- LAUREL & HARDY -

Laurel y Hardy

El gordo y el flaco


La pareja de actores cómicos Stan Laurel y Oliver Hardy se unió profesionalmente en 1927, aunque anteriormente hayan coincidido en un par de ocasiones, pero es a partir de esta fecha que el avispado Hal Roach, rival de Mack Sennett, buscaba una alternativa a la crisis de la comedia visual.

El slapstick tradicional estaba agonizante tras la saturación del mercado y, también, por los cambios de gustos de los espectadores. El cine sonoro estaba a punto de irrumpir arrasando con todo y, de la noche a la mañana, un tipo de cine hasta entonces imperante iba a quedar anticuado.







Frente al dinamismo, locura y endiablado ritmo de la Keystone, Roach aportó una comedia mucho más sutil e inteligente. Una comedia basada en la situación y en el contraste.

Laurel y Hardy eran como el arco y el violín, por separado no llegaron muy lejos, pero juntos eran un diamante en bruto. Su comicidad estaba basada en el contraste físico y psíquico. Laurel era delgado, lunático, despistado, apocado, tímido, pero siempre encantador. Hardy era osado y pretencioso, pero nunca antipático.

Juntos se veían en las más insospechadas situaciones. Sólo con un par de botas, Roach sabía construir una película a su alrededor. Por eso, al estar basados más en la situación que en la acción, la pareja superó con creces la difícil barrera del sonoro, aunque perdieron mucho con la llegada del largometraje por no adaptarse a un argumento convencional.







La pareja Laurel y Hardy influenció mucho en la comedia americana apareciendo otras que ni de lejos les han superado ni en popularidad ni en comicidad. El mismo Roach sacó una réplica femenina con Thelma Todd y Zasu Pitts, pero la muerte inesperada de Thelma arruinó tan interesante proyecto.

En la vida real, las personalidades de Laurel y Hardy eran muy distintas a las mostradas en las pantallas. Hardy era feliz y bonachón, más preocupado por las carreras de caballos que por sus películas. En cambio Stan Laurel era el cerebro de su filmografía, un carácter dominante y organizador, creador indiscutible y genio de la pantalla cómica cuya influencia marcó la posterior carrera de Jerry Lewis, otro cómico no menos lunático, e incluso de Dick Van Dyke, célebre astro de la televisión americana.







Algunos críticos apuntan la extraña y ambigua relación de esta pareja, razón por la cual algunos medios sensacionalistas han apuntado (falsamente) que Laurel y Hardy eran homosexuales, que incluso vivían juntos. Nada más falso. Oliver Hardy estuvo felizmente casado con Virginia Lucille Jones, en cambio Stan Laurel, impenitente mujeriego, tuvo una vida sexual endiablada con cinco matrimonios, varias amantes, y multitud de situaciones vodevilescas. Su imagen fílmica nada tuvo que ver con la real.






Filmografía

§ Un perro afortunado (Lucky Dog, 1918) de Jesse Robbins § Forty Five Minutes From Hollywood (1926) de Hal Roach § Duck Soup (1927) de Fred Guiol § Slipping Wives (1927) de Fred Guiol § Love'em and Weep (1927) de Fred Guiol § Why Girls Love Sailors (1927) de Fred Guiol § El pelotón de los torpes (With Love and Hisses, 1927) de Fred Guiol § Marineros (Sailors Beware!, 1927) de Hal Roach § Aspirante a detective (Do Detective Think?, 1927) de Fred Guiol § Elefantes voladores (Flying Elephants, 1927) de Frank Butler § Sugar Daddies (1927) de Fred Guiol § Call of the Cuckoo (1927) de Clyde Bruckman § Los segundos cien años (The Second Hundred Years, 1927) de Fred Guiol § Fuera sombreros (Hats Off, 1927) de Hal Yates § Putting pants of Philip (1927) de Clyde Bruckman § La batalla del siglo (The Battle of the Century, 1927) de Clyde Bruckman § Leave'em Laughing (1928) de Clyde Bruckman § The Finishing Touch (1928) de Clyde Bruckman § From Soup to Nuts (1928) de Edgar Kennedy § You're Darn Tootin (1928) de Edgar Kennedy § Their Purple Moment (1928) de James Parrott § Should Married Men Go Home? (1928) de James Parrott § Early to Bed (1928) de Emmet Flynn § Un par de marinos (Two Tars, 1928) de James Parrott § Habeas Corpus (1928) de Leo McCarey § We Faw Down (1928) de Leo McCarey § Libertad (Liberty, 1929) de Leo McCarey § El niño azul (Wrong Again, 1929) de Leo McCarey § Esta es mi esposa (That's my Wife, 1929) de Lloyd French § Ojo por ojo (Big Business, 1929) de James W. Horne § Su alteza real (Double Whoopee, 1929) de Lewis R. Foster § Bert Marks (1929) de Lewis R. Foster § Men O'War (1929) de Lewis R. Foster § Un día de campo (A Perfect Day, 1929) de James Parrott § They go Boom (1929) de James Parrott § Bacon Grabbers (1929) de Lewis R. Foster § Amor de angora (Angora Love, 1929) de Lewis R. Foster. § Unaccustomed As We Are (1929) de Lewis R. Foster § Prisioneros (The Hoosegow, 1929) de James Parrott § Noche de ladrones (Hight Owols, 1930 de James Parrot § Ladrones (1930) de James Parrott, versión española del film anterior § I ladroni (1930) de James Parrott, idem versión italiana § Dos grandes tíos (Blotto, 1930) de James Parrott § La vida nocturna (1930) de James Parrott, versión española de la anterior § Une nuit extravagante (1930) de James Parrott, versión francesa § Demasiado grueso (Be Big, 1930) de James Parrott § Radioramas (Brats, 1930) de James Parrott § Bajo cero (Below Zero, 1930) de James Parrott § Tiembla y titubea (1930) de James Parrott, versión española de la anterior § Noche de duendes (The Laurel and Hardy Murder Case, 1930) de James Parrott § Radiomanía (Hog Wild, 1930) de James Parrott § Radiomanía (1930) de James Parrott, versión española de la anterior § Pêle-Mêle (1930) de James Parrott, idem versión francesa § Los calaveras (Another Fine Mess, 1930) de James Parrott § Chickens Come Home (1931) de James W. Horne § Politiquerías (Laughing Gravy, 1931) de James W. Horne § Our Wife (1931) de James W. Horne § El canelo (Come Clean, 1931) de James W. Horne § ¿Por qué trabajar? (One Good Turn, 1931) de James W. Horne § Helpmates (1931) de James W. Horne § The Stolen Jools (1932) de William McGann § En un puerto viejo (Any Old Port, 1932) de James W. Horne § ''Haciendo de las suyas (The Music Box, 1932) [1] de James Parrott § The Chimp (1932) de James Parrott § Hospital provincial (County Hospital, 1932) de James Parrott § Scram (1932) de Raymond McCarey § On the Loose (1932) de Hal Roach § El divorcio y la amistad (Their First Mistake, 1932) de George Marshall § Wild Poses (1933) de Robert McGowan § Pescadores pescados (Towed in a Hole, 1933) de George Marshall § Dos veces dos (Twice Two, 1933) de James Parrott § Mi amigo y yo (Me and My Pal, 1933) de Charles Rogers y Lloyd French § Patrulla de medianoche (The Midnight Patrol, 1933) de Lloyd French § Dos entrometidos (Busy Bodies, 1933) de Lloyd French § Trabajo sucio (Dirty Work, 1933) de Lloyd French § La estropeada vida de Oliverio VIII (The Private Life of Oliver the Eighth, 1934) de Lloyd French § Por su mala cabeza (Going Bye Bye, 1934) de Charles Rogers § Alegres compadres (Them Thar Hills, 1934) de Charles Rogers § El fantasma viviente (The Live Ghost, 1934 ) de Charles Rogers § Tit for Tat (1935) de Charles Rogers § Ases de la mala pata (The Fixers-uppers, 1935) de Charles Rogers § Thicker Than Water (1935) de James W. Horne § On the Wrong Trek (1936) de Charles Parrott § ''Tree on a Test Tube (1942) de Charles McDonald.

