precisamente, un aeróstato cautivo del Ejército Brasileño, se elevó sobre las líneas aliadas para observar las posiciones de la artillería paraguaya, llevando a bordo al Ingeniero polaco Roberto A. Chodasiewiecz (incorporado al Ejército argentino con el grado de Capitán) que se constituyó así en el primer militar argentino y latinoamericano en elevarse en globo.

Ya iniciado el 1900, un joven diplomático, Aarón de Anchorena, trajo un globo esférico de 1.200 metros cúbicos que había comprado en Francia al que bautizó con el criollo nombre de “Pampero”. Invitó para la primera ascensión a un amigo suyo, el ingeniero Jorge A. Newbery, quien había sido alumno nada menos que de Thomas Alva Edison.

El 25 de diciembre de 1907 el “Pampero” despegó desde el predio de la Sociedad Sportiva Argentina (hoy Campo de Polo) para descender en la ribera uruguaya.

El entusiasmo generado por al proeza llevó a que el 13 de enero de 1908 se creara el Aero Club Argentino, primera entidad aérea del país. Sus autoridades Aarón de Anchorena (Presidente), Arturo Luisoni (vicepresidente) y Jorge Newbery (vicepresidente segundo) unieron a todos los entusiastas del “más liviano que el aire”, entre otros Eduardo Newbery, Horacio Anasagasti, Alberto Mascias, Antonio de Marchi y Carlos Hirmscher.

En la jornada del 17 de octubre de 1908, el Dr. Eduardo Newbery y el Sargento Eduardo Romero, se izaron en el “Pampero”. Un cambio en la dirección del viento arrastró probablemente hacia el Río el globo sin que nunca más se volviera a saber de sus tripulantes. Fueron los primeros muertos que se cobraba la naciente actividad aeronáutica.

El entusiasmo no decayó y se buscó traer aparatos “más pesados que el aire”. El aviador francés Henri Brégi trajo dos biplanos Voisin de 50 caballos de fuerza y una semana más tarde Ricardo Ponzelli se trasladó a Campo de Mayo y realizó su vuelo inicial, pero al llegar a 200 metros del recorrido el viento le hizo perder estabilidad y el avión cayó rompiendo un ala.

El aero Club Argentino volcó todas sus fuerzas en pos del vuelo con motor, trajo máquinas e instructores que impartieron sus conocimientos a Newbery, Carlos Goffre, Florencio Parravicini, Hermán Hentsch y Carlos Roth, quienes recibieron sus brevets de aviador en junio del año del Centenario.

El 10 de agosto de 1912, el Presidente de la Nación Doctor Roque Saénz Peña firmó el decreto por el que se creaba la Escuela de Aviación Militar, gracias al extraordinario aporte del Aero Club Argentino que brindaba gratuitamente su parque aerostático, asesoramiento y profesores. El lugar donde habría de instalarse el nuevo instituto llevaba el nombre de El Palomar.

Jorge Newbery, entre tanto, seguía su intensa labor batiendo records y sumando experiencia con intenciones de realizar su gran sueño, el cruce aéreo de la Cordillera de los Andes. El 1 de marzo de 1914, encontrándose en Mendoza aceptó realizar una demostración. Se elevó sin sobresaltos, pero tras realizar unas maniobras arriesgadas el avión no respondió a sus mandos y se precipitó a tierra. Moría así el fundador de la Aeronáutica argentina.

En 1927 ante la importancia adquirida por la Aviación Militar, un decreto del Poder Ejecutivo creaba la Dirección General de Aeronáutica con la categoría de Gran Repartición. Ese mismo año se crea en Córdoba la Fábrica militar de Aviones, ya que si bien se fabricaban aviones desde los inicios de la aviación en nuestro país. Los éxitos se sucedieron a lo largo de los años con el Pulqui I, Pulqui II, Pucará y Pampa.

En esa Fábrica Militar trabajará nada menos que Kurt Tank (alemán) el famoso constructor de los cazas a reacción de la Segunda Guerra Mundial.

Entre los hitos de la Fuerza Aérea Argentina se cuenta el haber unido en el año 1971 Buenos Aires con la Base Antártica Vicecomodoro Marambio con un Hércules C-130. Y el 4 de diciembre de 1973 se realiza el primer vuelo transpolar bicontinental, uniendo el continente americano con Oceanía.

Pero fue sin duda durante el conflicto bélico de Malvinas donde la Fuerza Aérea recibe el Bautismo de Fuego; más precisamente el día 1º de mayo, realizando operaciones que causaron la admiración del mundo por su audacia y las condiciones adversas a las que debieron sobreponerse.

Cincuenta y cinco hombres de la Fuerza Aérea ofrendaron sus vidas y marcaron indeleblemente el camino de la Soberanía Nacional en los cielos de la Patria.

- SAENZ PEÑA -

2011-08-08T20:40:00.002-03:00

Muere Roque Sáenz Peña

9 de Agosto de 1914

Abogado de profesión, militó inicialmente en las filas del alsinismo porteño y en sus juventud llegó a ocupar una banca en la Legislatura de la Provincia de Buenos Aires.

Nacido en la Ciudad de Buenos Aires en 1851 e hijo de Luis Sáenz Peña, también presidente argentino, luego de sus primeras experiencias políticas, se desempeñará en diversas funciones públicas y diplomáticas. Justamente, en cumplimiento de una de ellas, es que lo sorprenderá en Italia su elección como candidato para la primera magistratura del país, cargo que asumirá el 12 de octubre de 1910.

En ejercicio de la presidencia será recordada la sanción de la Ley Nº 8871 en 1912, llamada usualmente “Ley Sáenz Peña”, que estableció el voto secreto, universal masculino y obligatorio. Esta nueva ley permitirá al radical Hipólito Yrigoyen ser elegido presidente en 1916. Sáenz Peña debió declinar la presidencia en su vice, Victorino de la Plaza, y falleció en el año 1914.

- PELLI -

2011-08-08T20:40:00.001-03:00

César Pelli

Un arquitecto con mayúsculas

César Pelli nace un 12 de octubre de 1926 en la provincia de Tucumán.
Estudió arquitectura y se graduó en la Universidad Nacional de Tucumán. Posteriormente comenzó a trabajar en su país, hasta que en 1952 se trasladó a los Estados Unidos, donde finalmente se nacionalizó estadounidense. Vive en New Haven, Connecticut.

Pelli fue socio del despacho de Eero Saarinen y posteriormente de Gruen Associates. En 1977 fundó su propio despacho, César Pelli and Associates. Fue decano de la Facultad de Arquitectura de la Universidad de Yale entre 1977 y 1984. Ha sido distinguido con la medalla de oro del The American Institute of Architects (AIA) (Instituto Estadounidense de Arquitectos).

Su obra más famosa la constituyen las Torres Gemelas Petronas, en Kuala Lumpur, que desde 1998 y hasta mediados de 2003 fueron los edificios más altos del mundo. Se destaca una búsqueda de elegancia y sobriedad en las líneas, y el intento de crear una imagen al mismo tiempo moderna y arcaiante.

Tiene en construcción el Campus de la Universidad Empresarial Siglo 21, al norte de la ciudad capital de Cordoba. En el 2006 recibe el Premio a la Vida y Obra, galardón otorgado por el Premio Obras Cemex.
En 2006, es el líder del proyecto Costanera Center, el que será el edificio más grande de Sudamérica1 y el edificio comercial más grande de América Latina, construyéndose en Santiago, Chile.

En 2007 se iba a levantar su proyecto del Centro Municipal Distrito Sudoeste, CMDSO, en Rosario (Argentina) donde antiguamente estaban las instalaciones de la fábrica Acindar.

En Madrid se llevó a cabo la construcción de otro diseño suyo: La Torre de Cristal, uno de los cuatro rascacielos que se levantaron en el complejo empresarial Cuatro Torres Business Area. Tiene una altura de 249 metros sobre rasante, convirtiéndose en el segundo edificio más alto de España y su construcción acabó en el año 2007.

Además, César Pelli está haciéndose cargo de la construcción de la Torre Iberdrola en Bilbao, que será el edificio más alto de Vizcaya. También ha diseñado el proyecto de la Torre Cajasol (Sevilla), un rascacielos de 178 metros y 43 plantas cuya construcción avanza a buen ritmo tras comenzar con notable retraso.

Obras principales

• Torres Petronas, 1997-1998 (Kuala Lumpur)
• Centro de Artes Dramáticas de Ohio (Cincinnati)
• Edificio corporaivo de NTT (Tokio)
• St. Regis Hotel & Residences, (Ciudad de México)
• Edificio del Banco República,2 1996 (Buenos Aires)
• Museo de Arte Loeb, Universidad Vassar (Nueva York)
• Torres Gemelas de Polanco, (Ciudad de México)
• Centro de Artes Dramáticas (Charlotte)
• Cheung Kong Center Tower (Hong Kong)
• Torre en Canary Wharf, 1996 (Londres)
• Museo Mattatuck de Waterbury (Connecticut)
• Edificio Herring, Universidad Rice (Houston)
• World Financial Center (Nueva York)
• Torre residencial, Museo de Arte Moderno (Nueva York)
• Embajada de EE.UU. (Tokio)
• Centro de Diseño del Pacífico (Los Ángeles)
• Torre BankBoston 2001 (Buenos Aires)
• International Finance Center, 1997-2003 (Hong Kong)
• Cira Center . ([Filadelfia)] EEUU .
• Ayuntamiento de San Bernardino (California)
• Viviendas de Kukai Gardens (Honolulu)
• Laboratorios COMSAT (Clarksburg, Maryland)
• Centro postal Worldway (Los Ángeles)
• Adrianne Arsht Center of the Performing Arts (ex-Carnival Center) Miami, 2006
• Torre de Cristal (Madrid), 2008
• Torre Repsol-YPF, 2005-2009 (Buenos Aires)
• Costanera Center, en construcción, 2006 (Santiago de Chile)
• Centro Cultural Universitario, en construcción, 2006 (Guadalajara, México)
• Torre Iberdrola, en construcción, 2007-2011 (Bilbao)
• Torre Cajasol, en construcción, 2007-2013 (Sevilla)
• CityCenter; ARIA Resort & Casino (Las Vegas) Estados Unidos
• Centro Overture para las Artes (Madison - Wisconsin) Estados Unidos

- MERCURY -

2011-08-08T20:35:00.000-03:00

Freddie Mercury

Un referente mundial del Opera Rock

(Zanzíbar, 1946 - Londres, 1991) Vocalista, músico y compositor que fue conocido a escala internacional como líder de la banda de rock británica Queen, pero que también desarrolló una trayectoria paralela en solitario de innegable éxito.

Ni su verdadero nombre fue Freddie Mercury, ni llegó al mundo en el Reino Unido, el país que le vio triunfar. Se llamaba Farookh Bulsara y nació el 5 de septiembre de 1946 en la isla de Zanzíbar (Tanzania), situada en la costa este de África y famosa por su producción de especias. Figura provocadora, versátil y carismática como pocas, su fallecimiento el 24 de noviembre de 1991 conmocionó al mundo de la música.

Farookh era un niño extraordinariamente guapo, tímido y muy apegado a su madre y a su hermana pequeña Kashmira, que había nacido en 1952. Sus padres, Jer y Bomi Bulsara, formaban un matrimonio de origen persa devoto del profeta Zoroastro, y decidieron enviar al niño a la India para que recibiera una buena educación. Allí quedó al cuidado de sus tíos y fue matriculado en la St. Peter's School, institución de enseñanza británica situada en Panchgani, a unas cincuenta millas de Bombay.

Muy interesado por los deportes, el joven Bulsara mostró buenas maneras como boxeador aunque, después de que su madre le animara a colgar los guantes porque resultaba una práctica demasiado violenta, cambió el ring por la mesa de ping pong y a los diez años ya era campeón escolar de la disciplina.

Como también en aquellos años de la infancia comenzó a despertar su afición por la música, siguió clases de piano e ingresó en el coro de la escuela. Convencido de sus tempranas habilidades musicales, fue el propio director del St. Peter's quien recomendó a los padres del joven que iniciara los estudios de piano. Durante este periodo de formación, el inquieto Farookh también empezó a demostrar ciertas aptitudes escénicas y participó en varias obras de teatro colegiales.

Muy pronto puso en pie su primer grupo musical, The Hectics, una banda amateur de rock and roll que prodigaba sus actuaciones en todas las fiestas y bailes del colegio. En esta formación, en la que ocupaba el puesto de pianista, le acompañaban Derrick Branche, Bruce Murray, Farang Irani y Victory Rana. Las primeras influencias musicales de Farookh llegaron de la mística música hindú, de los sonidos clásicos y algo del rock and roll que por entonces se producía en otras partes del planeta. En aquella época, sus amigos del colegio comenzaron a llamarle Freddie, traducción más o menos fiel de Farookh al inglés, y, de hecho, el propio joven firmaba en ocasiones como Frederick.

Regresó a Zanzíbar en 1962 junto a su familia, pero un par de años después, los Bulsara decidieron emigrar al Reino Unido, para huir del estallido de violencia que sufría la isla. Curiosamente, Freddie jamás volvería a su tierra natal, ni tampoco a la India; una nueva etapa de su vida comenzaba entonces en una casa de Feltham (Middlesex), cerca de Londres.

Ingresó en el Isleworth Polythecnic y, durante las vacaciones, se empleaba en trabajos eventuales para ganar un dinero extra. Hacia 1966, Freddie era un alumno de la Ealing Art School, que estudiaba para convertirse en diseñador gráfico, aunque su interés por la música no había desaparecido. Abandonó su casa y alquiló un piso en Kensington junto a un compañero llamado Chris Smith.

Por entonces también trabó muy buena amistad con Tim Staffell, otro amigo de la Ealing que formaba parte de un grupo llamado Smile, en el que tocaban Brian May y Roger Taylor. Freddie se convirtió en seguidor y fan número uno de la banda. En 1969, dejó la escuela con su diploma en artes gráficas y diseño en el bolsillo y comenzó a compartir piso con Roger, con quien acudía a un puesto del mercadillo de Kensington para vender ropa y pinturas.

En el verano de ese mismo año, Freddie empezó a cantar en un grupo de Liverpool llamado Ibex, que se había trasladado a Londres buscando fama y éxito, pero que tuvo una efímera y complicada existencia. El 23 de agosto de 1969, Freddie debutó en público junto al trío formado por Mike Bersin, John Tupp Taylor y Mick Miffer Smith. Un mes más tarde, el grupo cambió de batería y de nombre. Miffer abandonó la formación y dejó su sitio a Richard Thompson, ex componente de 1984, la banda de Brian May.

Después de esta experiencia fallida, Freddie lo intentó en otra banda llamada Sour Milk Sea, con la que contactó gracias a un anuncio del Melody Maker en el que buscaban un vocalista. A finales de 1969, Freddie era el vocalista del grupo, en el que también estaban Chris Cheney y Jeremy Rubber Gallop a la guitarra, el bajista Paul Milan y el batería Rob Tyrell. Pero esta prometedora aventura tan sólo duró unos meses porque, en abril de 1970, Smile volvió a cruzarse en su trayectoria. Su viejo amigo Tim Staffell había decidido abandonar la formación y Roger y Brian le pidieron que fuera el vocalista del grupo.

Freddie insistió en renombrar a la banda y suya fue la idea de bautizarla como Queen. Al mismo tiempo, cambió su apellido artístico y se convirtió desde ese momento en Freddie Mercury. Tras las innovaciones, el trío probó con varios bajistas hasta que en 1971 se incorporó a la formación un personaje tranquilo y sosegado, John Deacon.

El logotipo, otra de las señas de identidad de Queen, fue también una creación del vocalista, que dejó patentes sus dotes como imaginativo diseñador. La imagen presentaba los cuatro signos del zodíaco de los miembros de la banda (dos leones por Roger y John, los dos leos del grupo, el cangrejo por el signo cáncer de Brian May y las ninfas que identificaban el signo virgo de Freddie) alrededor de una gigantesca Q y, sobre todo ello, el ave fénix, que saludaba el nacimiento del grupo de las cenizas de otras formaciones. También desde el primer momento fue Freddie el impulsor de la imagen visual de la formación, con su personalísima puesta en escena y su inconfundible vestuario. El resto pertenece a la historia de Queen.

Un hecho importante en la vida privada de Mercury tuvo lugar en 1970; fue entonces cuando conoció a Mary Austin, con quien convivió durante siete años y con quien conservaría una buena amistad hasta el momento de su muerte. Curiosamente, antes de que Queen editara su primer disco, Freddie lanzó en solitario un tema llamado I can hear music, bajo el nombre de Larry Lurex.

Casi una década después, cuando ya había paladeado las mieles del éxito con Queen, Mercury hizo realidad otro de sus sueños. Siempre había sido un apasionado de la danza y el 7 de octubre de 1979 actuó con el Royal Ballet, para interpretar y bailar Bohemian Rhapsody y Crazy little thing called love.

La vida de excesos derivada de la fama y el éxito fue una leyenda que acompañó inevitablemente a Freddie Mercury y sus fiestas fueron siempre sonadas, pero también se reconoció al músico por ser un gran amigo de sus amigos. Hacia finales de los setenta rompió su relación sentimental con Mary Austin y comenzaron a surgir rumores sobre su cambio de orientación sexual. Los comentarios arreciaban apoyados por el cambio radical de imagen que mostró el músico hacia 1980. Cortó al mínimo su larga cabellera y se dejó crecer un gran bigote, imitando la estética gay muy de moda en los bares de San Francisco y que fielmente habían reflejado los famosos Village People.

A finales de 1982, Queen hizo un paréntesis en su carrera y dio libertad a los miembros de la banda para que pusieran en marcha sus respectivos proyectos paralelos. Mercury alquiló los estudios Musicland de Munich y, junto al productor Mack, entró en ellos para grabar su primer álbum en solitario. Durante este período, conoció también a toda una leyenda en el mundo de la producción musical, el gran Giorgio Moroder, padre del "electro disco".

En aquellos días, Moroder trabajaba en la banda sonora de la versión restaurada de Metrópolis, película mítica dirigida por Fritz Lang, y le pidió a Freddie que colaborara en un tema; el resultado fue Love kills, compuesta por ambos e interpretada por Mercury. El single, el primero firmado en solitario como Freddie Mercury, salió al mercado el 10 de septiembre de 1984, logró un éxito importante y le sirvió como trampolín para su siguiente trabajo.

Pocos meses antes del lanzamiento del single se había producido otro encuentro casual en la vida de Mercury que derivaría, en el futuro, en una sorprendente colaboración musical. En el mes de mayo de 1983 asistió al Royal Opera House de Londres para ver una representación de Un ballo di maschera, del compositor italiano Giuseppe Verdi, y cuentan que quedó cautivado por la belleza de la voz de la diva catalana Monserrat Caballé.

El 9 de abril de 1985 llegó a las tiendas el adelanto de su primer disco de larga duración, el sencillo I was born to love you, y, tres semanas más tarde, se presentó el álbum Mr. Bad Guy, ambos editados por CBS Records. Los resultados comerciales fueron excelentes y el 13 de julio de ese mismo año los muchos seguidores de Mercury pudieron contemplar su memorable actuación durante el concierto Live Aid en el estadio de Wembley.

A comienzos de 1987, Freddie entró en los estudios Townhouse de Londres para grabar algunas canciones. De esas sesiones nació el remake de The great pretender, un gran tema que The Platters había popularizado años atrás. A la venta desde el 23 de febrero de ese año, el trabajo se anotó un nuevo éxito en la ya larga lista del triunfante músico.