- AURORA -

LA GRAN OBRA DE PANIZZA:

AURORA


¿Tenemos conciencia de lo que se hacemos cuando al izar la bandera, cantamos "Aurora”? El caso de la bellísima melodía desglosada de la ópera Aurora, símbolo del despertar la bandera nacional, es simplemente maravilloso por la belleza de sus acordes…

Aurora se estrenó en Buenos Aires, en el Teatro Colón, el 5 de septiembre de 1908, bajo la batuta de su autor, el maestro Héctor Panizza, haciendo Titta Ruffo el papel de Don Ignacio.






Panizza nació en Buenos Aires, un 12 de agosto de 1875 y falleció en 1967.
La ópera Aurora le fue encargada por el gobierno nacional. El libreto primitivo estaba en italiano y luego fue traducido y adaptado por Héctor Quesada y Luis Illica.

Panizza fue un músico argentino de relieve internacional. Llegó a dirigir en grandes teatros, como Alla Scala de Milán (en el que fue codirector con Arturo Toscanini) Dirigió también en prestigiosos teatros de ópera del mundo, como el Liceo, de Barcelona; la Opera Cómica, de París el Thèâtre des Champs Elysées, de la misma ciudad y el Coven Garden de Londres, en este último durante nueve años consecutivos.





En Europa dirigió también en teatros de ópera en Berlín y Viena. En 1933 fue el único director extranjero invitado al ciclo realizado en Viena en homenaje a Wagner, ocasión en que dirigió la ópera Tanhauser.
Desde su juventud, Panizza había actuado ya con lucimiento en teatros líricos italianos, como los de Palermo, Roma y Nápoles.

En América, se desempeñó con igual brillo como director de ópera, en teatros de Chicago, Boston, Cleveland, Baltimore, Los Angeles, Filadelfia y San Francisco.
Como compositor, en 1898 hizo conocer en el Teatro de la Opera de Buenos Aires, II fidanzato del mare ("El novio del mar"), la primera de sus óperas. En 1900, Arturo Toscanini le dirigió la segunda de sus creaciones, titulada Medioevo Latino, representada en el teatro Politeama de Génova.

Aurora fue la tercera de las óperas que compuso. Tras un no corto plazo, en1939 ofreció su cuarta y última ópera, Bizancio, que protagonizó en el teatro Colón de Buenos Aires, la notable soprano Gilda Dalla Rizza.

Aurora, opera, en tres actos de ambiente argentino. El primero se desarrolla en el aula donde ha sido instalada la biblioteca, en la iglesia y convento de la Compañía de Jesús, en Córdoba.





"Entre los seminaristas que arreglan los libros de la biblioteca, se encuentran los novicios Mariano y Raymundo. Entra un sacerdote con una canasta para colocarla en el altar de la Virgen. Cuando sale del aula, los seminaristas buscan ávidamente en la canasta un mensaje de Buenos Aires”.
"Mariano encuentra una flor que oculta un pedazo de papel en que se lee: Jóvenes: ¡Salud a la aurora que surge en el cielo de la Patria! La lucha por la Independencia principia hoy, 25 de mayo; hoy comienza la Patria".

La un tanto ingenua simbología enlaza, con el nombre de Aurora, la aurora de Mayo, el despuntar de la patria, con el nombre de la desventurada muchacha, convertida por amor, al credo de la libertad de su amante.

Alta en el cielo un águila guerrera,
audaz se eleva en vuelo triunfal,
azul un ala del color del cielo,
azul un ala del color del mar.

Así en la alta aurora irradial,
punta de flecha el áureo rostro imita
y forma estela al purpurado cuello,
el ala es paño, el águila es bandera.

Es la bandera de la patria mía
del sol nacida que me ha dado Dios;
es la bandera de la patria mia,
del sol nacida, que me ha dado Dios;
es la bandera de la patria mía,
del sol nacida que me ha dado Dios.

Simplemente recordar nuestra música, nuestra ópera, nuestra tradición. Un sentido homenaje al Mtro. Héctor Panizza

- BUSTER KEATON -

EL COMICO MAS SERIO DEL MUNDO

Buster Keaton


Joseph Francis "Buster" Keaton nació en Piqua, Kansas, USA un 4 de octubre de 1895. Fue un famoso actor y director estadounidense de cine mudo cómico.

Se caracterizó principalmente por su humor físico mientras mantenía un rostro inexpresivo en todo momento, lo cual le ganó su apodo, "Cara de palo". Al igual que sus contemporáneos, Keaton provino del vaudeville. Su padrino fue Harry Houdini, quien lo bautizó "Buster" (el destructor) tras verlo caer de una escalera sin una sola herida a la edad de tres años.

Nació el mismo año en que fue inventado el cine. Keaton fue criado en el mundo del vaudeville, actuando junto a sus padres (presentados como "Los Tres Keatons") desde la edad de tres años. Sus padres pertenecían a la Mohawk Medicine Company, igual que Houdini, y casualmente se encontraban en Kansas cuando Buster nació.





Su padre había sido periodista en el Oeste, y junto a Myra, su mujer, realizaba un número acrobático. El espectáculo debía de ser bastante impresionante, ya que Keaton hijo era lanzado desde un lado a otro del escenario y pisoteado. El sketch se llamaba El estropajo humano y sus padres fueron interrogados por las autoridades en varias ocasiones para comprobar que Buster no salía dañado.