Un mes después, Mercury voló a Barcelona para conocer personalmente a aquella diva del bel canto que le cautivó años atrás. Monserrat Caballé recibió con agrado una casete con algunos temas del polifacético Mercury e incluso llegó a interpretar uno de ellos en el Covent Garden londinense. Un mes más tarde, comenzaron a trabajar en la edición de su disco conjunto, y a finales de mayo, ambos cantaron en directo el tema Barcelona en la discoteca Ku de Ibiza. El 8 de octubre de 1988 repitieron actuación en el festival La Nit de la Ciudad Condal, excelente presentación para el álbum Barcelona que se editó dos días después.

Aquélla fue la última actuación en directo de Freddie Mercury. Aun sin anunciar la enfermedad, el deterioro de su estado físico era cada vez más evidente y Mercury se recluyó en su casa de Kensington, espaciando cada vez más sus apariciones. Ocultó su tragedia incluso a sus propios compañeros de grupo y tan sólo un día antes de su muerte anunció públicamente que desde 1986 padecía SIDA.

Murió en su cama a las siete de una fría tarde del día 24 de noviembre de 1991 como consecuencia de una neumonía que no pudo superar. Con tan sólo cuarenta y cinco años, el gran Freddie Mercury dijo adiós a la vida que tan intensamente había disfrutado y fue enterrado en una ceremonia íntima, conforme al rito Zoroastro.

La muerte de Mercury conmocionó el panorama mundial de la música y los homenajes se sucedieron uno tras otro. El 20 de abril de 1992 se celebró uno de los más emotivos en el Wembley Arena de Londres. Estrellas del firmamento pop y rock, como Elton John, Guns N' Roses, Seal, Metallica, David Bowie, Robert Plant, Roger Daltrey, George Michael y Liza Minnelli, se reunieron para rendir un cálido tributo al cantante desaparecido.

No obstante, sus seguidores recibieron el mejor regalo póstumo con la edición del Made in heaven de Queen, trabajo en el que pudieron escuchar las últimas canciones que Freddie compuso antes de morir. También en 1992 se editó The great pretender, un álbum en el que se mezclaba material de Mr. Bad Guy con algún tema inédito y alguna rareza de su discografía. En el año 2000 se desveló la intención de editar una mastodóntica recopilación de diez discos compactos, cuyo anticipo fue el triple Freedie Mercury Solo.

En septiembre de 2006, coincidiendo con el que sería el 60º cumpleaños del cantante, se llevaron a cabo varios homenajes, entre ellos una recopilación realizada por la discográfica EMI que, con el título de The very best of Freddie Mercury, hizo un repaso por la mejores canciones originales de Mercury, así como un segundo CD con rarezas y remezclas hechas por otros artistas.

- VACCAREZZA -

2011-08-08T20:32:00.002-03:00

Alberto Vaccarezza

Máximo exponente del sainete porteño

Alberto Vaccarezza, de nombre completo Bartolomé Ángel Venancio Alberto Vaccarezza, nació en el barrio de Villa Crespo, en Buenos Aires, un 1 de abril de 1886 y falleció en el mismo, un 6 de agosto de 1959. Dramaturgo, letrista de tango y poeta argentino.

Amigo y colaborador de Carlos Gardel, despidió sus restos en el Cementerio de la Chacarita. Fue presidente de Argentores (Sociedad General de Autores) y de la Casa del Teatro. Fue el creador del sainete en la Argentina. Un tipo de obra teatral, generalmente calificada como "género chico".

Su obra representa describe los tiempos en que las corrientes inmigratorias hacia la Argentina llevaban a la mayoría de los recién llegados a vivir en hacinamiento.

Fue autor de numerosas letras de tango, zambas, estilos y ritmos afines.

Carlos Gardel le grabó 13 temas: "La copa del olvido" (con música de Enrique Pedro Delfino, en 1921), "Otario que andás penando" (también con Delfino, en 1932), "Adiós para siempre" (con Antonio Scatasso, 1925), "Adiós que te vaya bien (con Delfino, 1924), "Araca corazón" (Delfino, 1927), "Eche otra caña pulpero" (Delfino, 1923), "El carrerito" (con Raúl de los Hoyos, 1928), "El poncho del amor" (Scatasso, 1927), "Francesita" (Delfino, 1924), "No le digas que la quiero" (Delfino, 1924), "No me tires con la tapa de la olla" (Scatasso, 1926, a partir del tango primitivo del mismo título), "Padre nuestro" (Delfino, 1923), "Talán talán" (Delfino, 1924).

Otros intérpretes le cantaron "La canción" y "Botines viejos" (ambos con Juan de Dios Filiberto) y también "Atorrante", "Calle Corrientes", "Julián Navarro" (con Francisco Canaro), "Pobre gringo" (junto con Juan Caruso y música de Antonio Scatasso), "Muchachita porteña" (con Mariano Mores), entre muchos otros.

Fue hombre de radio, tanto como charlista breve y autor de cantidad de guiones para propuestas de diverso tipo. Escribió poemas sencillos, que recitaba por la radio y que fueron editados en libros, como por ejemplo: "La Biblia gaucha", "Dijo Martín Fierro" y "Cantos de la vida y de la tierra".

También desarrolló una intensa actividad gremial, tanto en ARGENTORES (Sociedad argentina de autores), como en "La casa del Teatro". Fue de los primeros en luchar para conseguir el aporte de los propietarios de las salas teatrales.

- ARLT -

2011-08-08T20:31:00.000-03:00

‎5 de Agosto de 1928

Las Aguafuertes de Roberto Arlt

Este día aparecen por primera vez en el diario “El Mundo” las "Aguafuertes", una columna costumbrista en la que el escritor ensayaba sobre temas y personajes de Buenos Aires. Este espacio le dio popularidad a Arlt, que por entonces se dedicaba a la sección policiales del matutino y su nombre había comenzado a conocerse en los circuitos literarios a partir de la edición de la novela “El juguete rabioso” (1926).

Hijo de inmigrantes europeos, Arlt nació el 2 de abril de 1900 en Buenos Aires y vivió su infancia en el barrio de Flores. Junto a su vocación periodística y literaria, Arlt intentó durante muchos años transformarse en un inventor, aunque sus esfuerzos resultaron infructuosos. Obras como “Los siete locos”, “Los lanzallamas” y “El amor brujo” están consideradas capitales para la literatura argentina del siglo XX. En la plenitud de su producción, murió en Buenos Aires en 1942.

- HUDSON -

2011-08-08T20:24:00.002-03:00

Guillermo Enrique Hudson

(1841-1922)

Nació en Quilmes, un día como hoy, 4 de agosto de 1841 y creció en el campo argentino, que recorrió en su juventud, observando detenidamente la naturaleza y a las aves en especial. Luego emigró a Inglaterra donde, sin abandonar su afición por la vida silvestre, emprendió una carrera literaria que lo colocó entre los mayores escritores de lengua inglesa de su tiempo.

Hijo de padres norteamericanos, descendientes a su vez de ingleses, Hudson nació en Quilmes, Buenos Aires, en 1841. En las múltiples recorridas que hizo desde muy chico (primero, por los campos paternos, luego a caballo por la Provincia de Buenos Aires y finalmente por diversos lugares de la Argentina y el Uruguay) se interesó por sus habitantes, costumbres, historias, estado social, clima, topografía, vegetación y especies animales, sobre todo por las aves.

En estos viajes de observación recogía muestras de diferentes especies animales y tomaba minuciosas notas que luego serían las bases de algunos de sus trabajos, todos ellos escritos en inglés.

Cuando tenía veinticuatro años se contactó por carta -gracias a Germán Burmeister, entonces director del Museo de Ciencias Naturales de Buenos Aires- con los ornitólogos (especialistas en aves) Spencer Fullerton Baird -estadounidense- y Philip Lutley Sclater -secretario de la Zoological Society de Londres- y al poco tiempo comenzó a remitir parte de sus colecciones al Instituto Smithsoniano de Washington: lo enviado sumó un total de más de seiscientas pieles, correspondientes a ciento cuarenta y tres variedades autóctonas que desde allí fueron transferidas a la Zoological Society de Inglaterra. Esta institución registró en sus libros de actas tales envíos durante los años 1868 y 1869. Dos de aquellas especies fueron bautizadas con el nombre de su descubridor: Granioleuca hudsoni y Cnipolegus hudsoni.

Años más tarde, Hudson conocería -también por intermedio de Burmeister- a Francisco Moreno, quien llegaría a ser un gran paleontólogo y geógrafo.

Más allá de estos vínculos, Hudson no tuvo una relación continua con el mundo académico. No fue un científico de formación erudita; su obra se basó, sobre todo, en lo que pudo observar directamente alrededor suyo para extraer luego notables conclusiones.

Tras haber analizado las costumbres de las aves patagónicas en el valle del Río Negro y de los churrinches y golondrinas en Buenos Aires, Hudson se ocupó de otras importantes especies ornitológicas y así nació su trabajo On the pipits of the Argentine Republic, uno de sus últimos trabajos realizados en Argentina. No están claros los motivos por los cuales en 1874, ya muertos sus padres, Hudson se embarcó hacia Inglaterra para no volver a su país natal. Pero la Argentina aparecerá en muchas de sus obras publicadas en Inglaterra.

Considerado por algunos un precursor de la moderna ecología, Hudson ingresó en 1891 a la recién creada Sociedad Protectora de Pájaros, destinada a unificar los esfuerzos realizados anteriormente para combatir la matanza de garzas, aves del paraíso y otras especies, cuyo plumaje se utilizaba para adornar vestidos.

Entre sus trabajos de orden científico pueden enumerarse: Argentine Ornithology, Aves Británicas y El naturalista en el Plata, etc.

Su producción editorial se diversificó en los años siguientes y los temas científicos (naturalismo relativo a Argentina e Inglaterra) se alternarán con los autobiográficos, la ficción y los poemas, todo con gran éxito, colocándolo entre los mejores escritores de su tiempo. Hudson murió en Inglaterra en 1922.

Entre sus obras más importantes pueden nombrarse Allá lejos y hace tiempo, su autobiografía; La tierra purpúrea que Inglaterra perdió, novela cuyo titulo que hace referencia a Uruguay; Días de ocio en la Patagonia, relato de su viaje al valle de Río Negro y La selva maravillosa, su novela más famosa.

- CELEDONIO -

2011-08-02T21:30:00.001-03:00

Celedonio Flores

Celedonio Esteban Flores (Buenos Aires, 3 de agosto de 1896 - † 28 de julio de 1947), conocido artísticamente como Celedonio Flores fue un poeta y letrista argentino.

Celedonio Flores nació en la ciudad de Buenos Aires, en el barrio de Villa Crespo, habitado mayoritariamente por criollos e inmigrantes de diferentes orígenes. En ese activo foco de cultura popular transcurrió su infancia y su adolescencia, convirtiéndose en los años 20 en un poeta y letrista de gran popularidad y de hábitos bohemios. En su juventud también fue boxeador.

Sus tangos, muchas veces sentenciosos y moralizantes, con descripciones de sus personajes, recurrían abundantemente al lunfardo, el argot local de la región del Río de la Plata. Su mejor etapa creativa abarcó hasta principios de los años 30.

En 1920 envió al diario Última hora, ya desaparecido, un poema titulado "Por la pinta", recibiendo 5 pesos como retribución. Los versos de dicho poema llamaron la atención de Carlos Gardel y de su compañero de dúo, José Razzano, que le pusieron música, creando el tango "Margot". Éste era una amarga crítica a la muchacha humilde y bonita que se acomoda y pervierte para escapar de su destino de pobreza.

Gardel grabó 21 temas de Celedonio, entre los cuales se encontraba uno de los mayores éxitos de toda su trayectoria: "Mano a mano", tango en el que un varón salda cuentas con la mujer a la que amó y le ofrece su desinteresada ayuda para cuando ella sea "descolado mueble viejo". Entre los otros tangos que grabó destacan "Mala entraña", "El bulín de la calle Ayacucho", Viejo smoking, "Malevito", "Canchero" y "Pan". Este último contiene una descarnada crítica social, frente a la miseria que siguió a la crisis de 1930. Gardel se abstuvo por modestia de grabar uno de los mayores éxitos de Flores, "Corrientes y Esmeralda", referencia a una famosa esquina de Buenos Aires que forman la Avenida Corrientes y la calle Esmeralda, porque la letra aludía a mujeres que soñaban con su pinta.

Por razones comerciales, durante varios años Flores escribió exclusivamente para Rosita Quiroga, una notable cantante de fuerte carácter arrabalero y poco refinada. Con el paso de los años, los tangos de Celedonio comenzaron a formar parte de los repertorios de numerosos cantantes, desde Ignacio Corsini y Alberto Gómez, hasta Edmundo Rivero y Julio Sosa.

Otras letras que aunaron valor y éxito fueron las de "Muchacho", "Viejo coche", "Sentencia" (una canción protesta), "Atenti, pebeta" (tema de corte humorístico), "Pobre gallo bataraz", "Si se salva el pibe" y "Por qué canto así". "La musa mistonga", compuesto por Celedonio y grabado por Rosita Quiroga el 1 de marzo de 1926, fue la primera grabación que utilizó el sistema fonoeléctrico en Argentina.

Cuando murió, llevaba ya cuatro años la imposición de una férrea censura gubernamental sobre las letras de tango, de las que se suprimía todo término lunfardo y cualquier referencia social o moral que no coincidiera con las tesis del gobierno creado a raíz del golpe militar del 4 de junio de 1943. Las letras de las composiciones de Celedonio fueran modificadas tanto que amargaron los últimos años de vida de Celedonio. La censura fue desapareciendo después, pero él no vivió para verlo.

- IMPRENTA -

2011-08-02T21:23:00.001-03:00

‎2 de Agosto de 1780

Primera imprenta de la Ciudad

Comienza a funcionar la primera imprenta de la Ciudad trasladada desde Córdoba. La misma, luego de la expulsión de los jesuitas, había quedado olvidada en el Colegio de Monserrat, entonces, el Virrey Vértiz dispone su traslado a la flamante capital vierreinal a la cual arriba en el año de 1780.

La Real Imprenta de Niños Expósitos, así llamada ya que parte de sus utilidades eran destinadas al mantenimiento de los niños huérfanos, se instaló en la esquina de las actuales Perú y Moreno, entonces San José y San Francisco y luego se trasladó una cuadra hasta Perú y Alsina, San José y San Carlos, donde funcionó hasta el año 1824.

- BELL -

2011-08-02T21:22:00.000-03:00

Alexander Graham Bell

1º de Agosto de 1922

Conmemoración de su fallecimiento

(Edimburgo, Reino Unido, 1847- Beinn Bhreagh, Canadá, 1922) Científico y logopeda estadounidense de orígen escocés, inventor del teléfono. Nacido en el seno de una familia dedicada a la locución y corrección de la pronunciación, Bell fue educado junto a sus hermanos en la tradición profesional familiar. Estudió en la Royal High School de Edimburgo, y asistió a algunas clases en la Universidad de Edimburgo y el University College londinense, pero su formación fue básicamente autodidacta.

En 1864 ocupó la plaza de residente en la Weston House Academy de Elgin, donde desarrolló sus primeros estudios sobre sonido; en 1868 trabajó como asistente de su padre en Londres, ocupando su puesto tras la marcha de éste a América. La repentina muerte de su hermano mayor a causa de la tuberculosis, enfermedad que también había terminado con la vida de su hermano menor, repercutió negativamente tanto en la salud como en el estado de ánimo de Bell.

En estas circunstancias, en 1870 se trasladó a una localidad cercana a Brantford (Canadá) junto al resto de su familia, donde pronto su estado comenzó a mejorar. Un año después se instaló en Boston, donde orientó su actividad a dar a conocer el sistema de aprendizaje para sordos ideado por su padre, recogido en la obra Visible Speech (1866). Los espectaculares resultados de su trabajo pronto le granjearon una bien merecida reputación, recibiendo ofertas para dar diversas conferencias, y en 1873 fue nombrado profesor de fisiología vocal en la Universidad de Boston.

En esta época, con la entusiasta colaboración del joven mecánico Thomas Watson y el patrocinio de los padres de George Sanders y Mabel Hubbard (con quien se acabaría casando el año 1877), dos estudiantes sordos que habían recibido clases de Bell, diseñó un aparato para interconvertir el sonido en impulsos eléctricos. El invento, denominado teléfono, fue inscrito en el registro de patentes estadounidense en 1876.

En un primer momento, el teléfono levantó todo tipo de comentarios irónicos, pero al revelarse como un medio de comunicación a larga distancia viable, provocó controvertidos litigios por la comercialización de la patente. En 1880, recibió el premio Volta. El dinero obtenido con este premio lo invirtió en el desarrollo de un nuevo proyecto, el gramófono, en colaboración con Charles Sumner Tainter, uno de los primeros sistemas de grabación de sonidos conocido.

Tras su muerte, acaecida en 1922, dejó como herencia dieciocho patentes a su nombre y doce más con sus colaboradores.

- LISTZ -

2011-08-02T21:15:00.003-03:00

Franz Liszt

Aniversario de su desaparición

(Raiding, actual Hungría, 1811-Bayreuth, Alemania, 1886)
Compositor y pianista húngaro. Su vida constituye una de las novelas más apasionantes de la historia de la música. Virtuoso sin par, durante toda su trayectoria vital, y sobre todo durante su juventud, se rodeó de una aureola de artista genial, violentamente escindido entre el arrebato místico y el éxtasis demoníaco.

Paradigma del artista romántico, fue un niño prodigio que llegó a provocar el entusiasmo del mismo Beethoven, músico poco dado por naturaleza al elogio. Alumno en Viena de Carl Czerny y Antonio Salieri, sus recitales causaron sensación y motivaron que se trasladara con su padre a París, donde en 1825 dio a conocer la única ópera de su catálogo, Don Sanche, ou Le Château d’amour, fríamente acogida por un público que veía en el pequeño más un prodigioso pianista que un compositor.

En la capital gala conoció a dos de los músicos que habían de ejercer mayor influencia en su formación: el compositor Hector Berlioz con su Sinfonía fantástica y, en mayor medida aún, el violinista Niccolò Paganini. La audición de un recital de este último en 1831 constituyó una revelación que incidió de modo decisivo en la forma de tocar del joven virtuoso: desde aquel momento, el objetivo de Liszt fue lograr al piano los asombrosos efectos que Paganini conseguía extraer de su violín. Y lo consiguió, en especial en sus Estudios de ejecución trascendente.

Ídolo de los salones parisinos, del año 1834 data su relación con Marie d’Agoult, condesa de Flavigny, de la cual nació su hija Cosima, futura esposa del director de orquesta Hans von Bülow primero, y de Richard Wagner después. Su carrera musical, mientras tanto, proseguía imparable, y en 1848 obtuvo el puesto de maestro de capilla de Weimar, ciudad que convirtió en un foco de difusión de la música más avanzada de su tiempo, en especial la de Wagner, de quien estrenó Lohengrin, y la de Berlioz, del que representó Benvenuto Cellini.

Si hasta entonces su producción se había circunscrito casi exclusivamente al terreno pianístico, los años que vivió en Weimar marcaron el inicio de su dedicación a la composición de grandes obras para orquesta, entre las que sobresalen las sinfonías Fausto y Dante, sus más célebres poemas sinfónicos (Tasso, Los preludios, Mazeppa, Orfeo) y las versiones definitivas de sus dos conciertos para piano y orquesta. Fue la época más prolífica en cuanto a nuevas obras, favorecida por el hecho de que el músico decidió abandonar su carrera como virtuoso para centrarse en la creación y la dirección.