Al momento que su carrera en el teatro comenzaba a florecer, Keaton comenzó a interesarse por la, entonces naciente, industria del cine. Decidió probar su suerte en el mundo de las películas y se unió a la unidad de cineastas de Fatty Arbuckle.

El talento natural de Keaton para la comedia física llamó la atención de Arbuckle, quien pronto lo puso a coprotagonizar sus películas. Buster rechazó una oferta del Winter Garden Theatre, que le ofrecía 250 dólares a la semana, por trabajar en películas por 40 dólares cada una. Keaton y Arbuckle se hicieron entonces amigos inseparables.

Su primera película fue Fatty asesino (The Butcher Boy, 1917), y a partir de ahí, Keaton se empezaría a interesar cada vez más por los aspectos técnicos del cine. Según él mismo, para averiguar cómo funcionaba una cámara de cine, la destrozó en mil pedazos, y comenzó a interesarse por tipos de película, objetivos, proyección y otros aspectos de la cinematografía.







Tras cinco películas más con Fatty, se trasladaron con todo el equipo a California, y fue allí donde conoció a una de las famosas hermanas Talmadge, Natalia, con quien se casaría poco tiempo después. Volvió a casarse otras dos veces, con Mae Scribbens en el año 1933 y con Eleanor Harris en 1940.

En el año 1918, fue llamado a filas para la Primera Guerra Mundial, y estuvo siete meses en Francia haciendo espectáculos para las tropas. Allí, fue cuando, debido a una infección en los oídos, se quedó prácticamente sordo para el resto de su vida.

Cuando volvió a Estados Unidos, Fatty estaba preparando su primer largometraje y Joseph Schenck le ofreció su productora para realizar sus propias películas como protagonista. Paradójicamente, en aquella época fue cuando Fatty dejó prácticamente de hacer cine entre otras cosas por el escándalo que se produjo, en el año 1921, cuando fue acusado de la violación y muerte de la actriz Virginia Rappe.





Entre los años 1921 y 1923, Keaton rodó un largometraje, Pasión y boda de Pamplinas (The Saphead), y 19 cortos. Cuando cambió de productor, rodó, entre los años 1923 y 1928 otros 10 largometrajes. Durante esta época, tuvo absoluto control de todas sus películas, aunque pidiera las cosas más extrañas para rodarlas, como una antigua locomotora o un transatlántico, aunque él personalmente no tuvo ni una acción de la productora que permitía hacer todas estas películas. Después, no volvería a controlar el aspecto creativo de sus propias películas.

Buster Keaton comenzó a protagonizar una serie de comedias que lo catapultaron a la fama, incluyendo Una semana, La mudanza, La casa eléctrica y El gran espectáculo. Alcanzó la cima de su creatividad durante los años 1920. Su éxito inicial lo hizo uno de los comediantes más famosos del mundo. Su popularidad fue opacada solamente por el arrollador éxito de Harold Lloyd y Charlie Chaplin, aunque mantuvo una relación cordial con ambos al igual que con algunos de los actores más famosos de la época, como Douglas Fairbanks o Rodolfo Valentino.







Fue en esta época cuando modeló su personaje, un joven tragicómico, que se enfrenta a las desgracias con una absoluta inexpresividad, que hizo que le bautizaran como "cara de palo". Para darle expresión a su personaje, utilizaba las acrobacias, para las que no usaba ningún doble ni especialista. Todas las proezas que realizó en El maquinista de la general, o en El héroe de río, son suyas. En El rostro pálido, llegó a saltar desde una altura de 24 metros, y en la película El moderno Sherlock Holmes, se rompió el cuello en una escena de riesgo.

Sus películas más famosas y populares de esta primera época, son las consideradas como las mejores de toda su carrera, e incluyen La ley de la hospitalidad (1923), El navegante (1924), El héroe del río (1928), El maquinista de la General (1927), El moderno Sherlock Holmes (1924) o Las siete ocasiones (1925)







En una ocasión, le dijeron a Keaton que ésta película reflejaba mejor la Guerra de Secesión norteamericana que Lo que el viento se llevó, a lo que él respondió que "mientras unos recurren a las novelas para encontrar argumentos, otros recurren a la Historia". Estaba basada en un hecho "real" autobiográfico del novelista William Pittenger, que trataba sobre el secuestro de un tren Confederado por parte de soldados de la Unión.

Lo que hizo Keaton fue cambiar el punto de vista, ya que el protagonista es un soldado sureño, es decir, los "malos" para el gran público de Hollywood. A lo largo de toda la película, no da la sensación de ser un vehículo para los gags, como pasa en muchos películas de la época, sino que todo está perfectamente ensamblado. Fue rodada en los bosques de Oregón, y al poner en marcha las locomotoras con leña, provocaron un incendio forestal durante el rodaje.

Fue todo un hito en efectos especiales la escena en que la locomotora cae desde un puente por un barranco. La película resulta una reivindicación de lo que es capaz de hacer un hombre solo, pequeño, y en apariencia débil, por recuperar las dos cosas que más desea en este mundo, su locomotora, y la mujer a la que ama. El maquinista de la General considerada hoy día como una obra maestra, pero en el momento de su estreno fue un fracaso comercial.

La unidad de producción de Keaton fue adquirida por MGM en 1928, una decisión de negocios que Keaton lamentaría por siempre. Le obligaron a realizar una serie de películas junto a Jimmy Durante, que tuvieron éxito, pero que él despreciaba por considerarlas de muy baja calidad. Tras ser forzado a entrar en el sistema de estudio, al cual nunca se adaptó, Keaton cayó en el alcoholismo.

Su carrera se derrumbó en unos pocos años y pasó gran parte de la década de 1930 oculto, trabajando como escritor de gags para varias películas de MGM, particularmente aquellas de los Hermanos Marx -incluyendo Una noche en la ópera (1935) y En el circo (1939)- y varias películas de Red Skelton.





Las películas El crepúsculo de los Dioses (1950), de Billy Wilder, con un pequeñísimo papel en el que hacía de antigua gloria del cine, y Candilejas, (1952), de Chaplin, hicieron que el gran público volviera a fijarse otra vez en él.

Posteriormente, se dedicó a hacer anuncios de televisión, espectáculos en directo, que hizo que la gente se interesara en las antiguas películas, en su mayoría obras maestras, que fueron prácticamente ignoradas cuando se estrenaron. Su última aparición en público, fue, en el año 1965, en el Festival de Venecia, cuando presentó la que sería su última película, Film, de Alan Schneider.

En esta ocasión, por primera vez en su vida, protagonizó un drama. Fue ovacionado por el público. Cinco meses después, a los 70 años, fallecía en su casa de Los Ángeles.