Sin embargo, diversos conflictos e intrigas con las autoridades de la corte y el público lo indujeron a dimitir de su cargo en 1858. Se iniciaba así la última etapa de su vida, dominada por un profundo sentimiento religioso que le llevó a recibir en 1865 las órdenes menores y a escribir una serie de composiciones sacras entre las que brillan con luz propia los oratorios La leyenda de santa Isabel de Hungría y Christus, aunque no por ello el abate Liszt –como empezó a ser conocido desde aquel momento– perdió su afición a los placeres terrenales.

Su aportación a la historia de la música puede resumirse en dos aspectos fundamentales: por un lado amplió los recursos técnicos de la escritura y la interpretación pianísticas, y por otro dio un impulso concluyente a la música de programa, aquella que nace inspirada por un motivo extramusical, sea éste literario o pictórico.

Padre del poema sinfónico, su influencia en este campo fue decisiva en la obra de músicos posteriores como Smetana, Saint-Saëns, Franck o Richard Strauss. No menos interés tiene la novedad de su lenguaje armónico, en cuyo cromatismo audaz se anticipan algunas de las características de la música de su amigo y más adelante yerno Richard Wagner e, incluso, de los integrantes de la Segunda Escuela de Viena.

Todas estas características hacen de Liszt un músico revolucionario.

- VERDI -

2011-08-02T21:15:00.001-03:00

Giuseppe Verdi

Un genio indiscutido de la Opera

Giuseppe Fortunino Francesco Verdi (La Roncole, Busseto, 10 de octubre de 1813 – Milán, 27 de enero de 1901) fue un compositor romántico italiano de ópera del siglo XIX, el más notable compositor de ópera italiana y puente entre el belcanto de Rossini, Donizetti y Bellini y la corriente del verismo y Puccini. Fue autor de algunos de los títulos más populares del repertorio lírico, como los que componen su trilogía popular o romántica: Rigoletto, La Traviata e Il Trovatore y las obras maestras de la madurez como Aida, Don Carlo, Otello y Falstaff.

Giuseppe Fortunino Francesco Verdi nació en Le Roncole el 10 de octubre de 1813; la localidad era entonces parte del ducado de Parma (que a su vez formaba parte de Francia). Allí recibió sus primeras lecciones de música. Continúa sus estudios en Busseto, bajo la tutela de Ferdinando Provesi.
Se convierte pronto en el organista de la iglesia de su pueblo. Intenta entrar en el conservatorio de la ciudad de Milán pero no lo consigue.

Se puede decir que sus primeros éxitos están relacionados con la situación política que se vivía en Italia. Aparte de su calidad artística, sus óperas servían además para exaltar el carácter nacionalista del pueblo italiano. Quizás el Va pensiero (coro de los esclavos de la ópera Nabucco) es uno de los coros más conocidos de Italia por esta razón. De esta forma, Verdi triunfa en Milán.

Gracias a los éxitos conseguidos, Verdi puede apostar por un estilo más personal en sus óperas y presionar a libretistas y empresarios para que arriesguen y experimenten un poco más. Es notable, en este sentido, la forma en que se engendró la ópera Macbeth, con unos arduos, e incluso despóticos, ensayos para lograr que el texto fuera más hablado que cantado. Verdi consigue su cometido y el éxito de estas óperas es también notorio.

Sigue un período de dificultades personales, con la muerte de su primera esposa y su hija, que contrasta con la creación de sus óperas más populares y queridas, las ya mencionadas Rigoletto, La Traviata e Il Trovatore.

Muchos consideran que la madurez del compositor se percibe en las obras que siguen a este período; por ejemplo, Don Carlos, que fue compuesta para la Gran Ópera de París; Aida, compuesta para la Ópera del Cairo; Otello y Falstaff, con libreto de Arrigo Boito basado en Shakespeare. Algunas de estas obras no son bien recibidas por el público o los críticos, que las calificaron de demasiado wagnerianas, crítica que el autor siempre rechaza.

En sus últimos años, Verdi compuso algunas obras no operísticas. A pesar de no ser particularmente religioso, compuso obras litúrgicas, como la misa de Réquiem (1874) y el Te Deum. También compuso el Himno de las naciones, que incluye las melodías de los himnos italiano, francés e inglés, sobre texto del poeta Arrigo Boito (1862) y un cuarteto para cuerdas en mi menor (1873).

Fallece en Milán, el 27 de enero de 1901, afectado por un derrame cerebral. Dejó su fortuna para el establecimiento de una casa de reposo para músicos jubilados que lleva su nombre: Casa Verdi en Milán, donde está enterrado. Su entierro suscita gran conmoción popular y al paso del cortejo fúnebre el público entonará espontáneamente el coro de los esclavos de Nabucco ("Va pensiero sull'ali dorate").

En el siglo XIX, en la época de la unificación italiana, liderada por el rey Víctor Manuel II de Piamonte-Cerdeña, el entusiasmo unificador se expresaba con el grito de «¡Viva VERDI!», significando VERDI acrónimo de «Vittorio Emmanuele Re D'Italia».

El conservatorio de Milán, que le había denegado su entrada de joven, quiso renombrarse con el nombre del propio compositor, gracias a su popularidad y éxito en su madurez, a lo que él contestó: «No me quisieron de joven, no se por qué me quieren de viejo». Actualmente el conservatorio lleva su nombre.

Algunasde sus obras:

• Nabucco
• I Lombardi alla prima crociata
• Ernani
• I due Foscari
• Giovanna d'Arco
• Alzira
• Attila
• Macbeth
• I masnadieri
• Jérusalem
• Il corsaro
• La battaglia di Legnano
• Luisa Miller
• Stiffelio
• Rigoletto
• Il trovatore
• La Traviata
• I vespri siciliani
• Simón Boccanegra
• Aroldo
• Don Carlos.
• Aida
• Otello
• Falstaff

- ROJAS -

2011-08-02T21:07:00.003-03:00

Ricardo Rojas

Ricardo Rojas nace en San Miguel de Tucumán, un 16 de septiembre de 1882 y fallece en la Ciudad de Buenos Aires, un 29 de julio de 1957.
Periodista y escritor argentino. Provenía de una de las familias más influyentes de Santiago del Estero; su padre fue gobernador de la provincia. Pasó su infancia en Santiago del Estero y luego se trasladó a Buenos Aires, en donde prosiguió su formación académica.

Llegó a ser rector de la Universidad de Buenos Aires entre 1926 y 1930. Desde este año militó en la Unión Cívica Radical, lo que le valió la cárcel; fue desterrado a la Isla Grande de Tierra del Fuego, en el Penal de Ushuaia, donde escribió su obra Archipiélago, que trata sobre la historia de los yaganes y los onas, su religión y el pensamiento de Darwin hacia ellos.

Escribió poesía de corte neorromántico y tradicional y obras de teatro basadas en temáticas incas. Destacó, sin embargo, en sus obras eruditas o ensayísticas, la más importante de las cuales es su monumental Historia de la literatura argentina en ocho volúmenes. Se le deben, también, libros de indagación histórica, crónicas de viajes y biografías. Murió en Buenos Aires en 1957.

Rector de la Universidad de Buenos Aires durante el segundo mandato de Hipólito Yrigoyen. Sus escritos fueron elogiados por Miguel de Unamuno, Leopoldo Lugones, Manuel Gálvez, Arturo Jauretche y muchos otros.

Una de sus obras más ambiciosa fue La restauración nacionalista, de 1909. Su El santo de la espada, sobre la vida de José de San Martín, fue llevada al cine en 1970 por Leopoldo Torre Nilsson.

Entre sus obras figuran:

• Victoria del Hombre (1903)
• El país de la Selva (1907)
• Cartas de Europa (1908)
• El Alma Española (1908)
• Cosmópolis (1908)
• La Restauración Nacionalista (1909)
• Bibliografía de Sarmiento (1911)
• Los Lises del Blasón (1911)
• Blasón de Plata (1912)
• Archivo Capitular de Jujuy (1913/1944)
• La Universidad de Tucumán (1915)
• La Argentinidad (1916)
• Poesías de Cervantes (1916)
• Historia de la literatura argentina, 8 tomos.
• Los Arquetipos (1922)
• Poesías (1923)
• Facultad de Filosofía y Letras (1924)
• Discursos (1924)
• Eurindia (1924)
• La Guerra de las Naciones (1924)
• Las Provincias (1927)
• El Cristo Invisible (1927)
• Elelín (1929)
• Discursos del Rector (1930)
• Silabario de la Decoración Americana (1930)
• La Historia de las Escuelas (1930)
• Memoria del Rector (1930)
• El Radicalismo de Mañana (1932)
• El Santo de la Espada (1933)
• Cervantes (1935)
• Retablo Español (1938)
• Un Titán de los Andes (1939)
• Ollantay (1939)
• El Pensamiento vivo de Sarmiento (1941)
• Archipiélago (1942)
• La Salamanca (1943)
• El Profeta de la Pampa (1945)
• La Entrevista de Guayaquil (1947)
• La Victoria del Hombre y otros cantos (1951)
• Episodios de la vida internacional Argentina (1951)
• Oda Latina (1954)

- CAMINITO -

2011-08-02T21:07:00.001-03:00

‎28 de Julio de 1959

Creación de Caminito

Un arroyito corría desde la Dársena Sur, por Wenceslao Villafañe, hasta la calle Garibaldi y de allí a Vuelta de Rocha. Cuando era un pequeño curso de agua, este calle porteña era conocida como “El Puntín”, diminutivo de puente en genovés, ya que allí había un almacén con ese nombre que, a su vez, lo tomaba de un pequeño puente que existía para cruzar en épocas de crecida.

Luego el Ferrocarril a la Ensenada tomó el antiguo cauce del río como desvío y mantuvo la forma ondulante del antiguo arroyo. En 1920 dejaron de transitar trenes por allí y sólo quedaron las vías. Entonces el lugar se transformó en un atajo para los vecinos del barrio y en un depósito de basura.

El pintor Benito Quinquela Martín fue quien propuso que el pequeño pasaje se llamara “Caminito”, que el vecino Arturo Cárrega resolvió sanear y mejorar su aspecto; a partir del tango estrenado en el carnaval de 1926 (“Caminito” de Juan de Dios Filiberto, letra del riojano Coria Peñaloza) que nada tenia que ver con la calle porteña, aunque a partir de allí llegó la identificación entre ambos.

El pintor de la ribera, Quinquela, también fue quien gestionó la compra del terreno de la Empresa Nacional de Ferrocarriles por parte de la Municipalidad con la idea de que fuese más que un atajo y que se transforme en una calle que refleje el colorido del barrio. De esta manera fue que los artistas fueron adosando a las paredes del fondo de las casas bajorrelieves y mosaicos hasta formar este espacio al aire libre, sin veredas ni portales, único en el mundo.

- GENDARMERIA -

2011-08-02T20:58:00.003-03:00

Día de la Gendarmería

Durante la presidencia del Dr. Roberto M Ortiz, Gendarmería Nacional Argentina fue creada el 28 de julio del año 1938 por el Congreso Nacional, debido a una verdadera necesidad pública, destinada a consolidar el Límite Internacional y garantizar la seguridad de colonos y pobladores en regiones alejadas del país, comenzando a asentarse en los "territorios nacionales" como resguardo fronterizo.

Las particularidades del territorio donde debía cumplir la misión y el carácter de ésta, determinaron que la Fuerza naciera como un Cuerpo con organización, formación militar y férrea disciplina, circunstancia que a la fecha se mantiene.
Esa es la génesis de su creación y el espíritu que los legisladores imprimieron en el proyecto que luego fue promulgado como Ley Nº 12.367: “contribuir decididamente a mantener la identidad nacional en áreas limítrofes, a preservar el territorio nacional y la intangibilidad del límite internacional”.

Su personal fue sujeto a un régimen disciplinario castrense, con estructura, capacitación, doctrina militar y formación jurídica que le permitiera cumplir funciones policiales en tiempo de paz, y en tiempo de guerra integrar el componente terrestre militar: Caso concreto, fue su participación en la Guerra de Malvinas en el año 1982.

La institución se encuentra enmarcada dentro de la Ley Orgánica Nº 19.349 que regula su organización, misión, funciones, jurisdicción y competencias, como el régimen legal de su personal.

- ANTROPOLOGO -

2011-07-26T20:32:00.001-03:00

‎27 de Julio

DÍA DEL ANTROPÓLOGO

El 27 de julio de 1972 se fundaba el Colegio de Graduados en Antropología. En conmemoración de esa fecha quedaría establecido en nuestro país el Día del Antropólogo. Por este motivo queremos saludar en su día a todos los colegas del país que ejercen nuestra querida profesión.

Para los graduados, los que están cerca y los que recién comienzan,
¡¡FELICIDADES!!

- ARLT -

2011-07-26T20:27:00.004-03:00

Roberto Arlt

Hijo de un inmigrante prusiano y una italiana, Roberto Godofredo Christophersen.
Arlt nació en Buenos Aires, en el barrio de Flores, el 2 de abril de 1900.

Publicó El juguete rabioso, su primer novela, en 1926. Por entonces comenzaba también a escribir para los diarios Crítica y El mundo. Sus columnas diarias Aguafuertes porteñas, aparecieron de 1928 a 1935 y fueron después recopiladas en el libro del mismo nombre. Se divertía contando de sus amistades con rufianes, falsificadores y pistoleros, de las que saldrían muchos de sus personajes. Las Aguafuertes se convirtieron con el tiempo en uno de los clásicos de la literatura argentina.

Al mismo tiempo de su actividad como escritor, Arlt buscó constantemente hacerse rico como inventor, con singular fracaso. Formó una sociedad, ARNA (por Arlt y Naccaratti) y con el poco dinero que el actor Pascual Naccaratti pudo aportar instaló un pequeño laboratorio químico en Lanús. Llegó incluso a patentar unas medias reforzadas con caucho, que no fueron comercializadas, y al decir de un amigo, "parecen botas de bombero".

En 1935, viajó a España y África enviado por El Mundo, de donde salen sus Aguafuertes Españolas. Pero salvo este viaje y alguna escapada a Chile y Brasil, permaneció en la ciudad de Buenos Aires, tanto en la vida real como en sus novelas, Los siete locos y su continuación, Los lanzallamas.
Murió de un ataque cardíaco en Buenos Aires, el 26 de julio de 1942.

Entre sus obras figura:

El juguete rabioso (1926)
Los siete locos (1929)
Un hombre extraño
Las opiniones del Rufián Melancólico
Discurso del Astrólogo
Los lanzallamas (1931)
El amor brujo (1932)
Aguafuertes porteñas (1933)
El fiacún
El jorobadito (1933)
El jorobadito
Aguafuertes españolas (1936)
El criador de gorilas (1941)
Nuevas aguafuertes españolas (1960)
Teatro completo (1968)
Cuentos Completos (1997)

- PUGLIESE -

2011-07-26T20:27:00.001-03:00

Osvaldo Pugliese

Aniversario de su fallecimiento

Nació el 2 de diciembre de 1905 en el barrio porteño de Villa Crespo, en el seno de una familia de músicos, aunque no tan talentosos como él. Su padre, Adolfo Pugliese, tocaba la flauta en los conjuntos de barrio, esencialmente en cuartetos. Dos de sus hermanos mayores, Vicente Salvador y Alberto Roque, también eran músicos.

Adolfo, su padre, lo ayudó a hacer sus primeros "palotes" en la música, le compró un violín con el que fue enviado al Conservatorio Odeón del barrio de Villa Crespo. Pero en este lugar encontró el instrumento que sería parte de su vida y el que lo destacaría por encima de muchos: el piano.

Más tarde, y ya con mucha más experiencia y soltura, formó parte del cuarteto de Enrique Pollet (1924), y luego de la orquesta de otro famoso de su tiempo, Roberto Firpo. Ya en 1926, era el pianista de la orquesta del gran bandoneonista Pedro Maffia, continuado con su ascenso en el mundo del tango y tomando cada día más y más prestigio.

Pugliese nunca abandonó su sueño de orquesta propia y fue así que en 1936 creó un sexteto. Debutaron en la Avenida Corrientes, en el Germinal. Este fue el punto de partida de su orquesta. La misma fue presentada en el café El Nacional el 11 de agosto de 1939, orquesta que, aunque con los lógicos recambios, lo acompañaría durante 55 años. Durante todo ese tiempo, Don Osvaldo compuso más de 150 temas, algunos muy famosos como Recuerdo, La Beba, Negracha, Malandraca y su himno La yumba. Además grabó más de 600 temas de otros autores.

Pero no era tan sólo un gran pianista, también era un ciudadano comprometido con la sociedad. En 1935 impulsó el Sindicato Argentino de Músicos del que fue el afiliado número 5.

Fue durante la década de los años 50 que la orquesta del maestro Pugliese animó las milongas del Club Atlético Palermo, que por entonces era un reducto opositor a las políticas oficiales de gobierno.

Recibió innumerables distinciones. El gobierno de Cuba le otorgó la medalla Alejo Carpentier, la más importante distinción cultural de la isla; el gobierno francés lo nombró Commandeur de L'Ordre des Arts et Lettres (1988). En tanto su ciudad, la Ciudad de Buenos Aires, en 1986 lo declara Ciudadano Ilustre. En 1989, la Sociedad Argentina de Autores y Compositores de Música (SADAIC) y la Asociación de Coleccionistas de Tango, descubrieron una placa en la Avenida Corrientes (al 960) en conmemoración de los 50 años del Maestro frente a su orquesta. En 1990, recibió el título de Académico Honorario de la Academia Nacional del Tango.
Tal era la talla artística de este hombre que en 1985 logra lo que nadie hasta entonces: el 26 de diciembre de ese año, para festejar su cumpleaños número 80, su orquesta tocaría en el Teatro Colón.

Finalmente, el 25 de julio de 1995 y después de una breve enfermedad, falleció a los 89 años de edad en la ciudad de Buenos Aires, su ciudad. Sus restos fueron velados en el Concejo Deliberante de la Ciudad de Buenos Aires y luego llevados hacia el cementerio de la Chacarita por la emblemática avenida Corrientes a contramano del tránsito.

Recibió el Premio Konex en tres ocasiones: en 1985 por Director de Orquesta típica (Platino), en 1995 una mención especial y en 2005 un premio de honor.

- GOYENA -

2011-07-26T20:23:00.002-03:00

Pedro Goyena

Pedro Goyena nació en la ciudad de Buenos Aires 24 de julio de 1843 y falleció en la misma el 17 de mayo de 1892.
Fue jurisconsulto, escritor y político argentino representante del pensamiento católico.

Pedro Goyena, junto a otros pensadores y políticos defensores del pensamiento católico, como José Manuel Estrada y Emilio Lamarca. Egresado del Colegio Nacional Central, se graduó en abogacía. Tuvo un papel destacado en la historia argentina por su firme oposición al laicismo que caracterizó a la llamada Generación del 80 que gobernó el país entre la segunda mitad del siglo XIX y las primeras décadas del siglo XX. Alcanzó a desempeñarse como diputado provincial.

Fue especialmente importante su actuación en el Congreso Pedagógico de 1882 donde sostuvo que la escuela pública común debía ser católica manteniendo un duro debate con Leandro Alem. Consecuentemente se opuso luego a la Ley 1420 de 1884 de enseñanza pública, gratuita y obligatoria, que estableció la escuela pública laica.

También se opuso y representó la opinión del pensamiento católico, contra la Ley de matrimonio civil sancionada en 1888 sosteniendo que el único tipo de matrimonio que debía ser reconocido por el Estado era aquel que se realizado y registrado por la Iglesia Católica. Su capacidad como orador y polemista eran notables.

Enseñó Derecho Romano en la Universidad de Buenos Aires y se destacó como periodista, entre otros de la Revista Argentina y la Unión, que dirigió junto a José Manuel Estrada y Tristán Achával Rodríguez, donde defendió y argumentó sus posiciones contrarias a las reformas liberales de los gobiernos de esa época, cuyo principal representante fue Julio A. Roca.