Otra presentación memorable en una película es cuando comparte roles con Cantinflas en la película "La vuelta al mundo en 80 días", en donde hace el papel del jefe del tren (en claro homenaje a su recordada película)

Fallece en Woodland Hills, California, USA, un 1 de febrero de 1966







Filmografía
· Una semana (One Week) (1920)
· El gran espectáculo (The Playhouse) (1921)
· La mudanza (Cops) (1922)
· La casa eléctrica (The Electric House) (1922)
· La ley de la hospitalidad (Our Hospitality) (1923)
· El navegante (The Navigator) (1924)
· El moderno Sherlock Holmes (Sherlock Jr.) (1924)
· El rey de los cowboys (Go West) (1925)
· El maquinista de la General (The General) (1926)
· El colegial (College) (1927)
· El cameraman (The Cameraman) (1928)
· El héroe del río (Steamboat Bill Jr.) (1928)
· The Railrodder, también conocida como The Railroader, dirigida por Gerald Potterton en 1965. Acompaña a El maquinista de la General en una versión reciente realizada en DVD.
· La vuelta al mundo en ochenta días ( 1956)
· Once upon a Time Episodio 78 de La (Dimensión Desconocida) ( 1961)
Golfus de Roma (Dir. Richard Lester) ( 1966)

- DERECHOS HUMANOS -

Día Internacional de los Derechos Humanos

10 de diciembre



La promoción y protección de los derechos humanos ha sido una de las mayores preocupaciones para las Naciones Unidas desde 1945, fecha en la cual los países fundadores de la Organización, acordaron impedir que los horrores de la Segunda Guerra Mundial se reproduzcan.

Tres años después, en la Declaración Universal de los Derechos del Humanos, la Asamblea General exprimió que el respeto a los derechos humanos y a la dignidad de la persona humana "son los fundamentos para la libertad, justicia y paz en el mundo". En 1950 la Asamblea General invitó a todos los Estados miembros y a las organizaciones interesadas a que observaran el 10 de diciembre de cada año como Día de los Derechos Humanos (resolución 423V)

Con el Día se conmemora el aniversario de la aprobación de la Declaración Universal de los Derechos Humanos por la Asamblea General en 1948. Con el transcurso del tiempo, se han desarrollado un conjunto de instrumentos y mecanismos desarrollados para asegurar la primacía de los derechos humanos y para hacer frente a las violaciones de los derechos humanos dondequiera que ocurran.

- DI BENEDETTO -

DI BENEDETTO, ANTONIO


Antonio Di Benedetto nació en la provincia de Mendoza el 2 de noviembre de 1922.

Luego de cursar algunos años de abogacía, se dedicó al periodismo. El gobierno de Francia lo becó para realizar estudios superiores en esa especialidad. Como periodista fue subdirector del diario "Los Andes", y corresponsal del diario "La Prensa".

En 1953 publicó su primer libro, Mundo animal, con el que inició su brillante carrera de escritor cuya cima fue la novela Zama, acaso una de las más grandes novelas de la literatura argentina.





Antonio Di Benedetto recibió numerosos premios y distinciones por su labor: el gobierno italiano lo condecoró como caballero de la Orden de mérito en 1969; en 1971 la medalla de oro de Alliance Française; en 1973 fue designado miembro fundador del Club de los XIII, y un año después recibió la Beca Guggenheim.

Di Benedetto ocupa un destacado lugar en la narrativa contemporánea argentina. Para ello lo acreditan su personalísimo estilo, su capacidad de crear personajes vivos, su facultad inventiva, su aguda captación sensorial y su activa intencionalidad poética de remodelador del mundo.





En Zama, alcanzó su culminación el realismo profundo de Di Benedetto; fuerte, cruel, incisivo, supera las apariencias de las cosas y acoge en su seno los productos de la más pura fantasía creadora.

En 1976, pocas horas después del golpe militar del 24 de marzo, Di Benedetto fue secuestrado por el ejército. "Creo nunca estaré seguro que fui encarcelado por algo que publiqué. Mi sufrimiento hubiese sido menor si alguna vez me hubieran dicho qué exactamente. Pero no lo supe. Esta incertidumbre es la más horrorosas de las torturas", diría años más tarde.





Humillado, golpeado y destrozado anímicamente, fue excarcelado el 4 de septiembre de 1977 y se exilió en Estados Unidos, Francia y España. Regresó definitivamente a la Argentina en 1985.

Murió víctima de un derrame cerebral el 10 de octubre de 1986 en Buenos Aires.

Entre sus obras figuran:

Mundo Animal (1953) cuentos
Volamos
El pentágono (1955) cuentos
Zama (1956) novela.
Año 1790
Año 1794
Cuentos Claros o Grot (1957) cuentos
Declinación y Angel (1958) cuentos
El cariño de los tontos (1961) cuentos
Caballo en el salitral
El Silenciero (1964) novela
Two stories (1965) cuentos
Los suicidas (1969) cuentos
El juicio de Dios (1975) antología de cuentos
Absurdos (1978) cuentos
Cuentos del exilio (1983) cuentos
Sombras, nada más (1985) novela

Post mortem:

Páginas escogidas (1987)

- VIRGEN MARIA -

Fiesta de la Inmaculada Concepción de la Virgen María


En una pequeña gruta en el pueblito de Lourdes, en Francia, la Virgen se le apareció a una niña diciéndole: "Yo soy la Inmaculada Concepción". Era el año 1858…
Pero… ¿Qué significa la Inmaculada Concepción? Esta expresión alude a que la Virgen María fue preservada del pecado desde el primer instante de su existencia humana. Dios, por la Inmaculada Concepción de María, preparó para su Hijo una morada digna de él.

La devoción popular por los fieles a su fiesta data del siglo VII en Oriente; en Irlanda desde el siglo IX y, en Inglaterra y en España, desde el siglo XI. El convencimiento de la verdad que encierra se remonta a los orígenes mismos del cristianismo, que considera a la Virgen como la "toda Santa".

El Papa Pío IX proclamó solemnemente esta verdad el 8 de diciembre de 1854. Instauró la fecha para la celebración de la fiesta de forma conjunta para toda la Iglesia. Se instituyó a través del dogma de la Inmaculada Concepción que dice que María "por un privilegio único, fue preservada de la mancha (el pecado) original desde el primer instante de su concepción". Esta fiesta nos hace meditar sobre la inefable belleza del alma de María y, también, sobre la belleza de toda alma santificada por la gracia redentora de Cristo. Durante esta jornada los católicos acostumbran a asistir al oficio de la misa, como un domingo.