En 1885 fue designado vice-presidente primero de la recientemente fundada Unión Católica cuya presidencia ejerció José Manuel Estrada.

Poco antes de morir, y llevado por su posición contraria al liberalismo laico, se incorporó al heterogéneo arco opositor que integró la Unión Cívica. En el barrio porteño de Caballito hay una calle con su nombre

- CASTILLO -

2011-07-26T20:23:00.001-03:00

Alberto Castillo

Aniversario de su muerte

Nació como Alberto Salvador De Lucca -algunas fuentes lo escriben "De Luca"- en el barrio porteño de Floresta, Buenos Aires hijo de inmigrantes italianos Salvador De Lucca y Lucia Di Paola, hace su debut profesional en los años 1930 y comienza una exitosa carrera en 1941. Una gran interpretación del tango de Alfredo Pelala “Recuerdo”.

Con su innato sentido del ritmo y su tendencia a engolar la voz, Castillo se hace un nombre de principal intérprete de los géneros musicales candombe afroargentino y de milonga porteña.

Uno de sus más exitosos registros fue "Cien Barrios Porteńos", a tal punto que los presentadores lo anunciaban como el "Cantor de los cien barrios porteños (sic)".

Castillo también fue médico ginecólogo. Con ese título pudo convencer a la familia de su prometida para dejarlos casar (porque no iban a dejarla irse con "apenas un cantor de tango"). Como hecho curioso, entre noviembre de 1951 y febrero de 1952, el popular cantante ofició fortuitamente como médico de la delegación profesional del Club Atlético Vélez Sarsfield al insolarse algunos jugadores en la ciudad de Pernambuco, en la gira que realizaba en Brasil. Posteriormente el cantor, reconocido hincha de Vélez, ajustó algunas de sus presentaciones para acompañar al equipo el resto de la gira.

En la película argentina "Luna de Avellaneda" de 2004, un Castillo ficticio es llamado de urgencia para ayudar en un parto durante una kermés en un club de barrio. En dicha película el tema de cierre es Siga el Baile versionado por Jaime Roos.

Ya retirado, tuvo una breve incursión para grabar nuevamente el candombe Siga el Baile de Carlos Warren y Edgardo Donato, con la banda argentina Los Auténticos Decadentes.

Castillo falleció el 23 de julio de 2002 y está sepultado en el Cementerio de la Chacarita en Buenos Aires.

- SENADO -

2011-07-26T20:19:00.000-03:00

‎23 de Julio de 1935

Ataque en el Senado Nacional

Enzo Bordabehere, legislador santafesino del Partido Demócrata Progresista, fue baleado en el escenario del Senado Nacional, cuando intentaba proteger a Lisandro de la Torre del ataque. Mientras se sucedía una fuerte discusión entre De la Torre y el ministro Luis Duhau sobre un convenio de exportación de carnes con Inglaterra, tres proyectiles alcanzaron por la espalda al senador.

Fue trasladado de inmediato al Hospital Ramos Mejía, donde murió más tarde. El asesino, detenido luego, era Ramón Valdés Cora, un ex comisario con vínculos con el partido oficialista. Los instigadores del asesinato nunca fueron procesados. El hecho, que movilizó la opinión pública del país, fue el punto más bajo de una política y de una época particularmente oscura y violenta.

- PUIG -

2011-07-26T20:18:00.000-03:00

Manuel Puig

Manuel Puig nació en General Villegas, Provincia de Buenos Aires el 28 de diciembre de 1932. En 1946 se trasladó a Buenos Aires para empezar como pupilo en la escuela secundaria.

Comenzó por entonces su temprana fascinación por el cine, asistiendo regularmente a las "matinées" de cine de los domingos. En 1951 inició sus estudios en la Facultad de Filosofía y Letras. Viajó luego a Roma, en 1956, con una beca para estudiar dirección en el Centro Sperimentale di Cinematografia.

Pasó luego por Londres y Estocolmo, donde enseñó español e italiano, trabajó como lavacopas, y donde escribió sus primeros guiones para películas. Entre 1961-1962 trabajó como asistente de dirección en diversos filmes en Buenos Aires y Roma.

En 1963 se mudó a New York, donde comenzó a escribir su primera novela La traición de Rita Hayworth, terminada en 1965. En diciembre de ese mismo año la novela fue finalista de Premio Biblioteca Breve de la Editorial Seix Barral, y más tarde, en 1969, fue proclamada como la mejor novela del período 1968-1969 por el periódico "Le Monde".

En 1967 regresó una vez más a Buenos Aires para comenzar a enfrentar sus problemas con la censura. Después de publicar Boquitas pintadas, convertida inmediatamente en "best-seller", apareció en 1973 su tercera novela: The Buenos Aires Affair. Después de repetidas amenazas telefónicas, Puig abandonó la Argentina para establecerse en México, donde terminó El beso de la mujer araña en 1976.

En 1981 se radicó en Rio de Janeiro, Brasil. En 1985 hizo la adaptación para cine de El beso de la mujer araña, filmada por el argentino Héctor Babenco. En 1988 apareció su última novela, Cae la noche tropical.

Un año después abandonó Brasil para volver a México, estableciéndose con su madre en Cuernavaca. Es en esa ciudad donde Manuel Puig murió, el 22 de julio de 1990. Dejó inconclusa su novena novela: Humedad relativa: 95%.

Entre sus obras:

La Traición de Rita Hayworth (1968)
Boquitas pintadas (1969)
The Buenos Aires Affair (1973)
Capítulo I
El beso de la mujer araña (1976)
Pubis angelical (1979)
Maldición eterna a quien lea estas páginas (1981)
Sangre de amor correspondido (1982)
Cae la noche tropical (1988)
Bajo un manto de estrellas (1983)
El beso de la mujer araña (1983, versión teatralizada)
La cara de villano (1985)
Recuerdos de Tijuana (1985)

- EINSTEIN -

2011-07-26T20:14:00.001-03:00

Albert Einstein

Albert Einstein sigue siendo una figura mítica de nuestro tiempo; más, incluso, de lo que llegó a serlo en vida, si se tiene en cuenta que su imagen, en condición de póster y exhibiendo un insólito gesto de burla, se ha visto elevada a la dignidad de icono doméstico, junto a los ídolos de la canción y los astros de Hollywood.

Sin embargo, no son su genio científico ni su talla humana los que mejor lo explican como mito, sino, quizás, el cúmulo de paradojas que encierra su propia biografía, acentuadas con la perspectiva histórica. Al Einstein campeón del pacifismo se le recuerda aún como al «padre de la bomba»; y todavía es corriente que se le atribuya la demostración del principio de que «todo es relativo» a él, que luchó encarnizadamente contra la posibilidad de que conocer la realidad significara jugar con ella a la gallina ciega.

Albert Einstein nació en la ciudad bávara de Ulm el 14 de marzo de 1879. Fue el hijo primogénito de Hermann Einstein y de Pauline Koch, judíos ambos, cuyas familias procedían de Suabia. Al siguiente año se trasladaron a Munich, en donde el padre se estableció, junto con su hermano Jakob, como comerciante en las novedades electrotécnicas de la época.

El pequeño Albert fue un niño quieto y ensimismado, que tuvo un desarrollo intelectual lento. El propio Einstein atribuyó a esa lentitud el hecho de haber sido la única persona que elaborase una teoría como la de la relatividad: «un adulto normal no se inquieta por los problemas que plantean el espacio y el tiempo, pues considera que todo lo que hay que saber al respecto lo conoce ya desde su primera infancia. Yo, por el contrario, he tenido un desarrollo tan lento que no he empezado a plantearme preguntas sobre el espacio y el tiempo hasta que he sido mayor».

En 1894, las dificultades económicas hicieron que la familia (aumentada desde 1881, por el nacimiento de una hija, Maya) se trasladara a Milán; Einstein permaneció en Munich para terminar sus estudios secundarios, reuniéndose con sus padres al año siguiente. En el otoño de 1896, inició sus estudios superiores en la Eidgenossische Technische Hochschule de Zurich, en donde fue alumno del matemático Hermann Minkowski, quien posteriormente generalizó el formalismo cuatridimensional introducido por las teorías de su antiguo alumno.

El 23 de junio de 1902, empezó a prestar sus servicios en la Oficina Confederal de la Propiedad Intelectual de Berna, donde trabajó hasta 1909. En 1903, contrajo matrimonio con Mileva Maric, antigua compañera de estudios en Zurich, con quien tuvo dos hijos: Hans Albert y Eduard, nacidos respectivamente en 1904 y en 1910. En 1919 se divorciaron, y Einstein se casó de nuevo con su prima Elsa.

Durante 1905, publicó cinco trabajos en los Annalen der Physik: el primero de ellos le valió el grado de doctor por la Universidad de Zurich, y los cuatro restantes acabaron por imponer un cambio radical en la imagen que la ciencia ofrece del universo. De éstos, el primero proporcionaba una explicación teórica, en términos estadísticos, del movimiento browniano, y el segundo daba una interpretación del efecto fotoeléctrico basada en la hipótesis de que la luz está integrada por cuantos individuales, más tarde denominados fotones; los dos trabajos restantes sentaban las bases de la teoría restringida de la relatividad, estableciendo la equivalencia entre la energía E de una cierta cantidad de materia y su masa m, en términos de la famosa ecuación E = mc², donde c es la velocidad de la luz, que se supone constante.

El esfuerzo de Einstein lo situó inmediatamente entre los más eminentes de los físicos europeos, pero el reconocimiento público del verdadero alcance de sus teorías tardó en llegar; el Premio Nobel de Física, que se le concedió en 1921 lo fue exclusivamente «por sus trabajos sobre el movimiento browniano y su interpretación del efecto fotoeléctrico». En 1909, inició su carrera de docente universitario en Zurich, pasando luego a Praga y regresando de nuevo a Zurich en 1912 para ser profesor del Politécnico, en donde había realizado sus estudios. En 1914 pasó a Berlín como miembro de la Academia de Ciencias prusiana. El estallido de la Primera Guerra Mundial le forzó a separarse de su familia, por entonces de vacaciones en Suiza y que ya no volvió a reunirse con él.

Contra el sentir generalizado de la comunidad académica berlinesa, Einstein se manifestó por entonces abiertamente antibelicista, influido en sus actitudes por las doctrinas pacifistas de Romain Rolland. En el plano científico, su actividad se centró, entre 1914 y 1916, en el perfeccionamiento de la teoría general de la relatividad, basada en el postulado de que la gravedad no es una fuerza sino un campo creado por la presencia de una masa en el continuum espacio-tiempo. La confirmación de sus previsiones llegó en 1919, al fotografiarse el eclipse solar del 29 de mayo; The Times lo presentó como el nuevo Newton y su fama internacional creció, forzándole a multiplicar sus conferencias de divulgación por todo el mundo y popularizando su imagen de viajero de la tercera clase de ferrocarril, con un estuche de violín bajo el brazo.

Durante la siguiente década, Einstein concentró sus esfuerzos en hallar una relación matemática entre el electromagnetismo y la atracción gravitatoria, empeñado en avanzar hacia el que, para él, debía ser el objetivo último de la física: descubrir las leyes comunes que, supuestamente, habían de regir el comportamiento de todos los objetos del universo, desde las partículas subatómicas hasta los cuerpos estelares. Tal investigación, que ocupó el resto de su vida, resultó infructuosa y acabó por acarrearle el extrañamiento respecto del resto de la comunidad científica.

A partir de 1933, con el acceso de Hitler al poder, su soledad se vio agravada por la necesidad de renunciar a la ciudadanía alemana y trasladarse a Estados Unidos, en donde pasó los últimos veinticinco años de su vida en el Instituto de Estudios Superiores de Princeton, ciudad en la que murió el 18 de abril de 1955.

Einstein dijo una vez que la política poseía un valor pasajero, mientras que una ecuación valía para toda la eternidad. En los últimos años de su vida, la amargura por no hallar la fórmula que revelase el secreto de la unidad del mundo hubo de acentuarse por la necesidad en que se sintió de intervenir dramáticamente en la esfera de lo político. En 1939, a instancias de los físicos Leo Szilard y Paul Wigner, y convencido de la posibilidad de que los alemanes estuvieran en condiciones de fabricar una bomba atómica, se dirigió al presidente Roosevelt instándole a emprender un programa de investigación sobre la energía atómica.

Luego de las explosiones de Hiroshima y Nagasaki, se unió a los científicos que buscaban la manera de impedir el uso futuro de la bomba y propuso la formación de un gobierno mundial a partir del embrión constituido por las Naciones Unidas. Pero sus propuestas en pro de que la humanidad evitara las amenazas de destrucción individual y colectiva, formuladas en nombre de una singular amalgama de ciencia, religión y socialismo, recibieron de los políticos un rechazo comparable a las críticas respetuosas que suscitaron entre los científicos sus sucesivas versiones de la idea de un campo unificado.

- AMIGO -

2011-07-26T20:13:00.001-03:00

‎20 DE JULIO

DIA DEL AMIGO

El Día del Amigo tuvo un antecedente histórico llamado Cruzada mundial de la amistad que es una campaña en favor de dar valor y realce a la Amistad entre los Seres Humanos, de forma que permita fomentar la Cultura de la Paz. Fue ideada por el Doctor Ramón Artemio Bracho en Puerto Pinasco, Paraguay en 1958.

A partir de dicha idea, se fijó el 20 de julio como Día de la Amistad y se celebra en varios países de Sudamérica. En Paraguay se celebra el 30 de julio. Su importancia reside en que favorece a los valores que permiten la concordia y el diálogo en la sociedad y en el mundo.

En Argentina se creó una fecha similar, una década despues como "Día Internacional del Amigo" con otro origen. Su creador fue Enrique Ernesto Febbraro (1924), profesor de psicología, filosofía, historia, músico y odontólogo, socio fundador del Rotary Club del barrio San Cristóbal y del barrio Once (Buenos Aires).

Cuando alunizó la Apolo XI, Febbraro vio que por una vez en la vida todo el mundo estaba unido, por lo que envió mil cartas a cien países de las cuales recibió 700 respuestas, a partir de este momento fundó el Día del Amigo.

FELIZ DÍA DEL AMIGO

- EL NEGRO -

2011-07-26T20:10:00.001-03:00

Roberto Fontanarrosa

4 años sin el negro...

Roberto El Negro Fontanarrosa (Rosario, 26 de noviembre de 1944 – Ibídem, 19 de julio de 2007), fue un humorista gráfico y escritor argentino.

De mí se dirá posiblemente que soy un escritor cómico, a lo sumo. Y será cierto. No me interesa demasiado la definición que se haga de mí. No aspiro al Nóbel de Literatura. Yo me doy por muy bien pagado cuando alguien se me acerca y me dice: «Me cagué de risa con tu libro».

Su carrera comenzó como dibujante humorístico, destacándose rápidamente por su calidad y por la rapidez y seguridad con que ejecutaba sus dibujos. Estas cualidades hicieron que su producción gráfica fuera copiosa. Entre sus personajes más conocidos están el matón Boogie El Aceitoso y el gaucho Inodoro Pereyra (con su perro Mendieta). Su fama trascendió las fronteras de Argentina. Por ejemplo, Boogie, el aceitoso empezó a publicarse en un diario de Colombia, y luego fue publicado muchos años por el semanario mexicano Proceso.

Se le conocía su gusto por el fútbol, deporte al cual le dedicó varias de sus obras. El cuento 19 de diciembre de 1971 es un clásico de la literatura futbolística argentina. Como buen «futbolero» siempre mostró su simpatía por el equipo al que seguía desde pequeño, Rosario Central.

En los años setenta y ochenta, se lo podía encontrar tomándose un café en sus ratos libres en el bar El Cairo (esquina de calles Santa Fe y Sarmiento), sentado a la metafórica «mesa de los galanes», escenario de muchos de sus mejores cuentos. Desde los años noventa, la mesa se mudó al bar La Sede hasta la reapertura de El Cairo.

Fue expositor en el III Congreso de la Lengua Española que se desarrolló en Rosario (Argentina), el 20 de noviembre de 2004. En el mismo dio la charla titulada «Sobre las malas palabras».

Bandera a media asta: la ciudad de Rosario de luto, el día de su fallecimiento.
En 2003 se le diagnosticó esclerosis lateral amiotrófica, por lo que desde 2006 utilizó frecuentemente una silla de ruedas.

En toda su vida se casó dos veces. Con su primera esposa tuvo a su único hijo, Franco. Su segunda esposa, Gabriela Mahy, lo conoció en 2002 y contrajeron matrimonio en noviembre de 2006, previo divorcio.

El 18 de enero de 2007 anunció que dejaría de dibujar sus historietas, debido a que había perdido el completo control de su mano derecha a causa de la enfermedad. Sin embargo aclaró que continuaría escribiendo guiones para sus personajes. Desde entonces, Crist se encargó de ilustrar sus chistes sueltos, mientras que Oscar Salas hacía lo mismo con sus historietas de Inodoro Pereyra.

Falleció el 19 de julio de 2007, a la edad de 62 años, víctima de un paro cardiorrespiratorio una hora después de ingresar en un hospital con un cuadro de insuficiencia respiratoria aguda.

Su entierro al día siguiente de su muerte fue acompañado por cientos de ciudadanos comunes, escritores, actores y autoridades de la política nacional. La marcha hizo una parada por espacio de unos minutos en cercanías al Estadio Gigante de Arroyito (estadio de Rosario Central; club del cual Fontanarrosa era un reconocido hincha), y luego continuó hacia el norte, hacia el cementerio Parque de la Eternidad en la vecina localidad de Granadero Baigorria, donde fue enterrado.

En noviembre de 2008 la segunda esposa, Gabriela, decidió radicar una denuncia demandando a Franco, el hijo del escritor, por los derechos intelectuales de la obra. La mujer lo acusa de quedarse con las regalías por los libros y otros escritos.

El 26 de abril de 2006, el Senado le entregó la Mención de Honor Domingo Faustino Sarmiento, en reconocimiento a su vasta trayectoria y aportes a la cultura argentina.

En diciembre de 2006 recibió en la Feria Internacional del Libro en Guadalajara (México) el premio «La Catrina», reconocimiento que cada año se entrega en el Encuentro Internacional de Caricatura e Historieta.

Recibió además el Premio Konex de platino en 1994 y el Konex en 1992.

En 2009 su personaje Inodoro Pereyra forma parte de la muestra "Bicentenario: 200 años de Humor Gráfico" que el Museo del Dibujo y la Ilustración realiza en el Museo Eduardo Sívori de Buenos Aires, homenajeando a los más importantes creadores de la historia argentina.

- CINE -

2011-07-26T20:06:00.001-03:00

Cine de la Argentina

Cumplimos 115 de proyectar el primer film en la Ciudad

El cine de la Argentina, ha sido históricamente uno de los tres más desarrollados del cine latinoamericano, junto a los producidos en México y Brasil. A lo largo del siglo XX la producción cinematográfica argentina, apoyada por el estado y avalada por el trabajo de una larga lista de directores y artistas, se convirtió en una de las principales del mundo en idioma castellano.

Un poco después de la aparición del cinematógrafo, se efectuaba el 18 de julio de 1896 en el Teatro Odeón la primera proyección cinematográfica del país en la ciudad de Buenos Aires. Se trataba de los célebres cortos de los Hermanos Lumière que se habían estrenado el año anterior en París, Francia.

Tiempo antes, también en esa ciudad se había importado, sin mayores repercusiones, el espectáculo del kinetoscopio invento del norteamericano Thomas Alva Edison. Estas actividades fueron durante mucho tiempo no más que una forma de entretenimiento y actividad comercial.

- AMIA -

2011-07-26T20:05:00.000-03:00

Recordatorio del atentado a la AMIA-DAIA

17 años de impunidad

Hoy se cumple un nuevo aniversario del atentado del 18 de julio de 1994, que destruyó la sede de la AMIA - DAIA, en la calle Pasteur 633.

La Ley N° 193 del Gobierno de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires fue sancionada el 3 de junio de 1999. Se trata de un texto en homenaje a las víctimas para promover la memoria y la reflexión sobre lo sucedido.
El mismo debe ser leído cada 18 de julio en todas las escuelas primarias y secundarias bajo su jurisdicción.

Los días lunes la agrupación Memoria Activa organiza un acto en Plaza Lavalle. A las 9.53 horas (momento en que explotó la bomba) se realiza un minuto de silencio como expresión de homenaje, recordación y exigencia de justicia. Además, los oradores invitados brindan su testimonio.

Los días 18 de cada mes a las 9.50 horas la agrupación "Familiares y Amigos de las Víctimas del atentado contra la AMIA" se reúne en la calle Pasteur para reclamar justicia.

- ROCA -

2011-07-17T12:32:00.002-03:00

Julio Argentino Roca

Aniversario de su nacimiento

(Tucumán, 17 de julio de 1843-Buenos Aires, 1914) Militar y político argentino. Veterano de la guerra entre Buenos Aires y la Confederación (1859-1861), participó también en la de la Triple Alianza contra Paraguay (1865-1870).

Tras reprimir el alzamiento federalista de Entre Ríos y la muerte de Alsina (1877), se hizo cargo del ministerio de Guerra. Su proyecto, presentado al Congreso de la Nación el 14 de agosto de 1878, tenía como principal objetivo acabar con los indios mediante una guerra ofensiva.

Roca modernizó las tropas y desencadenó la guerra del desierto, con la que acabó con la resistencia indígena pampeana y propició la ocupación de millones de hectáreas de tierras cultivables.

En 1880 fue elegido presidente, cargo que desempeñó hasta 1886 y, posteriormente, entre 1898 y 1904. Impuso un gobierno autoritario, el unicato, si bien, al propio tiempo, sentó las bases del moderno Estado argentino.

- FANGIO -

2011-07-17T12:32:00.001-03:00

Aniversario de la muerte de

JUAN MANUEL FANGIO

Día Nacional del Automovilismo Deportivo

Cronología de la vida de "el chueco"

24 de Junio de 1911: En la casa de la calle 13, en Balcarce, nace Juan Manuel Fangio. Sus padres son Loreto Fangio y Herminia D´Eramo.

1923: Deja la escuela para trabajar como mecánico en el taller de la Agencia Studebaker de Balcarce, de Manuel Viggiano.

1929: Disputa su primera carrera, como acompañante de Manuel Ayerza, sobre un Chevrolet ´28 cuatro cilindros. La competencia se dsiputa entre Coronel Vidal y Maipú.

24 de Octubre de 1936: Debuta como piloto en una carrera no oficial, en Benito Juárez, a bordo de un Ford A ´29 modificado. Abandona

27 de Marzo de 1939: Su primera carrera oficial. En Necochea con un Ford ´34, finaliza quinto.

18 de Octubre de 1938: Debuta en Turismo de Carretera, en el Gran Premio Argentino. Manejando un Ford cupé ´37, con Luis Finochietti. Arriba séptimo

12 de Octubre de 1940: Gana el Gran Premio Internacional del Norte, una carrera entre Buenos Aires y Lima, de 4.765 Km. de recorrido, con un Chevrolet. Es su primer triunfo en el automovilismo.

14 de Diciembre de 1940: Al calsificarse octavo en las Mil Millas Argentinas, obtiene el primer título de Campeón Argentino de Carreteras.

2 de Abril de 1942: Gana la carrera Mar y Sierras de Turismo de Carretera: será su última intervención hasta después de la Segunda Guerra Mundial.

15 de Febrero de 1947: Vuelve a la actividad, con un tercer lugar en una prueba de Mecánica Nacional (monoplazas) en el circuito de Retiro, en Buenos Aires.

17 de Enero de 1948: Debuta en Máquinas Especiales (antecedente de la Fórmula 1) con un Maserati 1500 en Palermo. Abandona.

16 de Abril de 1950: Debuta en el equipo ALfa Romeo de F1 con una victoria en el circuito de Ospedaletti, en San Remo.

13 de Mayo de 1950: Debuta en el Primer Campeonato Mundial de Fórmula 1, integrando la escuadra Alfa Romeo, pero abandona por problemas de motor. La carrera se lleva a cabo en el circuito de Silverstone, Inglaterra.

21 de Mayo de 1950: Logra su primer triunfo en el Campeonato Mundial. Es el Grand Prix de Mónaco, en Montecarlo, con un Alfa Romeo 158, luego de esquivar una múltiple colisión en la primera vuelta que dejó afuera a nueve autos.

3 de Septiembre de 1950: Al abandonar el Gran Prix de Italia, pierde el título mundial a manos de su coequiper Ninno Farina

28 de Octubre de 1951: Se consagra por primera vez Campeón Mundial de Conductores al ganar el Gran Prix de España, en Pedralbes, con un Alfa Romeo 159. Es también, la última carrera de la escudería.

1 de Junio de 1952: Debuta con la ensordecedora BRM inglesa de 4500 cm3 en el Gran Premio de Albi, en Francia, pero abandona.

8 de Junio de 1952: Se despista en la primera vuelta del Gran Premio de Monza, cuando corría con una Maserati A6GCM de Fórmula 2. Había corrido el día anterior en Irlanda. "A las dos de la tarde llegué, a las dos y media largué y a las tres estaba en el hospital", recordó después. En el accidente sufre lesiones en las vértebras cervicales, que lo mantienen fuera de la actividad durante siete meses.

18 de Enero de 1953: Reaparece disputando el 1º Gran Premio de la República Argentina de Fórmula 1, pero abandona.

13 de Septiembre de 1953: Vuelve al triunfo en Fórmula 1, venciendo en el Grand Prix de Italia, obteniendo así el subcampeonato mundial.

19 de Noviembre de 1953: Sobre un Lancia D24 gana la Carrera Panamericana, 3.070 Km. de rutas desde la frontera norte a la sur de México

17 de Enero de 1954: Bajo una lluvia torrencial, gana por primera vez el Grand Prix de la Argentina de F1, con una Maserati 250F.

4 de Julio de 1954: Debuta en el equipo Mercedes Benz, en Francia. Marca la pole-position y consigue la victoria.

24 de Octubre de 1954: Con un tercer puesto en Pedralbes, consigue su segundo título del mundo. Ha ganado en seis de las ocho carreras.

16 de Enero de 1955: Con temperaturas que alcanzan los 50 grados, vence otra vez en el Grand Prix de Argentina: Es el unico piloto que no es reemplazado durante las tres horas de carrera.

11 de Junio de 1955: Cuando lidera las 24 horas de Le Mans, sobre un Mercedes 300 SLR, se produce el tremendo accidente que le cuesta la vida a 83 personas.

11 de Septiembre de 1955: Con un trunfo en Italia, obtiene su tercer corona en la F1. Se despide del equipo Mercedes, que abandona las carreras, cerrando un ciclo brillante: nueve triunfos en doce carreras, de las cuales ocho pertenecen a Fangio.

22 de Enero de 1956: Debuta en el equipo Ferrari y obtiene el Gran Premio de la Republica Argentina.

28 de Abril de 1956: Con una Ferrari Sport, pena para clasificarse cuarto en las Mille Miglias italianas. "Fue la peor carrera de mi vida" dirá más tarde.

2 de septiembre de 1956: Su coequiper, Peter Collins, le cede su auto durante el Gran Premio de Italia para obtener su cuarto título mundial.

13 de Enero de 1957: De vuelta con Maserati, obtiene el Gran Premio de la Argentina.

23 de Marzo de 1957: Logra la victoria en las 12 horas de Sebring. Treinta y Cinco años después, su sobrino Juan obtiene esta carrera.

4 de Agosto de 1957: Vence en estupenda forma en el Grand Prix de Alemania, en Nurburgring, y logra su quinto título mundial. Es su mejor triunfo: luego de haber acumulado una diferencia de 28 segundos sobre las Ferraris de Hawthorn y Collins, se detiene en boxes para cambiar sus cuatro cubiertas, y no solo pierde la ventaja, sino otros 48 segundos. Faltando diez de las 22 vueltas previstas, inicia una impresionante recuperación, batiendo nueve veces el record de la pista. En la penúltima vuelta supera sucesivamente a Collins, en la recta detrás de los boxes, y a Hawthorn, en la zona de curvas de Fuchsrorhe, para vencer con 3.6 segundos de ventaja. Es su último triunfo en la F1.

2 de febrero de 1958: La victoria en el Gran Premio de la Republica Argentina sin puntos para el Mundial, es la última de su gloriosa campaña. Sólo volvería a correr dos pruebas más.

26 de febrero de 1958: Es secuestrado en Cuba. Liberado al día siguiente, no participa en la carrera de La Habana.

6 de Julio de 1958: Finaliza en el cuarto lugar del Gran Premio de Francia, después de haber largado, por primera vez, desde la tercera fila. Durante la competencia decide dejar de competir.

13 de Agosto de 1969: Es la cabeza visible de la Misión Argentina, un operativo con tres Torinos 380W y nueve pilotos, compitió en las 84 horas de Nürburgring, logrando un cuarto puesto.

15 de Febrero de 1972: Se inaugura el autódromo "Juan Manuel Fangio" de Balcarce, en su honor, en una carrera de Sport-Prototipo internacional.

25 de Mayo de 1973: Junto a otros grandes del automovilismo nacional, entre los que se destaca Oscar Alfredo Gálvez, disputa una prueba-exhibición en el Autódromo de Buenos Aires, la "Carrera del Recuerdo".

1974: Es nombrado presidente honorario de Mercedes-Benz Argentina, cargo que desempeña hasta su muerte.

4 de Diciembre de 1981: Sufre un grave ataque cardíaco, en Dubai, Emiratos Árabes Unidos.

8 de Diciembre de 1982: Es sometido a una operación de quíntuple By-Pass, realizada por René Favaloro.

22 de Noviembre de 1986: Se inaugura el Centro Tecnológico y Cultural Museo del Automovilismo "Juan Manuel Fangio" en Balcarce, hoy el más visitado de Sudamérica, con cerca de 100.000 visitantes al año.

11 de Junio de 1991: Cumple 80 años y se lo celebra con una magnífica fiesta: una cena en Buenos Aires y una carrera de Turismo de Carretera, ganada por Oscar Castellano, en Balcarce, coronada con una paella para 400 personas-

29 de Diciembre de 1993: Es internado a causa de una hipercalcemia en la sangre, provocada por una complicación en el tratamiento de diálisis.

17 de Julio de 1995: A la edad de 84 años, fallece en Buenos Aires. A su funeral asisten los mas grandes corredores de la historia.

- NUESTRO MAR -

2011-07-17T12:27:00.003-03:00

‎16 de Julio

Día de los Intereses Argentinos en el Mar

Hoy, 16 de julio, celebramos en nuestro país el “Día de los Intereses Argentinos en el Mar”.

Dicha celebración fue instituida por la Ley 25860, promulgada el 4 de diciembre de 2003, en homenaje al nacimiento del Almirante Segundo R. STORNI, ocurrido en Tucumán un 16 de Julio del año 1876.

Muchas son las razones que avalan la elección de esta fecha. Fue Storni quien primero llamó la atención de nuestra sociedad y de nuestras autoridades sobre la necesidad de considerar las cuestiones del mar y de la actividad naviera en su conjunto, como Políticas de Estado. Fue el mismo Storni quien ya en 1911 escribía sobre el “Mar Territorial”, concepto que se vio concretado 70 años más tarde y aprobado por la comunidad internacional.

En las conferencias que dictaba en el Centro Naval a principios del siglo XX y que fueran publicadas en 1916, el almirante se preguntaba, despertando inquietudes que aún hoy merecen reflexiones en muchos sectores:

¿Qué importancia, qué alcance, qué lineamientos debemos dar a nuestra actividad marítima?

¿Es que hemos de permanecer enclavados en la tierra, para arrancarle sus frutos, y esperar que otros los transporten, que otros nos comuniquen con el mundo, que otros vengan hasta imponernos la ley?

¿O ha de ocupar la Argentina su parte de dominio y de usufructo en esa gran vía de la civilización que se llama mar?

Se quejaba Storni por no poder determinar cuál era el organismo administrativo del Estado Argentino, “especializado y eficiente, cuya misión comprenda el estudio continuo de la marina mercante y su fomento”.

Y por la falta de un organismo orientado a los asuntos de la pesca ya que “aunque los peces sean tan animales como las vacas, puedo afirmar que las pesquerías y la piscicultura no tienen absolutamente nada que ver con la ganadería”

Es indudable la importancia de la temprana y preclara contribución de Segundo Storni en la orientación del pensamiento de sus conciudadanos, alertándolos sobre el valor lo que ahora llamamos Intereses Marítimos.

Sus ideas aún perduran con empecinada actualidad y es un acto de justicia que la Nación lo recuerde en el día de su nacimiento, haciendo una pausa para recordar a los Intereses Argentinos en el Mar.

- CABILDO -

2011-07-17T12:27:00.001-03:00

‎16 de Julio de 1725

Construcción del Cabildo

Desde la fundación de Buenos Aires, en 1580, se había asignado un espacio frente a la plaza para la construcción del Cabildo, institución española que permitía a cada ciudad poseer un órgano de deliberación con la participación de algunos vecinos. Hasta principios del siglo XVII, el Cabildo funcionó dentro del Fuerte (hoy Casa de Gobierno).

En 1607 se levantó un primer edificio, que sufrió distintas modificaciones a lo largo del siglo: un balcón y dos torres. Éstas debieron, al ser sumamente precarias, demolidas en 1698.

Finalmente, luego de varios intentos de reparaciones, todo el edificio fue derribado. Para la construcción del nuevo Cabildo se convocó al arquitecto italiano Andrés Blanqui (o Bianchi), quien tuvo varias intervenciones en las obras que se hicieron entonces.

Hacia 1724, se le encargó la proyección del edificio, que tenía 60 metros de largo, dos plantas, recovas y balcones. Los trabajos comenzaron en julio de 1725.

El Cabildo fue habilitado en 1734 y terminado en 1751. La torre se realizó en 1764 y un año más tarde se le incorporó un inmenso reloj.

El Museo Histórico Nacional del Cabildo y de la Revolución de Mayo tiene como sede el edificio donde funcionó el Cabildo de la ciudad de la Trinidad y Puerto de Santa María de Buenos Aires, capital del Virreinato del Río de la Plata a partir de 1776. Declarado Monumento Histórico Nacional en 1933, actualmente ocupa el mismo solar que le asignó don Juan de Garay al fundar la ciudad en 1580.

El edificio y sus colecciones conforman un único patrimonio, que evoca aquellos hechos históricos y políticos que forjaron nuestra identidad como país: los cabildos y sus funciones institucionales, la reconquista y defensa de la ciudad durante las invasiones inglesas en 1806-1807, la Revolución de Mayo y la Primera Junta de Gobierno en 1810.

- CADICAMO -

2011-07-17T12:23:00.002-03:00

Enrique Cadícamo

Enrique Domingo Cadicamo, nació en Luján, el 15 de julio de 1900 y falleció un3 de diciembre de 1999.
Poeta y escritor argentino, autor de la letra de numerosos tangos muy famosos. Fue criado en el barrio porteño de Floresta, su nombre completo era Enrique Domingo Cadícamo y utilizó también los seudónimos Rosendo Luna y Yino Luzzi.

Nació en Luján, Provincia de Buenos Aires. Su primer libro de versos, “Canciones grises”, data de 1926. Aunque puesto bajo la advocación del Alighieri e impregnado de cierta melancolía verlainiana, no se exime de la nota tanguera: «El Pigall ha quedado desierto y bostezando, / enmudeció la orquesta sus salmos compadrones, / las rameras cansadas se retiran pensando / en sus lechos helados como sus corazones». Otros dos poemarios, de acento muy distinto pero de idéntica preocupación literaria, seguirían a éste: “La luna del bajo fondo” (1940) y “Viento que lleva y trae” (1945). Cadícamo ha publicado, además, una novela, “Café de camareras” (1969) y un libro de recuerdos, “El desconocido Juan Carlos Cobián” (1972).

«Muchacho eterno —escribió León Benarós—, Cadícamo parece ir a contramano de los años. Conserva incólume su cabellera, de un rubio pálido, que se le hace cuadrada en la nuca con cierta abundancia a la moda juvenil... Usa corbatas claras —alguna vez le vimos una de cierto color amarillo sutil— y sus sacos deportivos le agregan juventud. Quiere olvidarse del tiempo, porque sabe que el tiempo —“oscuro enemigo que nos roe la sangre”, según el verso de Baudelaire—, se alimenta de nuestras ilusiones, de nuestra vida...»

El primer tango de Cadícamo fue “Pompas de jabón”, con música de Roberto Goyheneche. Dice, al respecto, el especialista Jorge Favetto: «Grabado por Gardel en España, el 27 de diciembre de 1925, con el solo acompañamiento de José Ricardo y en sistema eléctrico, dado que en ese país se conoció ese sistema meses antes de instalarse en Buenos Aires. Primer tango que Gardel le grabó al poeta Enrique Cadícamo y principio de sus notables creaciones. Además le cupo a Enrique Cadícamo ser el autor del último tango que Gardel grabó en la Argentina, antes de emprender su última gira, el tango “Madame Ivonne”, grabado el 6 de noviembre de 1933. Luego, el día 7, a bordo del Conte Biancamano, se dirige a Francia y de allí a Nueva York, ciudad a la que llega el 22 de diciembre de 1933».

A éste siguieron otros innumerables tangos —por lo menos 20 de ellos grabados por Gardel—, de méritos desiguales, pero sin concesión alguna a lo torpe y chabacano. En la tanguístíca de Cadícamo se encontrarán obras tan logradas como “Che papusa, oí” y “Anclao en París” y otras decididamente endebles como “Tu promesa” y “Al subir, al bajar” Sin embargo, toda la producción se distingue por un notable decoro literario, a continuación algunos ejemplos.

“Compadrón”, tiene letra escrita para una música previa del pianista Luis Visca y fue difundido por Sofía Bozán, que por entonces realizaba una temporada en Rosario. “Che papusa, oí” data de 1927. Recuerda Víctor Soliño: «El primer disco de Alberto Vila no tenía que fallar. Sin embargo, las posibilidades de un impacto disminuyeron cuando Alberto expresó su deseo de que, como homenaje a los culpables de la aventura, su primer disco tenía que ser ateniense (se refiere a la Troupe Ateniense de Montevideo). Y eligió “Niño bien”.

«No estábamos convencidos de que “Niño bien” tuviera los valores o el empuje necesarios como para significar un aporte estimable al éxito que se pretendía. Pensamos que era preciso reforzarlo. Matos Rodríguez —otro troupero de los primeros años— estaba radicado definitivamente en Buenos Aires. Era ateniense y era, además, el autor de “La cumparsita”. ¡Casi nada¡ A él le solicitamos ayuda. “Che papusa, oí”, con letra de Cadícamo fue el salvavidas que cayó providencial en medio del oleaje en que se debatían nuestras inquietudes y nuestros temores.»

La letra de “Anclao en París” fue escrita por Cadícamo en Barcelona, en 1931. Se la remitió a Garlos Gardel, que por entonces se hallaba en Niza (en cuyo Casino había debutado el 15 de enero de aquel año). Guillermo Barbieri, uno de los guitarristas del cantor, le puso música y Gardel la grabó poco después.