- HAENDEL -

Georg Friedrich Haendel


Compositor alemán, aunque nacionalizado británico. Fue uno de los más grandes de la última etapa barroca. Nació el 24 de febrero de 1685 en Halle, Alemania, en el seno de una familia sin tradición musical.

No obstante, su talento se manifestó de tal manera que, antes de cumplir los diez años, comenzó a recibir, de un organista local, las únicas clases a las que asistió en toda su vida. Aunque su primer trabajo, a los 17 años, fue como organista de iglesia en Halle, sus gustos musicales no correspondían con ese cargo.

En 1703 se trasladó a Hamburgo, el centro operístico de Alemania por aquel entonces. Fue allí donde, en 1704, compuso su primera ópera, Almira, que obtuvo gran éxito al año siguiente. Poco más tarde, insistiendo en su deseo de conseguir prestigio como compositor de ópera, marchó a Italia. Su primera parada fue en Florencia y en la primavera de 1707 viajó a Roma, donde disfrutó del mecenazgo tanto de la nobleza como del clero. En Italia compuso óperas, oratorios y pequeñas cantatas profanas. Su estancia en Italia finalizó con el éxito de su quinta ópera, Agrippina (1709), estrenada en Venecia.






Händel abandonó Italia y comenzó a trabajar como compositor y director de orquesta de la corte en Hannover, Alemania, a donde llegó en 1710. Pero, al igual que ocurrió con su estancia en Halle, no permaneció en este puesto durante mucho tiempo y a finales de ese mismo año marchó a Londres, donde estrenó Rinaldo (1711) con un nuevo triunfo. Tras regresar a Hannover le concedieron un permiso para viajar a Londres por un corto periodo de tiempo, aunque esta vez se quedó en la capital británica.

En 1714, el elector de Hannover fue nombrado rey con el nombre de Jorge I de Inglaterra. Después de algunos problemas con Händel, volvieron a reconciliarse, le dobló la cantidad de la pensión y fue nombrado tutor de los hijos del rey. Bajo el mecenazgo del duque de Chandos, compuso su oratorio Esther y las 11 anthems Chandos para coro, solistas y orquesta (1717-1720).

En 1719 el rey le concedió una subvención para fundar la Royal Academy of Music (centro del que fue presidente), destinada a los espectáculos operísticos. Allí se estrenaron algunas de sus grandes óperas: Radamisto (1720), Giulio Cesare (1724), Tamerlano (1724) y Rodelinda (1725). En 1727 Händel obtuvo la nacionalidad británica.

El año 1728 la Royal Academy se derrumbó; no obstante, al año siguiente fundó una nueva compañía. En 1734 se vio forzado a trasladarse a un nuevo teatro por las presiones de la Opera of the Nobility, compañía rival, y continuó componiendo ópera hasta 1737, año en que las dos empresas dejaron de funcionar. En 1737, un ataque de parálisis le obligó a permanecer una temporada inactivo y se retiró a Aquisgrán.

En 1738 retomó la composición operística y en 1741 compuso su última ópera, Deidamia. Durante los años treinta se consagró, en primer lugar, a la composición de oratorios dramáticos en inglés, como Athalia (1733) y Saúl (1739), y en segundo lugar, a obras instrumentales interpretadas junto a los oratorios, entre las que se encuentran algunos de sus más importantes conciertos: los concertos para solistas del opus 4 (1736, cinco para órgano y uno para arpa), y los 12 concerti grossi del opus 6 (1739).







En 1742 estrenó en Dublín el oratorio El Mesías, su obra más famosa. Hasta 1751 continuó componiendo oratorios, entre los que se incluyen obras maestras como Sansón (1743) y Salomón (1749); fue entonces cuando su vista comenzó a fallar. Murió en Londres el 14 de abril de 1759; la última representación musical que escuchó fue El Mesías, el 6 de abril de ese mismo año.


Händel evitó las rigurosas técnicas contrapuntísticas de su compatriota y contemporáneo Johann Sebastian Bach y basó su música en estructuras sencillas, de acuerdo con sus creencias estilísticas. No obstante, la obra de ambos compositores refleja la época en que vivieron. Tras ellos, la ópera tomó un camino diferente y los géneros favoritos del barroco, como la sonata para trío y el concerto grosso, se abandonaron durante mucho tiempo.

El desarrollo de la orquesta sinfónica y del pianoforte permitió investigar materias que se habían descartado en el periodo barroco. A pesar de todo, la influencia de ambos compositores no descansa en ejemplos específicos. El legado de Händel se basa en la fuerza dramática y la belleza lírica de su música.

Sus óperas abarcan desde los esquemas rígidos y convencionales hasta un tratamiento más flexible y dramático de los recitativos, ariosos, arias y coros. Su habilidad para construir grandes escenas en torno a un sólo personaje la desarrollaron compositores como Wolfgang Amadeus Mozart y el italiano Gioacchino Rossini en sus escenas dramáticas.





La herencia más importante de Händel es, sin duda, la creación del oratorio dramático, alejado de las tradiciones operísticas existentes y llevado a término por su imaginación creativa. Los oratorios del austriaco Josef Haydn y del alemán Felix Mendelssohn están influidos en gran medida por los de Händel.

Fue uno de los primeros compositores de quien se escribió una biografía (1760), que tuvo celebraciones por el centenario de su nacimiento y cuya música se publicó en su totalidad (cuarenta volúmenes, 1787-1797). Ludwig van Beethoven alabó estas publicaciones.

A pesar de que hoy día, al igual que durante el siglo XIX, se conoce a Händel por obras como El Mesías y Música acuática, cada vez más se intenta mostrar el resto de sus composiciones, especialmente las óperas. Su genio musical merece ser recordado en toda su amplitud.

- PALABRA -

Frases y citas célebres sobre


La Palabra


Yo quiero vivir
cerca de tu palabra.
Víctor Manuel Sánchez

La palabra tiene
mucho de aritmética:
divide cuando se utiliza
como navaja, para lesionar;
resta cuandos e usa
con ligereza para censurar;
suma cuando se emplea
para dialogar,
y multiplica cuando se
da con generosidad para servir.
Carlos Siller

Un caballero se averguenza
de que sus palabras sean
mejores que sus hechos.
Confucio






La palabra es libre;
la acción muda;
la obediencia, ciega.
Schiller

Las palabras son ráfagas
de viento, pero al propagarse
lo mismo pueden producir
frutos que daños y ruina.
Chuang-Tzu

Se necesitan dos años para
aprender a hablar y sesenta
para aprender a callar.
Ernest Hemingway

La diferencia entre
la palabra adecuada y
la casi correcta es la misma
que entre el rayo y la luciérnaga.
Mark Twain

Háblame para que yo te vea.
Séneca





Por tus palabras habrás
de ser justificado y por
tus palabras serás condenado.
Jesucristo

El mejor método para cumplir
con la palabra empeñada
es no darla jamás.
Napoleón Bonaparte

Nunca juzgo a un hombre
por lo que dice, sino
por el tono con que lo dice.
Charles Peguy

Más le vale a un hombre
tener la boca cerrada,
y que los demás le
crean tonto, que abrirla y
que los demás se
convenzan de que lo es.
Pitágoras

Muchas palabras no
indican mucha sabiduría.
Tales de Mileto





Una palabra hiere más
profundamente que
una espada.
Richard Burton

¿Beso? Un truco encantador
para dejar de hablar cuando
las palabras se tornan superfluas.
Ingrid Bergman

El hombre es el único
animal que come sin tener
hambre, bebe sin tener sed
y habla sin tener nada que decir.
Mark Twain

Si uno no tiene la mente abierta,
también debe cerrar la boca.
Sue Grafton

Más vale una palabra a
tiempo que cien a destiempo.
Miguel de Cervantes

Cuando la necesidad nos
arran
ca palabras sinceras,
cae la máscara y
aparece el hombre.
Lucrecio





Tenemos dos orejas y una sola boca,
justamente para escuchar
más y hablar menos.
Zenon de Citión

Las palabras son como las hojas.
Cuando abundan,
poco fruto hay entre ellas.
Pope

Bendito sea el hombre
que no teniendo nada qué decir,
se abstiene de demostrárnoslo
con sus palabras.
Thomas S. Eliot

Lo que decimos no siempre
se parece a nosotros.
J.L. Borges

Sea esta la regla de
nuestra vida:
decir lo que sentimos,
sentir lo que decimos.
En suma, que la palabra
vaya de acuerdo con
los hechos.
Séneca

Una palabra es suficiente
para hacer o deshacer
la fortuna de un hombre.
Sófocles

El que sabe hablar,
sabe también cuándo.
Arquímedes
Una palabra mal colocada,
estropea el más bello
pensamiento.
Voltaire

Las palabras elegantes
no son sinceras;
las palabras sinceras
no son elegantes.
Lao-Tsé

Manejar el silencio es
más difícil que manejar
la palabra.
Georges Clemenceau

La palabra es el vehículo
de la inteligencia, y la
inteligencia es la señora del
mundo material.
Benjamín Constant

Quien pudiendo decir algo
en diez palabras usa veinte,
es capaz de cualquier
otra mala acción.
Aldo Cammarota

- OBELISCO Y 9 DE JULIO -

Av. 9 de Julio - Obelisco




Historias de los máximo íconos porteños en cemento



Esta amplia avenida de 140 metros de ancho es considerada una de las más amplias del mundo. Lleva su nombre en homenaje al día de la declaración de la independencia argentina.

De sur a norte, conecta Plaza Constitución y el sur del Gran Buenos Aires con la Avenida Libertador, precisamente donde se destaca el edificio de la Embajada de Francia. El gobierno francés se habría opuesto a trasladar su embajada para la construcción de la avenida, y es por eso que el edificio resalta especialmente en el extremo norte.





La apertura de la Avenida 9 de Julio demandó la demolición de las viviendas construidas en las parcelas comprendidas entre las calles Cerrito y Pellegrini, es decir, una cuadra completa, que equivale a unos 110 metros.

Cerrito y Pellegrini se consideran parte de la Avenida 9 de Julio, lo que da un ancho total de 140 metros. Se requieren unos minutos para atravezarla ya que hay semáforos y el tránsito es muy intenso. Sólo los fines de semana la avenida presenta otro panorama, silenciosa y casi desierta, cuando los porteños permanecen en casa o han salido de la ciudad.





La idea de abrir esta gran arteria surgió en 1911, en un momento cuando abundaban las ideas innovadoras en la ciudad, tras la visita del urbanista francés Bouvard, y luego de numerosas protestas, juicios y desalojos, en 1937 comenzaron las obras de demolición y construcción de la avenida.

En la Avenida 9 de Julio se destacan el Teatro Colón en su fachada este, el edificio del Ministerio de Desarrollo Social en la intersección con calle Moreno (el único ubicado en medio de la avenida), una estatua de Don Quijote, en el cruce con la Avenida de Mayo y, por supuesto, el famoso Obelisco.





A la altura de calle Corrientes y en intersección con la diagonal Norte se encuentra la Plaza de la República, cuyo centro ocupa el Obelisco, característica de la avenida 9 de Julio y de la ciudad.

Es una estructura de hormigón hueco de 67 metros de altura, obra del arquitecto Alberto Prebisch, realizada en tiempo record por la alemana Siemens, que fue inaugurado en 1936 en conmemoración del cuarto centenario de la primera fundación de Buenos Aires. Entonces fue muy criticado, al punto que se pensó en demolerlo, porque se lo suponía un elemento poco estético y de evidentes connotaciones freudianas...





Hoy es un símbolo de Buenos Aires, y nadie podría imaginar la Avenida 9 de Julio sin el Obelisco.

- DIA DE LA PUBLICIDAD -

La Publicidad en su Día


La publicidad es una técnica del marketing mix cuyo objetivo fundamental es crear imagen de marca, recordar, informar o persuadir al público para mantener o incrementar las ventas de los bienes o servicios ofertados. La publicidad hace uso de numerosas disciplinas tales como la psicología, la sociología, la estadística, la comunicación social, la economía y la antropología.

La publicidad llega a su público objetivo a través de los medios de comunicación. Los medios de comunicación a cambio de una contraprestación previamente fijada (ya sea económica o no) ceden al anunciante o a la agencia unidades de tiempo o espacios disponibles y se comprometen a desarrollar la actividad técnica necesaria para lograr la difusión de la pieza publicitaria. Éste compromiso queda plasmado en un contrato denominado contrato de difusión. Las agencias de publicidad, agencias de medios, productoras, estudios de diseño, etc. se ocupan profesionalmente de la creación y ejecución de campañas de publicidad o elementos aislados de éstas, por lo general mediante un briefing (pauta). El briefing es una especie de guia en el que llevará una investigación previa de los competidores directos e indirectos, con las cuales obtendremos los objetivos.





En ocasiones determinados productos adquieren relevancia debido a la publicidad, no necesariamente como consecuencia de una campaña intencionada, sino por el hecho de tener una cobertura periodística relevante. En internet o tecnologías digitales se habla de publicidad no solicitada o spam al hecho de enviar mensajes electrónicos, tales como correos electrónicos, mensajería instantánea celular, u otros medios, sin haberlo solicitado, por lo general en cantidades masivas. No obstante, Internet es un medio habitual para el desarrollo de campañas de publicidad interactiva que no caen en invasión a la privacidad, sino por el contrario, llevan la publicidad tradicional a los nuevos espacios donde se pueda desarrollar.