“Tres esquinas” alude al cruce de las calles Montes de Oca y Osvaldo Cruz, en el barrio de Barracas, y al café llamado "Tres esquinas", luego "Cabo Fels", situado en ese paraje. La letra fue escrita por Cadícamo en 1940, para una música previa de Ángel D’Agostino (la del tango inédito titulado “Pobre piba”). Lo estrenó, aquel año, Ángel Vargas, quien cantaba con la orquesta de D’Agostino.

Otros tangos interesantes: “Muñeca brava”, con reminiscencias de algunos tangos de Celedonio Flores, escrita para una música de Luis Visca que había obtenido el 6º premio para tangos sin letra del 5º concurso de Max Glücksmann en 1928; “Cruz de palo”, grabada por Gardel el 1º de marzo de 1929; “De todo te olvidas”, que glosa unas famosas cuartetas de Evaristo Carriego —las tituladas “Tu secreto”, que integran los “Ofertorios galantes” de las “Misas herejes”— y obtuvo el 1º premio para tangos con letra en el 6º concurso de Max Glücksmann, realizado también en el Palace Theatre en 1929; “Niebla del Riachuelo”, cantada por Tita Merello en la película “La fuga”, de Luis Saslavsky, presentada en el cine Monumental el 28 de julio de 1937; “Pa’ que bailen los muchachos” y el monumental “Los mareados”, sobre música del tango “Los dopados”, de Juan Carlos Cobián y “Garúa”, estos últimos tres, grabados por Aníbal Troilo con la voz de Francisco Fiorentino.

Y así, podríamos seguir comentando títulos exitosos hasta extenuarnos en ese cometido. Sin dudas, Enrique Cadícamo fue uno de los autores más prolíficos de nuestra música popular.

Muchas de sus letras fueron cantadas por Carlos Gardel, con quien tuvo varios encuentros en París, el primero de ellos en enero de 1929.

- CENTURION -

2011-07-17T12:23:00.001-03:00

Emilio Centurión

Pintor. Nació en Bs. As. el 14 de julio de 1894; m. en la misma ciudad el 26 de diciembre de 1970.

A la edad de 16 años comienza su formación plástica con el maestro Gino Moretti que completará y profundizará posteriormente en repetidos viajes de estudio por Europa y Sudamérica.

Ejerció la docencia activamente en la Escuela Nacional de Bellas Artes Manuel Belgrano, Prilidiano Pueyrredón, de la Cárcova y la de la Universidad Nacional de la Pampa.

Situado en su juventud en la concepción tradicional de la pintura, evolucionó en su madurez, hacia una fragmentación de los elementos naturales y del color en planos que recuerda a la visión cubista.

Su labor, fecunda y meritoria, ha promovido su nombre en todas las esferas del arte. "La venus criolla" es una obra que enorgullece el patrimonio del Museo Nacional de Bellas Artes y promueve la visión más conocida de este pintor en el ámbito de nuestro país. Su ecléctico temperamento lo llevó a cultivar distintos géneros pictóricos como las figuras, las composiciones de caballete y las decoraciones murales como las de la Secretaría de Hacienda de la Nación, de la Caja Nacional de Ahorro Postal, entre otras.

Interviene en la exposición de Arte Moderno de Milán (1926), en la exposición Internacional de Venecia y en la del Instituto Carneggie de Pitsbourg (1932), en la exposición Pintura Argentina en Roma, Milán y Génova (1933), en la exposición Internacional de París (1939) y en la de Nueva York, San Francisco y Viña del Mar (Chile), y en el River Side Museum de Nueva York (1940).

Entre las principales recompensas obtenidas podemos citar:
Premio Estímulo del Salón Nacional (1915), Primer Premio Salón Nacional (1920), Primer Premio Municipal (1934), Gran Premio Adquisición del Salón Nacional (1935), entre muchos otros.

Ha sido y es sin duda Emilio Centurión, uno de los creadores más representativos de nuestro quehacer artístico.

- DEMARE -

2011-07-17T12:17:00.002-03:00

Lucas Demare (1910-1981)

Nacio en Buenos Aires el 14 de julio de 1910 fue un director, guionista y productor cinematográfico argentino. Escribió y dirigió películas como La Guerra Gaucha, El cura gaucho (1941), La calle grita (1948), Mi noche triste (1951), Zafra (1958) y La boda (1964). Su último trabajo como director fue en Hombres de mar en 1977.

Como productor participó en importantes filmes como El muerto falta a la cita (1944) de Pierre Chenal, Donde mueren las palabras (1946) de Hugo Fregonese, La pícara Cenicienta (1951) de Francisco Mugica y La guerra del cerdo (1975) de Leopoldo Torre Nilsson.

Fallecio en Buenos Aires el 6 de septiembre de 1981

- QUINQUELA -

2011-07-17T12:17:00.001-03:00

- PINTANDO LA BOCA -

Benito Quinquela Martín

Nació un 1 de marzo de 1890 en Buenos Aires, Argentina. Fue abandonado por sus padres y pasó sus primeros seis años de vida en un orfanato hasta que fue adoptado.

A los 14 años comenzó a trabajar en la carbonería de su padrastro mientras concurría a una modesta academia nocturna de dibujo del barrio de la Boca. Tras abandonar sus estudios primarios, ingresó a una academia de su barrio donde realizó cursos de pintura y comenzó a hacer retratos para la gente del barrio hasta decidir dedicarse a pintar temas portuarios.

Comenzó con sus exposiciones de arte en 1918 y en 1920 obtuvo el Segundo Premio del Salón Nacional.

Fue elegido para que decorara la escuela-museo Pedro de Mendoza en el barrio de La Boca, y asumió distintos encargos para el Ministerio de Obras Públicas, como la decoración de un mural del ferrocarril suburbano de Buenos Aires. Durante su carrera realizó exposiciones en Río de Janeiro, Madrid, París, Nueva York y La Habana.

Sus pinturas de escenas portuarias reflejan una fuerte expresión de actividad, de vigor y de aspereza como muestra de la vida en la zona de la Boca. También pintó numerosos murales y cerámicas de grandes dimensiones en edificios públicos, oficiales y en instituciones privadas. En 1938 inauguró el Museo de Bellas Artes de la Boca en el mismo edificio donde tenía su taller y su vivienda.

Entre sus obras se destacan: Tormenta en el Astillero (Museo de Luxemburgo, París), Puente de la Boca (Palacio Saint James, Londres) y Crepúsculo en el astillero (Museo de Bellas Artes Pedro de Mendoza).

Quinquela Martín se convirtió en filántropo, donando al barrio y a la ciudad una serie de obras.

Benito Quinquela Martín, fue el pintor del Riachuelo por excelencia, y el más popular de los pintores argentinos. Su obra figura en los mejores museos de arte de Europa y América y ha sido uno de los fundadores de la pintura con motivos de nuestra ciudad.

Fallece en Buenos Aires el 28 de Enero de 1977 a la edad de ochenta y siete años.

Sus oleos boquenses, sus trazos irrepetibles e inimitables y su particular impronta plástica sumamente expresiva, reconocen a uno de los grandes maestros nacionales de pintura.

Ricardo A. Carrasquet

- TELECOMUNICACIONES -

2011-07-17T12:12:00.003-03:00

Día Nacional de las Telecomunicaciones

13/07/1992

El desarrollo de las comunicaciones contribuye al crecimiento de las naciones y aplica los adelantos tecnológicos más modernos a la comunicación entre los individuos, el acercamiento de los pueblos, y el intercambio cultural y comercial. Por ello, el Presidente de la Nación decreta que se declare al día 13 de julio "Día Nacional de las Telecomunicaciones." (Decreto N* 2479, firmado el 21 de diciembre de 1992)

La telefonía cooperativa surgió- en nuestro país a mediados del año 1959 con el fin de remediar -mediante organizaciones basadas en principios económico-sociales de solidaridad e integradas por individuos conscientes de y comprometidos con las necesidades específicas de cada región-- la acuciante falta de servicios telefónicos en la mayoría de las provincias. A raíz del éxito obtenido por este audaz emprendimiento, el 25 de julio de 1965 se fundó la Federación de Cooperativas de Comunicaciones Limitada (FECOTEL), que cuenta actualmente con 256 cooperativas afiliadas y un total de 250.000 usuarios, y cuyo radio de acción abarca la totalidad del territorio argentino.

Aunque son varias las particularidades que distinguen a las cooperativas telefónicas de las empresas multinacionales que prestan sus servicios en los grandes centros de población, tal vez la diferencia más importante radique en el hecho de que mediante este sistema innovador e incluso revolucionario son los usuarios-socios quienes ejercen la administración general, controlan las gestiones empresariales y destinan los excedentes de las ganancias al financiamiento de mejoras tecnológicas en los servicios.

A raíz de la iniciativa y el destacado papel desempeñado por el sector cooperativo -el que se responsabilizó de instalar redes telefónicas en aquellos lugares del país a los que no llegaba la antigua empresa estatal-, el gobierno nacional otorgó, en julio de 1992, licencias extendidas especialmente a estas entidades que les permitieron desde entonces prestar sus servicios en régimen de exclusividad.

- ESTRADA -

2011-07-17T12:12:00.001-03:00

José Manuel Estrada

Orador, escritor, periodista y educador

(13 de julio de 1842 - 17 de septiembre de 1894)

Nació en Buenos Aires el 13 de julio de 1842 y fue un destacado intelectual de la segunda mitad del siglo XIX, además de ser uno de los más eminentes oradores de nuestro país en esos años. Fue historiador, de formación autodidacta, católico combativo, periodista y político encumbrado.

Estrada quedó huérfano a muy temprana edad, y de su educación se hizo cargo su abuela, Carmen de Liniers. En su educación formal aprendió filosofía, teología, religión y humanidades. A través de esta enseñanza, Estrada se formó como un férreo católico, al punto que sería la defensa de este dogma la que lo llevaría a destacar como político.

En 1858, al finalizar sus estudios primarios, recibió un premio en el concurso de historia del Liceo Literario, por su obra relativa al descubrimiento de América. Este estímulo hizo que orientara su formación autodidacta a los asuntos históricos, que luego lo convertiría en uno de los más destacados historiadores argentinos. Por esa época, además, Estrada comienza su actividad como periodista, como redactor de La Guirnalda, Las Novedades y La Paz.

Incorporada Buenos Aires a la Confederación, adhirió a la Constitución Nacional, y publicó el opúsculo Signun Foederis (El signo de la Confederación), que se convirtió en su profesión de fe religiosa, nacional y política. En 1861, publicó El génesis de nuestra raza, una obra polémica en la que replicaba al profesor Gustavo Minelli, quien había levantado banderas anticatólicas. Al año siguiente publicó otra réplica, llamada El catolicismo y la democracia en la que respondía a Francisco Bilbao, quien sostenía la incompatibilidad de la democracia y la religión.

En 1865, presentó su primera obra decididamente histórica (Ensayo histórico sobre la revolución de los comuneros del Paraguay en el siglo XVIII), y comenzó a escribir la Historia de la Provincia de Misiones (obra que dejaría inconclusa). Un año después, en 1866, se inició en la docencia, en la Escuela Normal, donde desarrollaría unas muy famosas Lecciones sobre la Historia de la República Argentina, compiladas luego en un libro que publicó la Revista Argentina, y que es quizás el primero de la historiografía nacional. (La Revista Argentina era una creación suya).

Por entonces, Estrada gozaba ya de un profundo reconocimiento, a pesar de su juventud. Tanto, que Sarmiento lo nombró Secretario de Relaciones Exteriores, y le encargó la enseñanza de Instrucción Cívica en el Colegio Nacional, donde ya enseñaba filosofía. Poco después, en 1869, fue nombrado Jefe del Departamento General de Escuelas, cargo en el que permaneció sólo un año.
Comenzó su actividad política en 1871, cuando formó parte de la Convención Provincial Constituyente, encargada de redactar y sancionar la Constitución provincial de 1874. En 1873, fue elegido diputado por Buenos Aires. En ese año, además, fundó el periódico El Argentino, en el que publicaría varios estudios históricos.

En 1874, se hizo cargo de la Dirección de Escuelas Normales, y del Decanato de la recién creada Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad de Buenos Aires. Es de destacar este altísimo honor, teniendo en cuenta que Estrada no tenía título profesional alguno, pese a ser un intelectual de primer orden dentro del panorama del pensamiento argentino de la época.

Dictó, también, clases de Derecho Constitucional y Administrativo en la Facultad de Derecho. Algunos de estos cursos, sobre el sistema federal argentino, el régimen municipal o la libertad de sufragio, fueron magistrales. Las versiones taquigráficas de dichas clases fueron posteriormente compiladas en la obra Curso de Derecho Constitucional. Esta faceta de publicista, además de docente y buen orador, sería una de las más destacables de su actuación pública. Siendo Rector del Colegio Nacional (entre 1876 y 1888), Estrada pronunció discursos memorables.

A partir de 1880, debió ocuparse de asuntos que le merecían mayor atención. Transcurría la primera presidencia de Julio A. Roca, y en el país se vislumbraba una fuerte corriente de pensamiento anticatólico. Comenzó entonces una lucha publicística sin cuartel en defensa del catolicismo, desde el periodismo y desde la tribuna. Se discutía entonces la exclusión de la enseñanza católica de las escuelas, la ley de matrimonio civil y otra legislación que era considerada por los católicos como un atentado contra la Iglesia. Estrada fue elegido presidente de la Asociación Católica y fundó en 1882 el diario La Unión desde donde mantuvo una lucha constante contra los liberales.

Éstos conseguían triunfos, como la consagración de la enseñanza laica, sancionada por el Congreso Pedagógico de 1882 y tratada en la Cámara de Diputados de la Nación en julio de 1883. Estrada, mientras tanto, realizaba giras proselitistas por el interior, celebrando congresos católicos. En represalia, fue separado de todos sus cargos públicos, aunque no pudieron callarlo. En 1884, la Primera Asamblea de Católicos Argentinos tuvo una concurrencia excepcional y gestó una alianza política en defensa de las ideas católicas. Estrada fue elegido diputado nacional. En el Congreso, pronunció discursos llenos de vigor expositivo y que fueron centrales en varios debates, especialmente los que enmarcaron el tratamiento de la Ley de Matrimonio Civil, sancionada finalmente en 1888.

Luego de apoyar el gobierno de Juárez Celman, Estrada se incorporó a la Unión Cívica. En abril de 1890, mientras pronunciaba un discurso en el Frontón de Buenos Aires, sufrió una descompensación que le obligó a retirarse por un tiempo de la vida pública. La revolución radical de julio lo encontró en Rosario de la Frontera, donde se hallaba descansando y reponiéndose. De inmediato, viajó a Buenos Aires y tomó parte de las gestiones políticas que siguieron a la fallida revolución.

Posteriormente, comandando las fuerzas políticas católicas, apoyó la candidatura de Luis Saénz Peña, quién le ofreció el cargo de Ministro. Rehusó ese cargo, pero aceptó el de Ministro plenipotenciario en Paraguay, función en la que permanecería durante un año.

En septiembre de 1894, la enfermedad lo venció y falleció en la capital paraguaya. Murió en Asunción (Paraguay) el 17 de setiembre de 1894.

- FAVALORO -

2011-07-17T12:07:00.000-03:00

Día de la Medicina Social

Homenaje al Dr. René Favaloro

Día Nacional de la Medicina Social Fue instituido el 12 de Julio en homenaje a todos los médicos que se desempeñan en ese área, pero especialmente al fallecido cardiocirujano René Favaloro.

El Día Nacional de la Medicina Social fue instituido el 12 de Julio en homenaje a todos los médicos que se desempeñan en ese área, pero especialmente al fallecido cardiocirujano René Favaloro.

Favaloro nació en la ciudad de La Plata el 12 de julio de 1923. Provenía de una familia humilde, su padre fue carpintero ebanista y su madre modista.
En 1941, luego de finalizar sus estudios secundarios en el Colegio Nacional de la Universidad de La Plata, ingresó a la carrera de Medicina de esa prestigiosa Casa de Estudios.

Se graduó en 1948, y entre 1950 y 1962 ejerció su profesión como médico rural en el pueblo pampeano de Jacinto Aráuz.
Luego viajó a Cleveland, Ohio, donde se especializó en cirugía torácica; durante los 10 años que permaneció en Estados Unidos desarrolló el trabajo fundamental de su carrera médica: la cirugía directa de revascularización médica, conocida como by-pass.

De regreso al país, Favaloro realizó una importante tarea científica y docente, entre otras instituciones en las universidades de Buenos Aires, Córdoba, del Salvador y la Fundación Güemes. También desarrolló actividades académicas en universidades de Europa y Estados Unidos.

En 1975 creó la Fundación Favaloro y en 1993 el instituto universitario que también lleva su nombre. Como cirujano realizó miles de operaciones. Además de escribir gran cantidad de artículos científicos, publicó varios libros, como: Recuerdos de un Médico Rural y una biografía sobre San Martín.

El Dr. René Favaloro se suicidó el 29 de julio del año 2000 a los 77 años de edad. Según sus amigos y familiares cercanos, muy angustiado por las deudas económicas de la Fundación que presidía.
La comunidad médica y la población vivieron con gran conmoción la desaparición de uno de los científicos argentinos más destacados.

- TROILO -

2011-07-17T12:06:00.000-03:00

DIA NACIONAL DEL BANDONEON

ANIVERSARIO DEL NATALICIO

ANIBAL TROILO (1914-1975)

Troilo nació en Cabrera 2937, entre Anchorena y Laprida, es decir, en pleno barrio del Abasto pero se crió en Palermo. Su padre murió cuando "Pichuco" tenía 8 años y su vocación por el "fueye" despertó cuando todavía cursaba la escuela primaria.

Fue un tío llamado Juan Amendolaro quien le impartió las primeras nociones de ejecución de bandoneón. Y ya en 1926, con apenas 12 años, estaba tocando en un festival benéfico del Petit Colón, un cine de su barrio. Nunca más se bajó de las tablas.

Fue al tango, como instrumentista, lo que Carlos Gardel a su interpretación cantada. Ejecutante de bandoneón, justamente el instrumento símbolo del género, su apodo familiar de "Pichuco" trascendió a la sociedad y coexistió armoniosamente con el artístico de "El Bandoneón Mayor de Buenos Aires", según lo bautizara el poeta lunfardo Julián Centeya.

Varios factores contribuyeron a hacer de Troilo un mito viviente: su manera de tocar "hacía hablar" al bandoneón en los fraseos, del mismo modo que la trompeta de Louis Armstrong "enseñaba" a cantar jazz a sus contemporáneos.

Pero además, Troilo fue un melodista inigualable, cuyo talento para la composición quedó registrado en temas como los que escribió para letras de Homero Manzi ("Barrio de tango", "Sur", "Discepolín", "Che Bandoneón"), o de Cátulo Castillo ("María", "La última curda") o en su "Responso", a la muerte, justamente, de Homero Manzi, en 1951. Fue autor de 60 tangos. Todos inolvidables.

Sus músicos decían que llevaba al tango en la piel. Tocaba como bailaban los bailarines de antes, resbalando sobre el piso encerado. Eso no se lo enseñó nadie, porque eso no se aprende sino que se trae en el alma. Es necesaria una sensibilidad muy especial y Troilo la tenía, por eso fue lo que fue.