Cabe destacar que la publicidad busca la difusión comercial de un bien o servicio y en ocasiones se confunde el término "publicidad" con el de "propaganda", a este respecto es importante comprender que la propaganda busca la propagación de ideas políticas, sociales, morales y religiosas.








Saludemos a toda la gente del quehacer publicitario en su día, 4 de diciembre.

- GOYA -

Francisco de Goya







Francisco José de Goya y Lucientes nace en Fuendetodos, Zaragoza, España un 30 de marzo de 1746 y muere en Burdeos, Francia, un 15 de abril de 1828. Pintor muy marcado por la obra de Velázquez, habría de influir, a su vez, en Edouard Manet, Pablo Ruiz Picasso y gran parte de la pintura contemporánea.

Formado en un ambiente artístico rococó, evolucionó hacia un estilo personal y pintó cuadros que, como el famoso El tres de mayo de 1808 en Madrid: los fusilamientos en la montaña del Príncipe Pío (1814, Museo del Prado, Madrid), se cuentan entre las grandes obras maestras de la historia del arte.





En 1763 el joven artista viajó a Madrid con la esperanza de ganar una beca de la Academia de Bellas Artes de San Fernando, ayuda que no conseguiría ni en esta ocasión ni en 1766, año en que lo intentó de nuevo. En la capital de España trabó amistad con otro artista aragonés, Francisco Bayeu, pintor de la corte que trabajaba en el estilo académico introducido en España por el pintor alemán Anton Raphael Mengs.

A finales de 1769 Goya parte hacia Italia, donde permanece aproximadamente hasta junio de 1771. Su actividad durante esa época es relativamente desconocida; se sabe que pasó algunos meses en Roma y visitó Venecia, Bolonia, Génova, Módena y Ferrara, entre otras ciudades.

En mayo de 1771, se presentó a un concurso convocado por la Real Academia de Parma, en el que obtuvo una mención del jurado.
A su vuelta a España, se instaló en Zaragoza, donde realizó los frescos de la bóveda Regina Martirum de la basílica del Pilar y las pinturas murales del oratorio del palacio de Sobradiel (1772).





De 1774 son las pinturas al óleo sobre muro de la iglesia de la Cartuja de Aula Dei, cerca de Zaragoza, que ya anticipan el estilo que desarrollará en los magníficos frescos de la ermita de San Antonio de la Florida en Madrid, en 1798. En esta última fecha comenzó a hacer grabados a partir de la obra de Velázquez que, junto con la de Rembrandt, sería su principal fuente de inspiración durante toda su vida.

Hacia enero de 1775 Goya se instaló definitivamente en Madrid en casa de su cuñado, Francisco Bayeu, y comenzó a trabajar para la Real Fábrica de Tapices de Santa Bárbara. Los cartones que realizó desde esa fecha hasta 1792 fueron muy apreciados por la visión fresca y amable que ofrecían de la vida cotidiana española. Con ellos revolucionó la industria del tapiz que, hasta ese momento, se había limitado a reproducir fielmente escenas del pintor flamenco del siglo XVII David Teniers.





La mayor parte de ellos se conservan en el Museo del Prado, como El quitasol (1777), La gallina ciega (1787) y La boda (1791–1792). Entre 1780 y 1782, pintó en el Pilar de Zaragoza la bóveda Regina Martyrum, una extraordinaria obra en la que da rienda suelta a su genio pese a la censura de Bayeu y la disconformidad de los miembros del cabildo con su trabajo.

En 1789 fue nombrado pintor de cámara por Carlos IV y en 1799 ascendió a primer pintor de cámara junto a Mariano Salvador Maella. Goya disfrutó de una posición privilegiada en la corte, hecho que determinó que el Museo del Prado de Madrid heredara una parte muy importante de sus obras, entre las que se incluyen los retratos oficiales y los cuadros de tema histórico. Estos últimos se basan en su experiencia personal durante la Guerra de la Independencia Española (1808–1814) y trascienden la representación patriótica y heroica para crear una salvaje denuncia de la crueldad humana.





Algunos de los retratos más hermosos que realizó de sus amigos, de personajes de la corte y de la nobleza datan de la década de 1780. Entre ellos se encuentran obras como Carlos III, cazador (1786–1788), Los duques de Osuna y sus hijos (1788), ambos en el Museo del Prado de Madrid, o el cuadro La Marquesa de Pontejos (c. 1786, Galería Nacional, Washington); en todos ellos emplea una paleta de colores muy luminosa y un estilo heredero de la pintura Velázquez.

Dos de sus cuadros más famosos, obras maestras del Prado, son La maja desnuda (1790–1800) y La maja vestida (1802–1805). Del año 1800 son también La condesa de Chinchón (adquirido por el Museo del Prado en el año 2000), uno de los retratos más hermosos y delicados de la historia del arte, y La familia de Carlos IV (Museo del Prado), donde se muestra a la familia real con una sencillez y honestidad muy apartadas de la habitual idealización.

En el invierno de 1792, durante una visita al sur de España, Goya contrajo una grave enfermedad que le dejó totalmente sordo y marcó un punto de inflexión en su expresión artística. Entre 1797 y 1799 dibujó y grabó al aguafuerte la primera de sus grandes series de grabados, Los caprichos, en los que, con profunda ironía, satiriza los defectos sociales y las supersticiones de la época.

Otras series posteriores, como Los desastres de la guerra (Fatales consecuencias de la sangrienta guerra en España con Bonaparte y otros caprichos enfáticos), de 1810, y Los disparates (1820–1823), presentan comentarios aún más cáusticos sobre los males y locuras de la humanidad.

- MINUJIN -

TODO ES ARTE




Marta Minujín nació en Buenos Aires en el barrio de San Telmo en 1943.

Es una reconocida artista plástica argentina. Ha usado siempre la frase "Todo es arte", que sintetiza la concepción de la creadora, convertida en el paradigma de su generación.

A la edad de 16 años se casa en secreto con el economista Juan Carlos Gómez Sabarini, con quien comparte una relación especial, teniendo en cuenta el contraste de personalidades de ambos. Llevan más de cuarenta años de casados y tienen dos hijos.

Comenzó sus estudios en las escuelas nacionales de bellas artes de Buenos Aires. Presentó su primera exposición personal en 1959 en el Teatro Agón. En 1960 obtuvo una beca del FNA que le permitió instalarse en París, donde participó en la muestra Pablo Curatella Manes y treinta argentinos de la Nueva Generación.

"Nosotros nos autodefinimos como pop. Arte popular, arte que todo el mundo puede entender, arte feliz, arte divertido, arte cómico. No un arte que es necesario entender, es un arte que es necesario gustar; que hace pop y lo entendés."