Sus sucesivas formaciones orquestales no sólo incorporaron a cantores insignes -Alberto Marino, Floreal Ruiz, Edmundo Rivero, Roberto Goyeneche, Elba Berón, Nelly Vázquez- sino a instrumentistas prestigiosos, auténticos paradigmas del género: los pianistas Orlando Goñi, José Basso, Carlos Figari y Osvaldo Berlingieri; los bandoneonistas Astor Piazzolla, Ernesto Baffa y Raúl Garello; los violinistas Hugo Baralis, Salvador Farace y Juan Alzina; el cellista José Bragato...Como siempre sucede, los artistas que logran aquerenciarse en el espíritu ciudadano son humildes de alma, desdeñan los oropeles del éxito y disfrutan el regocijo que sólo proporcionan "esas pequeñas cosas".

Remolón, parsimonioso, "fiaca" confeso, Troilo se volvía frenético cuando lo asaltaba la inspiración o cuando sus kilos de más y la jaula sobre sus rodillas conjugaban un solo cuerpo de pasión tanguera. La gente le tenía cariño, siempre lo reconoció; y él siempre decía: "Los que caminan al bardo, como yo, siempre quieren a los que les hacen bien". Al bardo, para él, era caminar sin ton ni son. Los que lo conocieron muy de cerca afirman que un hijo podría haberle cambiado la vida. Pero, no lo tuvo, siempre se jactó de su amor por la noche.

Un día, entró a una Iglesia y discutió con el párroco que pretendió darle un sermón. "El recién tenía treinta años y me quería enseñar a vivir a mí, justo a mí, que me pasé la vida en la calle, a los golpes con la vida, con la gente y conmigo mismo, porque yo siempre fui mi peor enemigo.

Pichuco fue el peor enemigo de Aníbal Troilo".Solía cerrar los ojos cuando tocaba y nunca supo explicar porqué. Si lo apuraban, decía que era porque, posiblemente, se sentía dentro de sí mismo. Era así, parecía que se dormía sobre el fueye. Los aplausos lo despertaban.

Entonces, comprendía que todo había sido en vano, que nunca había estado solo. Víctima de un derrame cerebral y de sucesivos paros cardíacos, Pichuco murió el 19 de mayo de 1975 en el Hospital Italiano, pero aún hoy su recuerdo promueve un reverencial sentimiento de porteñidad.

- FORNER -

2011-07-17T12:02:00.003-03:00

Raquel Forner

Raquel Forner (Buenos Aires, 1902 - Buenos Aires, 1988), fue una pintora, escultora y profesora de dibujo de nacionalidad argentina. Perteneciente al movimiento "Grupo Florida", ganó muchos premios entre ellos la medalla de oro en la Exposición Internacional de París en 1937. En el trayecto de su vida artística evoluciona de un naturalismo a un expresionismo muy personal.

Raquel Forner nace en Buenos Aires, Argentina, el 22 de abril de 1902. Su vocación artística nace con un viaje que hizo en compañía de sus padres, a la edad de 12 años, a España. Al regresar ya terminando sus estudios primarios en España, cursa sus estudios en la Academia Nacional de Bellas Artes en Buenos Aires y para el año 1922 obtiene el título de profesora de dibujo en esta Academia.

Después de recibir el tercer premio en el XIV Salón Nacional de Bellas Artes en Buenos Aires, con la obra "Mis vecinas" (1924), expone sus obras en importantes galerías de Argentina (1928).

Desde 1929 hasta 1931 asiste a las clases de el parisino Othon Friesz en la academia Escandinava (París), quien sería un gran influyente en su vida artística. Ya en 1932 junto con los pintores Alfredo Guttero, Pedro Domínguez Neira y el escultor Alfredo Bigatti funda los cursos Libres de Arte Plástico y en 1934 gana el segundo premio en el XXIV Salón Nacional de Bellas Artes.

En 1936 contrae nupcias con el escultor Alfredo Bigatti con quien había fundado los cursos Libres de Arte Plástico. Un año más tarde gana la medalla de Oro en la Exposición Internacional de París.

Impresionada por la Guerra Civil española empieza a realizar una serie de obras basadas en ella: "La victoria (1939)", "El drama" (1939-1946) y el "Éxodo" (1940) que en algunos momentos se acercan al surrealismo.2 Desde ese tiempo expresa en sus obras los males desencadenados en el mundo, además de dibujar seres mutantes y alienígenas.

Forner llegaría a exponer sus cuadros en importantes galerías y museos, entre ellos galerías y museos de Argentina, Alemania, París, Colombia, México, Estados Unidos, Canadá, Brasil, Suiza, Portugal, etc.

También recibió numerosos premios, como además de la medalla de oro en la Exposición Internacional de París (1937), el Primer premio Nacional de Pintura en el XXXII salón Nacional de Bellas Artes (1942), premio "Augusto Palanza" otorgado por la Academia Nacional de Bellas Artes (1947), "Gran Premio de Honor" en el XLV Salón Nacional de Bellas Artes (1956).

Luego de recibir diversos homenajes y su última Exposición personal en la Galería Giacomo Lo Bue, Córdoba, fallece en Buenos Aires el 10 de junio de 1988. Recibe ese mismo año una Exposición homenaje en el Museo de Arte Moderno en Buenos Aires. Aún luego de fallecer, sus obras son expuestas en reconocidos museos y galerías, además de ser galardonada por la Fundación Konex.

- CABRAL -

2011-07-17T12:02:00.001-03:00

FACUNDO CABRAL

Homenaje a Facundo Cabral asesinado en Guatemala.

- INDEPENDENCIA -

2011-07-17T11:57:00.003-03:00

‎9 de julio

Día de la Independencia

En 1816, luego del camino iniciado por la Revolución de Mayo en 1810, el país proclamó en un Congreso en Tucumán la existencia de una nación libre e independiente de la Corona Española, inaugurando el largo proceso de unificación nacional.

Luego de la Revolución del 25 de mayo de 1810, el camino hacia la independencia nacional estaba trazado: la ruptura de los lazos coloniales con España en 1810 no hicieron más que cristalizar un movimiento liberador que venía buscando, desde 1806, mayor participación política y económica de los criollos.

En 1810, América del Sur estaba dividida en dos bandos: los revolucionarios y, por otro lado, los leales al Consejo de Regencia, llamados “realistas”. Los revolucionarios buscaban más autonomía dentro del sistema colonial hasta que volviera el rey y muy pocos se inclinaban por la independencia al principio. Por eso las juntas se hicieron en nombre de Fernando VII, el rey preso.

Sin embargo, cuando los revolucionarios intentaron sumar a los realistas a su determinación, comenzaron las guerras entre ambos mandos, cuyo resultado sería la independencia de los dominios coloniales en América. España no intervino porque se encontraba ocupada por los franceses y luchando por su propia independencia. La guerra no tuvo un mando único, cada gobierno americano siguió sus propias decisiones.

En el Río de la Plata, la Banda Oriental –lo que hoy es Uruguay- y el Litoral empezaron a defender su autonomía y a desafiar la postura centralista de Buenos Aires. Es por ello que, en la Asamblea de 1813, otro importante antecedente de la independencia, los representantes orientales no fueron aceptados cuando se convocó a un congreso para organizar al Río de la Plata. En la Asamblea, la mayoría revolucionaria era partidaria de declarar la independencia. Sin embargo, no se animaron a dar ese paso, a causa de los acontecimientos que se daban en Europa.

En efecto, en 1814, el rey Fernando VII fue liberado justo después de que Rusia, Austria, Prusia, Suecia, Portugal, España y Gran Bretaña formaran una gran alianza que derrotó a Napoleón. Así, las monarquías absolutistas resultaron grandes ganadores y declararon que cualquier gobierno surgido de una revolución era ilegítimo.

Sin embargo, ya desde 1813 los revolucionarios estaban bien encaminados: Bolívar reconquistó Caracas e instaló la segunda república venezolana; los revolucionarios del Río de la Plata triunfaron en la batalla de Salta sobre los realistas. Y San Martín ya estaba formando el Ejército de los Andes, con el objetivo de liberar los territorios de Chile y Perú.

Por su parte, el enfrentamiento entre Buenos Aires y los seguidores de Artigas, máximo líder de la Banda Oriental, se agudizó: el Litoral y la Banda Oriental formaron la “Liga de los Pueblos Libres” y se separaron del resto de las Provincias Unidas del Río de la Plata. Por su parte, Paraguay, que había dejado de ser realista, se desvinculó completamente del resto y se mantuvo aislada.

A fines de 1815, la situación de los revolucionarios era desesperada. Venezuela y Colombia fueron reconquistadas por los realistas. Sólo el Río de la Plata seguía en pie, amenazado desde Chile y el Alto Perú. A nivel internacional, la situación era preocupante: Austria, Rusia y Prusia habían formado la Santa Alianza para defender a los absolutismos y apoyaban a Fernando VII en su búsqueda de recuperar su imperio.

En medio de esa gran emergencia, en 1816 las Provincias Unidas decidieron convocar a un nuevo congreso, que se reunió en Tucumán para decidir qué hacer. Todas las provincias de la Liga de los Pueblos Libres (Banda Oriental, Corrientes, Entre Ríos, Misiones y Santa Fe) no lograron participar del encuentro, ya que sus representantes fueron aprisionados por el Directorio unitario instalado en Buenos Aires. Una sola provincia de ideas federalistas pudo hacer llegar a sus representantes: Córdoba. Los territorios de la Patagonia, Comahue y el Gran Chaco se encontraban bajo el dominio de los llamados pueblos originarios. El Congreso se inició el 24 de marzo de 1816 con la presencia de 33 diputados, en una casa en San Miguel de Tucumán, alquilada a Francisca Bazán de Laguna, hoy Monumento Histórico Nacional.

Cabe destacar que, pese a una hegemonía de representantes de todas las provincias partidarias del centralismo porteño, el Congreso expresó en gran parte intenciones federales mantenidas por José de San Martín, Manuel Belgrano y Bernardo de Monteagudo. Luego de acaloradas discusiones, el Congreso del 9 de julio de 1816 proclamó la declaración de independencia argentina respecto de España y de toda otra dominación extranjera.

- ESNAOLA -

2011-07-17T11:57:00.001-03:00

Juan Pedro Esnaola

Juan Pedro Esnaola (Buenos Aires, 17 de septiembre de 1808 — †8 de julio de 1878), fue pianista, compositor y funcionario público argentino del siglo XIX.

Juan Pedro Esnaola inició sus estudios musicales de pequeño junto al presbítero José Antonio Picasarri, director musical de la Catedral de Buenos Aires y además tio de Esnaola. Las ideas férreamente monárquicas del tio, llevaron a ambos al exilio en Europa entre 1818 y 1822. Durante esos años, y todavía muy joven, Esnaola asistió al conservatorio de París, visitando también Madrid, Viena y Nápoles. Adquiere cierto reconocimiento como "niño prodigio" en la interpretación del Piano, pero también como compositor, ya que en 1822, a los 14 años, compone una colección de piezas para Piano.

En el transcurso de ese mismo año el presbítero tomó la iniciativa de fundar junto a su sobrino la Escuela de Música y Canto. Desde allí, Esnaola no dejó de estar ligado a la enseñanza, ya sea a través de clases particulares (entre sus alumnas figuraba Manuelita Rosas) o de instituciones públicas.

Salvo este exilio inicial, Juan Pedro Esnaola transitó durante sus casi setenta años de vida sin que los embates políticos le hicieran mella. Fue amigo personal de Juan Manuel de Rosas y de la hija de éste, Manuelita, pero con la caída de Rosas luego de la batalla de Caseros, continúa siendo reconocidó socialmente.
En 1858 es nombrado Jefe del Departamento de Escuelas por Sarmiento, y al poco tiempo actúa como Presidente de la Escuela de Música de la Provincia, fundada en 1875.

Como creador, su prolífera labor estuvo destinada a la música litúrgica, los conjuntos orquestales, las canciones y las piezas de salón. Su principal mérito radicó en que, sin escapar de la influencia de Rossini, imprimió en sus partituras características locales que constituyen un verdadero antecedente del nacionalismo musical argentino.

Entre 1847 y 1849, Esnaola hizo una primera versión del Himno Nacional Argentino -cuya música original se había extraviado entre el año 1872- sobre la base de lo que había escuchado en su juventud creo parte de la cancion que hoy escuchamos. Esta versión está hoy depositada en el Museo Histórico Nacional, en Buenos Aires, y formaba parte del álbum de música de su discípula Manuelita Rosas.

En 1860 efectúa una revisión que es declarada versión oficial por el gobierno argentino en 1928.

- FALU -

2011-07-07T11:38:00.001-03:00

Eduardo Falú

Eximio guitarrista argentino

Nació el 7 de julio de 1923 en El Galpón, provincia de Salta en la República Argentina. El Galpón es un pequeño pueblo, un antiguo lugar de carreteras hacia la provincia del Chaco, en el que Falú permaneció muy brevemente. Hijo de Juan
Falú y Fada Falú, ambos sirios de igual apellido pero no parientes.

"Mi padre -nos cuenta Falú- era bastante soñador. Nunca se enriqueció con su comercio. Andaba siempre con la Biblia, leía los versos en árabe, amaba la poesía. Aún percibo el olor de los lazos, cueros y quesos con que mi padre llenaba el carruaje donde viajábamos, resultado del trueque de las mercaderías rurales por productos regionales. Mi infancia - continúa en su relato - transcurre en el Departamento de Metán, allí tuve mi primer caballo, "El Potro". Al negocio de almacén cayeron un día, para la venta, unas guitarras. Entre ellas y los serruchos que colgaban se estableció, en los días de algún breve temblor de tierra, una especie de vibradora y temblorosa sinfonía, muy curiosa, que, a lo mejor, me introdujo en el mundo de la música…".

Atraído por esa curiosa sinfonía, a los 11 años ya tenía entre sus manos una guitarra, propiedad de
su hermano mayor, Alfredo. Alfredo tomba clases con un profesor y Eduardo lo copiaba al pie de la letra, y así, sacó sus primeros tonos.

"La guitarra en esos tiempos - nos dice Falú - era cosa mal vista y una carta blanca para la farra. Con ella, conocí un mundo corajudo, un verdadero sainete costumbrista, y entreví mi destino guitarrero".

A los catorce años se muda con su familia de Metán a Salta donde la guitarra lo termina de conquistar para siempre. En Salta conoce a Arturo Dávalos y poco después a Jaime Dávalos, autor
de innumerables poemas a los que Falú le pone música.

Se casa con doña Aída Nefer Fidélibus, a quien, cariñosamente, llama Nefer. La vida les da dos hijos: Eduardo y Juan José. Juan José, al igual que su padre, siente una gran afición por la guitarra y el canto.

De estatura sobresaliente, ojos verdes, tristones, inundados de esa nostalgia de árabe acriollado en una tierra que aprendió a amar, casi más que a sí mismo. De esa mirada que fluctúa entre la interrogación y el asombro, se desprende bondad y mansedumbre, y tal vez un dejo de altivez sin desafío, que deja al descubierto un alma verdaderamente límpida, frontal, sincera.

Falú escapa a todos los esquemas estereotipados de "bohemio", por el contrario, es un buen deportista al que le gusta nadar, cazar y volar. De ademanes serenos y reposados es, entre ajenos, un hombre serio, y entre amigos, de una cordialidad amistosa entrañable.

Es andariego, nostálgico, vehemente y ávido de saber. De fina intuición para adivinar la naturaleza y sentimientos de quienes lo rodean y elegir sus amistades con seguro instinto. A sus naturales cualidades, Falú ha sumado su disciplina, su responsabilidad, su cordura. Ha sabido ordenar el vuelo de su imaginación.

Su primera guitarra fue una de esas, como ya dijimos, que colgaba entre serruchos y cencerros y que sonaba con cada temblor del suelo salteño. Años más tarde la Antigua Casa Nuñez le hizo llegar una guitarra a Metán. De esa guitarra Falú nos cuenta: - "Al desembalarla y sentir el olor de la madera lustrada y al admirar el brillo que despedían su tapa, caja y clavija mecánico, me pareció ser el poseedor del instrumento más valioso del mundo".

Ya en Buenos Aires, conoce a un gran luthier, Francisco Estrada Gómez, buscador y creador de nuevas formas para lograr más volumen de sonido. La primera guitarra de doble fondo que él ideó y construyó, fue para Falú.

El propio Falú escribió: "Pocos instrumentos son capaces de expresar emoción, patetismo, alegría y todos los estados del alma con tanta fidelidad como la guitarra".

Eduardo Falú es un artista multifacético, aclamado de forma internacional, imposible de encasillar dentro de una sola idea. Es un refinado guitarrista, cantante consumado y un distinguido compositor. La calidad de su barítona voz, es admirada y amada en el mundo entero. Escucharlo, eleva y purifica.

La trayectoria artística de Eduardo Falú comieza en el ambiente familiar, más tarde se extiende a Buenos Aires, capital de la República Argentina, para luego conquistar y apasionar a los públicos más disímiles: América, Europa, Rusia, y Japón.

Como compositor, no sólo es el creador de obras modernas folclóricas, sino también de obras clásicas.

En su música se advierte una marcada influencia de las melodías de su provincial natal. Salta tiene ritmos propios: El Carnavalito, el Bailecito, la Cueca y algunos otros derivados de la combinación de la música india propia del lugar, y las melodías españolas que acompañaron a los conquistadores.

Si bien algunas de sus composiciones nos cuentan historias de los mineros bolivianos, los trabajadores en las zafras, los barqueros del Río Paraná, otras canciones nos relatan aspectos más universales de la humanidad: amor, muerte, soledad, coraje y la injusticia.

En el género épico de algunas de sus obras se refleja la herencia de viejas tradiciones. La música para el poema "Romance de la Muerte de Juan Lavalle", de Ernesto Sábato, refleja la lucha por la independencia.

En colaboración con Jorge Luis Borges (1899-1986) le da vida a "José Hernández" , -la pobreza del gaucho que habitaba las pampas argentinas.

Eduardo Falú ha creado música para más de un centenar de poemas, no sólo de Jorge Luis Borges y Jaime Dávalos, sino también de León Benarós, Manuel Castilla, Alberico Mansilla entre muchos otros.

- BALDOMERO -

2011-07-07T11:37:00.000-03:00

Baldomero Fernández Moreno

Baldomero Fernández Moreno (San Telmo, Buenos Aires, Argentina, 1886 − 1950) fue un poeta argentino y médico rural. Su poesía, universal y hondamente nacional al mismo tiempo, ha inmortalizado la estética de los barrios porteños y la cálida placidez de las provincias y sus características rurales.

Su soneto más recordado es «Setenta balcones y ninguna flor». Cabe mencionar también «Una estrella», «El poeta y la calle» y «La vaca muerta», o sus libros de poemas Versos de Negrita, Intermedio provinciano y Ciudad.

Baldomero Eugenio Otto Fernández Moreno nació el 15 de noviembre en Buenos Aires, Argentina, en 1886. Primero de cinco hermanos. Hijo de padres españoles, vivió unos años en España, donde estudió humanidades.nota 1 En 1899 regresó a la Argentina e inició un lento aprendizaje literario, a la vez que avanzó y concluyó sus estudios de medicina en 1912, profesión que ejerció como médico rural en Chascomús y en Catriló hasta 1924, a la vez que desarrolló su vocación poética. Fue colaborador en periódicos y revistas, obtuvo un premio nacional y otro municipal de poesía, y fue miembro de la Academia Argentina de Letras.

Fernández Moreno dio su propia versión de una poesía ciudadana y porteña; con su primer libro, Las iniciales del misal (1915), obra ya madura, señaló un alejamiento de las características más ostentosas del modernismo a favor de una lírica llana, realista, sin patetismo ni deleite metafórico, lo que se denominó sencillismo. Éste, logrado por la disciplina que se impuso, le dio un curioso aire clásico en la forma, y de modernidad en la inquietud espiritual que transmitía su contenido.

El sencillismo no puede ser entendido como un movimiento literario en el sentido tradicional del término, aun cuando otros escritores, como Alfredo Bufano, Pedro Herreros y Miguel Camino, hayan seguido y profundizado esta tendencia poética. En líneas generales, el sencillismo es una forma de observar y apreciar la realidad en las cosas cotidianas y sencillas, sustrayéndolas al intento de profundizar en aspectos abstractos y utilizando un lenguaje sin florilegios eruditos. La crítica literaria ha destacado el hallazgo por parte de Fernández Moreno de un camino auténtico y propio dentro de la poesía argentina, con una inflexión singular y espontánea.

Falleció el 7 de junio de 1950 en Buenos Aires, su ciudad natal, con 64 años y por un derrame cerebral.

La casa donde vivió, al sur del barrio Flores, aún se conserva, y una placa de bronce en el frente recuerda que allí vivió el poeta. También se ha bautizado con su nombre a una calle de esa zona de la ciudad.

- LARRETA -

2011-07-07T11:31:00.002-03:00

Enrique Larreta

Nació el 4 de marzo de 1875 en Buenos Aires. Cursó estudios de Derecho, aunque trabajó como profesor de historia. Fue embajador en París y ante la Exposición Iberoamericana de Sevilla de 1929.

Su obra más destacada, la inicia en 1896 con un relato situado en la Grecia clásica, Artemis. Su título más popular es, La glor ...ia de Don Ramiro (1908), historia sobre la España de Felipe II. Otras de sus obras son: La que buscaba Don Juan (1923), Zogoibi (1926), Tenía que suceder (1943), Orillas del Ebro (1949), Tres films (1951), Gerardo o la torre de las damas (1953) y En la pampa (1955).

Además escribió para el teatro: Pasión de Roma (1918), El linyera (1933), Santa María del Buen Aire (1936) y Jerónimo y su almohada (1946). Reunió sus sonetos en La calle de la vida y de la muerte (1941), además escribió un ensayo histórico, Las dos fundaciones de Buenos Aires (1936).

Fue miembro de la Academia Española e integró la Academia Argentina de Historia. Falleció el 6 de julio de 1961 en Buenos Aires.

- SANDRINI -

2011-07-07T11:31:00.001-03:00

Luis Sandrini

Aniversario de su muerte

El nombre completo de Luis Sandrini era Luis Santiago Sandrini Lagomarsino. Había nacido en Buenos Aires el 22 de febrero de 1905. Era hijo de un actor teatral que había decidido radicarse en San Pedro, provincia de Buenos Aires.

Se recibe de maestro, aunque nunca llegará a ejercer. A los 18 años vuelve a la Capital y se integra al staff de Circo Rinaldi, donde fue comparsa, payaso y tony. El salto de la arena al teatro era inevitable, pasando a revistar en la compañía de Enrique Muiño y Elías Alippi, donde en 1933 compone al Eusebio de "Los tres berretines", que habría de consagrarlo. el mismo año hizo "El hijo de papá".

Comenzó -como muchos actores nacionales- en el circo criollo, participando en obras gauchescas. Más tarde lo hizo en teatros. En 1933 participó en la primera película hablada, estrenada y hecha en el país: "Tango" (de Moglia Barth), junto a Juan D' Arienzo, Juan de Dios Filiberto, Pepe Arias, Alberto Gómez, Libertad Lamarque y Tita Merello. El personaje que compone en esa cinta es el paradigma que -con algunos toques más o menos finos-, realizó a lo largo de su vida.

Ese tipo, un muchacho buenote, falto de malicia aunque no de picardía para hacer valer las buenas causas, se llamaba -con las variaciones del caso- Felipe. "Todos mis personajes se me parecen porque fuí y soy como ellos y, sobre todo, porque mi público era y es así", dijo alguna vez. El día en que anunció que archivaba para siempre el personaje de Felipe explicó que lo hacía porque en el mundo se había dejado de apreciar "el gran valor de las pequeñas cosas".

En 1934 interviene en "Riachuelo", un año después "La muchachada de a bordo" (con Tito Lusiardo y Benita Puertolas). En 1936 filma "Loco lindo" con Sofía Bozán, "Don Quijote del altillo" con Nury Montsé y "El cañonero de Giles", con Luisa Vehil. Después de "La casa de Quirós" (1937), de Moglia Barth, Sandrini -que se había casado con la actriz Chela Cordero- no se olvida de uno de sus maestros y produce "Callejón sin salida" en el mismo año, film que marca el debut de Elías Alippi en la realización cinematográfica. De allí en más no paró de actuar.

Trabajando con todos los actores y directores de renombre de la época. Un hito singular en su carrera fue "Chingolo" (1940), primer obra de importancia en la filmografía de Lucas Demare -quien marcó una primera etapa fundamental- en la evolución de Cachuso-Sandrini-Berretín.

En 1946 vive un fogoso amor con Tita Merello que duró diez años, incursionaron en el cine mexicano y vivieron dos años en ese país. En 1948 regresan y protagonizan juntos "Don Juan Tenorio" y "Juan Globo", ambas de 1948. En la década del '50 trabaja junto a Malvina Pastorino, quien será la última mujer de Sandrini, actúan en la obra de teatro "Cuando los duendes cazan perdices" y en la película "Payaso".

En 1962 integró el elenco multiestelar de "La cigarra no es un bicho", de Daniel Tinayre, encarnando el personaje de "Serafín". En la década del '70 empezó una saga de films, empezando por "El profesor hippie" (1969), "El profesor patagónico" y "El profesor tirabombas". Luego vendrán los clásicos de Enrique Carrera como "Los chicos crecen" (1974) y "Así es la vida" (1976).

Filmó casi ochenta películas. Sus últimas películas fueron dirigidas por Ramón "Palito" Ortega: "El diablo metió la cola", con Niní Marshall y "La familia está de fiesta". Cuando concluye la filmación de "Que linda es mi familia", empieza una agonía de 16 días que acaba con su vida.

Sus films obtuvieron reconocimiento internacional, especialmente en España y las comunidades de habla hispana en EE.UU. En sus últimos años de vida, Sandrini se dedicó a la carpintería y a su familia.

Murió un 5 de julio de 1980.

- PIAZZOLLA -

2011-07-07T11:25:00.001-03:00

ASTOR PIAZZOLLA

19 AÑOS SIN ASTOR

La música de Astor Piazzolla es sin dudas una de las mayores expresiones artísticas que la Argentina ya dió al mundo. Incorporando al tango un poco dejazz y un poco de música clásica, Piazzolla alcanzó un resultado formidable y a la vez innovador, sofisticando ese ritmo porteño y revolucionand o sus conceptos.

Astor Pantaleón Piazzolla, nacido el 11 de marzo de 1921 en la ciudad de Mar del Plata, pasó la infancia entre Buenos Aires y Nueva York - más en la segunda ciudad que en la primera. Empezó a estudiar música a los 9 años en los Estados Unidos, dando continuidad en Buenos Aires y en Europa.

En 1935 tuvo un encuentro casi místico con Carlos Gardel, al participar como extra en el film El Día que me Quieras.
Su carrera comienza verdaderamente al participar como bandeonista en la orquesta de Aníbal Troilo. En 1952 gana una beca del gobierno francés para estudiar con Nadia Boulanger, quien lo incentivó a seguir su propio estilo.

En 1955 Astor vuelve a casa y forma el Octeto Buenos Aires. Su seleccionado de músicos - en un experiencia similar a la jazzística norteamericana de Gerry Mulligan - termina por delinear arreglos atrevidos y timbres poco habituales para el tango, como la introducción de la guitarra eléctrica.

La presencia de Astor generó de entrada resquemores, envidia y admiración entre la comunidad tanguera. En los años '60 Piazzolla debió salir a defender a golpes de puño su música, avasallada por las fuertes críticas. La controversia iba a propósito de si su música era tango o no, a tal punto que Astor tuvo que llamarla "música contemporánea de la ciudad de Buenos Aires". Pero no era sólo eso: Astor provocaba a todos con su vestimenta informal, con su pose para tocar el bandoneón (actuaba de pie, frente a la tradición de ceñirse al fueye sentado) y con sus declaraciones que sonaban a reto.

La formación de la primera parte de los 60 fue, básicamente, el quinteto. Su público estuvo integrado por universitarios, jóvenes y el sector intelectual, si bien estaba lejos de ser masivo. Astor ya tenía fama de duro y bravo, de peleador, estaba en pleno período creativo y se rodeó de los mejores músicos.

Con Adiós Nonino, Decarísimo y Muerte de un Ángel comenzó a elaborar un camino de éxito que tendría picos en su concierto en el Philarmonic Hall de Nueva York y en la musicalización de poemas de Jorge Luis Borges.

En sus últimos años, Piazzolla prefirió presentarse en conciertos como solista acompañado por una orquesta sinfónica con alguna que otra presentación con su quinteto. Es así que recorrió el mundo y fue ampliando la magnitud de su público en cada continente por el bien y la gloria de la música de Buenos Aires.

Astor Piazzolla falleció en Buenos Aires el 4 de julio de 1992, pero dejó como legado su inestimable obra - que abarca unos cincuenta discos - y la enorme influencia de su estilo. En realidad, la producción cultural sobre Piazzolla parece no tener fin: se esparce al cine y al teatro, es constantemente reeditada por las discográficas y cobra vida en la Fundación Piazzolla, liderada por su viuda, Laura Escalada.Ver más

- LOCUTOR -

2011-07-07T11:24:00.000-03:00

DIA DEL LOCUTOR

La Sociedad Argentina de Locutores nace un 3 de Julio de 1943. En 1950, un Congreso Nacional de Locutores instituyó al 3 de Julio como Día del Locutor, en recordación de la fecha fundacional de la institución.

Aquel 3 de Julio, veintiún locutores “trasnochadores” se reunieron en las primeras horas de ese día en el edificio de Corrientes 830, Capital Federal, donde funcionaba la redacción de la desaparecida Revista Antena y fundaron la SAL.

Raúl ARMAGNO COSENTINO, Ricardo BERUTTI, Eduardo BESNARD, Ricardo BRUNI, Roberto CANO, Pedro DEL OLMO, Juan Bernabé FERREYRA, Carlos FONTANA, Carlos FORESTI, Roberto GALAN, Juan Carlos GRASSI, Jorge Homar DEL RIO, Carlos IGLESIAS, Roberto LAFONT, Milton LIMA MANSILLA, Rodolfo LOPEZ ERVILHA, Jaime MAS, Juan MONTI, Alberto RIAL, Rodolfo TORWILL y Pedro VALDEZ, fueron los locutores que sentaron las bases de la entidad y designaron una Junta Directiva Provisoria que tuvo como Presidente a Pedro del Olmo (LR4) y como Secretario a Roberto Galán (LR1).

Para afrontar los primeros gastos, cada uno de los presentes aportó un peso moneda nacional. A las 4,15 de la madrugada terminó la sesión...y si bien la crónica no lo dice, sospechamos que durante o después de la Asamblea, los presentes se hicieron una escapadita a la pizzería Las Cuartetas que funcionaba en la planta baja del edificio, para reponer energías con una porción de pizza con fainá y un buen semillón o moscato.

Este recuerdo a todos los excelente locutores argentinos, algunos entrañables y emblemáticos compañeros de trabajo que ya no están en éste mundo como: Ricardo Jurado y Leopoldo Costa, entre otros y algunos más jóvenes que siguen en la profesión como los amigos Ricardo Brabante, Luis Garibotti y Ricardo Martínez Puente.

Feliz Día del Locutor!

Ricardo A. Carrasquet

- ROXLO -

2011-07-07T11:18:00.001-03:00

Conrado Nalé Roxlo

Conrado Nalé Roxlo nace en la Ciudad de Buenos Aires un 15 de febrero de 1898 y fallece en l misma un día como hoy, 2 de julio de 1971.
Es escritor, periodista, guionista y humorista.

Segundo hijo de uruguayos de ascendencia francesa y española, vivió en el barrio porteño de Caballito, frente al Parque Rivadavia. De formación autodidacta, su primer libro de versos, El grillo, fue premiado en 1923. El segundo, Claro desvelo, fue publicado por la editorial Sur en 1937 y reimpreso por Losada en 1942.

Cultivó todos los géneros con un amplio registro que, en su poesía, va desde la ternura y el humor en El grillo hasta la melancolía y la reflexión en Claro desvelo y De otro cielo. Sus dramas recrean poéticamente argumentos de origen legendario como en La cola de la sirena, El pacto de Cristina y Judith y las rosas.

Muchos de sus poemas fueron traducidos al inglés, francés e italiano. De otro cielo, (1952) constituye su tercer acercamiento a la lírica. En 1967 apareció su Poesía completa.

En 1941 representó en Buenos Aires su primera obra teatral, La cola de la sirena, que fue premiada e impresa tres veces. También ganó un premio su farsa Una viuda difícil, estrenada en 1944. El pacto de Cristina, otra pieza teatral, también fue galardonada. Otras piezas fueron El neblí, Reeencuentro y Holofernes y las rosas.

Escribió además un hilarante libro de pastiches literarios en prosa y verso de escritores españoles, americanos y europeos, Antología apócrifa (1943). Con los seudónimos de Chamico y Alguien, publicó en diarios y revistas regularmente cuentos humorísticos por espacio de veinte años, que reunió en colecciones: Cuentos de Chamico (1941), El muerto profesional (1943), Cuentos de cabecera (1946), La medicina vista de reojo, Mi pueblo (1953), Sumarios policiales.

Ha escrito guiones cinematográficos, como Historia de una carta (1957), Loco lindo (1936), Madame Sans Gene (1945) Una novia en apuros (1942) Una viuda difícil (1957) y ¡Delirio! (1941).1

Fue también conferenciante y dirigió el semanario humorístico Don Goyo y el semanario satírico para médicos Esculapión. Las puertas del purgatorio fue Premio Nacional de 1955 y El cuervo del arca fue Premio Nacional de Teatro de 1945. También es autor de la novela Extraño accidente (1960).

Cultivó la literatura infantil, donde logró obras maestras como La escuela de las hadas. También dirigió el suplemento literario del diario Crítica. Junto con M. Mármol escribió las biografías de Amadeo Villar (1963) y Alfonsina Storni (1965).

Perteneció a la comisión directiva de la Sociedad Argentina de Escritores.

Amigo fraterno de Roberto Arlt, se casó con Teresa de la Fuente en 1925 y tuvieron una hija.

Al cumplirse el centenario de su nacimiento, el 1 de abril de 1998 la escritora María Esther Vázquez escribió en La Nación de Buenos Aires:

«Su obra poética comprende sólo tres libros: El grillo, Claro desvelo y De otro cielo. Y, sin embargo, hoy que la poesía sufre el vacío de un tiempo aparentemente sin destino, los versos de Nalé Roxlo vuelven a la memoria como un resplandor en el crepúsculo: "Va la sirena muerta por el río / con una flecha al corazón clavada, / y desde la ribera desolada / mis lágrimas la siguen por el río. / Mía no fue, pero fue un sueño mío. / ¿Quién la devuelve al mar asesinada? / ¿Por qué pasa ante mí, muerta y dorada? / ¿Dónde perdió su corazón y el mío? / ¿En qué arrecife de coral distante / irá a encallar su frágil hermosura? / Con ella encallará mi sueño amante. / Y del dardo mortal la pluma oscura / indicará en la tarde al navegante / que allí tiene la mar más amargura"».

- PERON -

2011-07-07T11:01:00.001-03:00

ANIVERSARIO DE LA MUERTE DE

JUAN DOMINGO PERON

1º de JULIO 1974

Perón nació el 8 de Octubre de 1895 en la Provincia de Buenos Aires. Entró en el Colegio Militar a los 16 años y realizó un progreso incomparable en los rangos militares. Sirvió en Italia durante los últimos años de la década de 1930 como observador militar observando el éxito de los fascistas y nazis. Tuvo mucho interés en la historia y en la filosofía política y publicó diversos trabajos sobre esos tópicos.

En 1943 se unió a un complot militar que derrocó al gobierno civil de Argentina. El régimen militar que subió al poder los siguientes tres años tuvieron mucha influencia de Perón, quien prudentemente solicitó un puesto menor como Secretario de Trabajo y Bienestar Social. En 1945 se convirtió en Vice Presidente y Ministro de Guerra. Poco a poco fue ganando más respeto y notoriedad, sobre todo por el apoyo que obtuvo de los trabajadores no privilegiados llamados "descamisados" y por su popularidad y autoridad en el ejército.

A principios de Octubre de 1945, Perón fue sacado de su puesto por un levantamiento civil y militar. Pero su hermosa y dinámica amante, Eva Duarte, y los compañeros de uniones de trabajadores reunieron a los trabajadores de todo el Gran Buenos Aires, y con esa presión, Perón fue liberado de la custodia el 17 de Octubre de 1945. Esa noche, desde el balcón de la casa Rosada, Perón habló para 300,000 personas, y sus palabras fueron retransmitidas por radio a todo el país.

Prometió conducir a la gente a la victoria en la elección presidencial pendiente y a construir una nación fuerte y justa. Unos días después se casó con Eva, o Evita, como era popularmente llamada, quien lo ayudó a dirigir la Argentina en los años que siguieron. Perón fue elegido Presidente en Febrero de 1946 con el 56 por ciento de los votos.

Perón puso a la Argentina en un curso de industrialización e intervención de la economía, calculada para proveer mejores beneficios sociales para la clase obrera. También adoptó una fuerte política anti-Estados Unidos y anti-Británica, predicando las virtudes de la llamada Tercera Posición, entre el comunismo y el capitalismo.

Si bien, él no revolucionó estructuralmente a la Argentina, transforma a la Nación. Basando su gobierno en una doctrina llamada Justicialismo, Perón mostró beneficios a los trabajadores, a través de aumentos y otros beneficios. Nacionalizó los trenes y financió grandes obras públicas.

Los fondos para esas obras provinieron de las exportaciones que realizó la Argentina durante la Segunda Guerra Mundial.

Reelegido luego en 1951, Perón modificó algunas de sus políticas. Pero fue depuesto y enviado a Paraguay el 19 de Septiembre de 1955, luego de un levantamiento de la armada y el ejército quienes se justificaron por el descontento popular por la inflación, corrupción y opresión.

Perón finalmente se instaló en Madrid. Ahí, en 1961 se casó por tercera vez (su primera esposa murió de cancer, al igual que Evita en 1952); su nueva esposa fue María Estela Martínez, una bailarina argentina. en España, Perón trabajó para asegurar, si no era su regreso a la Argentina, que iba perdurar como líder de millones de seguidores Peronistas, cuya memoria del régimen de Perón mejoraba día a día.

Elecciones tras elecciones, el Pernismo emergía como más y más importante. Ni los regímenes civiles ni los militares que gobernaron la Argentina luego de 1955, pudieron resolver los problemas de la Argentina.

El régimen militar del General Alejandro Lanusse, quien tomó el poder en Marzo de 1971, proclamó su intención de restaurar la democracia constitucional a fines de 1973 y permitir el reestablecimiento de los partidos políticos, incluyendo al Partido Peronista. Luego de una invitación del Gobierno Militar, Perón volvió a la Argentina por un corto tiempo en Noviembre de 1972. En las elecciones de Marzo de 1973, los candidatos peronistas ganaron las elecciones y la mayoría en la legislatura, y, en Junio, Perón fue invitado a regresar a la Argentina.

En Octubre, en una elección especial, fue electo, por tercera vez y abrumadora mayorìa Presidente de la Naciòn.

Murió el 1 de Julio de 1974, dejando a su esposa como Presidente.