Comenzó a realizar estructuras habitables, cubiertas de colchones encontrados entre los desechos de los hospitales parisinos. En el baldío del Impasse Roussin, realizó "La Destrucción" (1963), su primer happening, para esta obra reunió todas sus piezas con colchones e invitó a un grupo de artistas a "destruirlas" (Christo, Élie-Charles Flamand, Lourdes Castro, Mariano Hernández y Paul Gette).

El mismo año, con Jean-Jacques Lebel, organizó el happening "El Gallo", en la Galería Raymond Cordier. A su llegada a la Argentina, fue una de las pioneras en la representación de happenings en ese país junto a miembros del mítico Instituto Di Tella de Artes.

En 1964 fue invitada al Premio Nacional Di Tella, centro de referencia de los artistas de la época, donde expuso "Eróticos en technicolor" y "Revuélquese y viva". En la segunda obra los espectadores debían ingresar en una tienda de tela, goma pluma y madera, repleta de colchones multicolores, para echarse en la cama y dar vueltas para cumplir con el propósito explícito de la artista de unir "arte y vida". Ese mismo año realizó el happening "Cabalgata" frente a las cámaras de Canal 7, convirtiendo a la transmisión en algo inédito hasta ese momento.

En la acción, unos caballos que tenían atados a sus colas recipientes con pintura, coloreaban algunos colchones; un grupo de atletas, al mismo tiempo, reventaban globos y dos músicos de rock eran envueltos con cinta adhesiva. Poco después, en el Estadio del Cerro, en Montevideo, presentó "Sucesos", una performance con quinientos pollos, mujeres gordas, atletas, bailarinas, motociclistas y algunas otras cosas.

Lo social se manifiesta en su obra como preocupación socio-contextual que presenta distintos matices: el humor, la crítica y la exaltación.1 Entre mayo y junio de 1965, Marta Minujín y Rubén Santantonín presentaron "La Menesunda" en el Instituto Di Tella (realizada con la colaboración, en distintas tareas, de Pablo Suárez, David Lamelas, Rodolfo Prayon, Floreal Amor y Leopoldo Maler).





Se trataba de una ambientación que el espectador debía recorrer a través de dieciséis zonas y situaciones diferentes, sin aviso previo de lo que en su interior ocurriría. Se accedía en grupos de ocho personas por vez, luego de esperar en largas filas, se ingresaba a través de una silueta de un hombre recortada en una cortina de plástico transparente.

Después se transitaba por un túnel de luces de neón que llevaba a un espacio con diez televisores encendidos con su volúmen alto. Luego, se ingresaba en un dormitorio con una pareja en la cama. Otro túnel, con luces de neón y sonidos de la calle, conducía a una escalera con pasamanos de esponja y un fuerte aroma de perfume, que finalizaba en una gigantesca cabeza de mujer. Su interior estaba cubierto de cosméticos y una maquilladora atendía al público, aplicándole sus productos. Un canasto giratorio conducía al espectador maquillado a un túnel de paredes blandas y suelo gomoso.

Al traspasar una puerta se entraba en un espacio oscuro con olor a consultorio dental, en el que había un disco telefónico gigante: para salir de la ambientación era necesario acertar el número a marcar. La salida era a través de una cámara frigorífica, con una temperatura de algunos grados bajo cero, llena de telas de todo tipo y color que cerraban el paso.





Finalmente, se accedía a una cámara octogonal con espejos, que se oscurecía al ingresar el visitante. De inmediato se encendían luces negras y unos ventiladores hacían caer una lluvia de papel picado de colores. Como despedida, un aroma a frituras devolvía al espectador a su espacio cotidiano. En todo el conjunto se percibía cierto tono popular, en particular en la configuración visual del contexto, en las alusiones a la publicidad barata, en los carteles de plástico, en la decoración del gabinete de la maquilladora y en otros pasajes del recorrido.

De similares características e ideología, Minujín y Warhol compartieron una amistad cuando se conocieron una galería de arte, durante su estancia en Nueva York. Junto a él compartió el ambiente artístico de la época. En 1985 realiza la famosa obra fotográfica en la que paga al artista norteamericano, la deuda externa argentina con choclos, según sus propias palabras "el oro latinoamericano."

"Llevé todos los choclos, hice una montaña, pusimos dos sillas y nos sacamos diez fotos. Yo agarraba el choclo, él subía, yo se lo ofrecía y él lo aceptaba. Así la deuda externa quedaba paga. Pensando que yo era la reina del pop por estos lados y él, el rey del pop por allá, tenía sentido que saldáramos la deuda. Después regalamos los choclos firmados a la gente. Esa fue la última vez que lo vi. Murió dos años después."

En 1966 obtuvo la beca Guggenheim y se fue a vivir por diez años -con leves interrupciones- a Nueva York. Desde 1980 Minujín realiza esculturas con apropiaciones de obras clásicas de la estatuaria greco-romana, de la renacentista y hasta de las estatuillas cicládicas. Sus obras son reproducciones en yeso de esos modelos, fragmentados, desarticulados en secciones desplazadas. Estuvo ligada al movimiento hippie y a la psicodelia. Tiene más de cincuenta esculturas esparcidas por las capitales del mundo.

Entre ellas, las más representativas y famosas son:

El "Obelisco acostado" (1978) en la Bienal de San Pablo.
El "Obelisco de Pan dulce" (1979) durante la Feria de las Naciones, Buenos Aires.

La "Torre de pan de Joyce" (1980)
El "Carlos Gardel de Fuego": una estructura metálica reproduciendo la imagen del cantor, rellena de algodón que fue prendida fuego, como arte efímero. Medellín, Colombia. (1981)
La “Venus de queso” (1981)
El "Partenón de libros": una reproducción del Partenón de Atenas constituído en libros. (1983)

Sus happenings y obras de arte efímero en general apuntan a la respuesta del espectador, y generalmente producen controversia y comentarios en los medios masivos de comunicación.

- SIDA -

DIA MUNDIAL DEL SIDA


1º de diciembre



En 1988 la Asamblea General de las Naciones Unidas manifestó su profunda preocupación por la propagación del síndrome de inmunodeficiencia adquirida (SIDA) y decidió establecer un día para que el mundo tomara conciencia de esta grave enfermedad y de la necesidad de un plan de lucha.

El Día Mundial del SIDA ha llegado a ser un acontecimiento anual en la mayor parte de los países. Aunque se ha fijado el 1º de diciembre como fecha, en muchas colectividades se organizan actividades en los días precedentes y posteriores a la conmemoración oficial, proporcionando una oportunidad importante para despertar el interés por el HIV y por el SIDA en el público en general, transmitir mensajes de prevención, mejorar la asistencia de los infectados por el HIV y luchar contra el rechazo y la discriminación.