- SIMONE -

Los 100 años de Beauvoir


París prepara diversos homenajes para la autora de "El segundo sexo" cuando se cumplen cien años de su nacimiento


Un coloquio internacional, el estreno de varios documentales, nuevas biografías y reediciones diversas celebran este mes de enero el centenario del nacimiento Simone de Beauvoir, la admirada y denostada autora del ´Segundo sexo´, atípica compañera del filósofo Jean-Paul Sarte.

Los especialistas de su obra y de su persona se darán cita en París a partir del día 9, justo cien años después del nacimiento de Simone Lucie-Ernestine-Marie-Bertrand de Beauvoir, icono todavía vigente del feminismo mundial para algunas mujeres y pensadores, figura, también, ampliamente criticada.





Organizado por la psicoanalista y escritora Julia Kristeva en la Universidad París-Diderot, el coloquio reunirá durante tres jornadas de trabajo a intelectuales y biógrafos de diferentes países, entre ellos Claude Lanzmann, Danièle Sallenave, Deirdre Bari y Hazel Rowely.

No está, pues, todo dicho ni descubierto sobre esta intelectual que marcó la vida de miles de mujeres en todo el mundo al defender desde mediados del siglo XX que "no se nace mujer, sino que una se vuelve", porque "el conjunto de la civilización" elabora ese producto "intermediario entre el macho y el castrado que calificamos de femenino".





Adorada y denostada

Fue también la "dama de hierro sartrienne", como le llaman algunos detractores, quien defendió el trabajo como la "única manera que garantiza a la mujer una libertad concreta", pues gracias a él la mujer puede franquear "en gran parte la distancia que le separa del hombre".

Momentos de lucidez como los revelados en estos y otros escritos suyos contrastan, sin embargo, con algunos episodios de su vida y con el contenido de una obra epistolar -su obra maestra, según su colega Philippe Sollers- reveladores de una increíble capacidad de sumisión.





Si intelectuales, realizadores y escritores se volcaron en el recordatorio del nacimiento de esta polémica figura nacional, la prensa tampoco dejó pasar el aniversario, para evocar sus actividades y escritos desde el mejor ángulo, como el diario ´Liberation´, o de manera rotundamente crítica, como el semanario ´Le Nouvel Observatoire´.

Ambos medios la muestran sin su eterno turbante, el rotativo con a una fotografía de la célebre feminista bisexual tomada en 1947; el semanario con su última portada ilustrada con su cuerpo desnudo, de espaldas, en casa de un amigo de su amante estadounidense Nelson Algren, captado a principios de la década de los años 50, en Chicago (EEUU), por el fotógrafo Art Shay.

Detrás de esta imagen poco conocida, ´Le Nouvel Observatoire´ desmitifica la figura de Simone de Beauvoir y entre otros aspectos de su existencia poco atractivos recalca el nulo compromiso tanto suyo como de Sartre en favor de la Resistencia contra la ocupación alemana.





"El Frente Popular, la Guerra de España" tampoco les interesan, "su gran asunto es la filosofía y la escritura, y ellos mismos, por supuesto", insiste el semanario, que recuerda la inactividad resistente de la pareja, considerada, sin embargo, durante décadas, como símbolo de la lucha por la libertad en todo el mundo.

Tampoco se salva en este centenario la memoria de Simone de Beauvoir de que se recuerde la extrema gelidez con la que empezó a defender ya en la década de los 60 causas perdidas, como la de la liberación argelina, en particular de las mujeres argelinas maltratadas por el ejército francés.

El testigo es aquí de peso, pues se trata de la intachable abogada, feminista y política de origen tunecino Gisèle Halimi, que fundó con De Beauvoir el movimiento feminista Choisir (Elegir) y con quien defendió, entre otros, el derecho al aborto.

Poco importa, lo fundamental es la obra, mantienen algunos autores, para quienes lo de menos es también la agitada vida amorosa de Simone de Beauvoir, quien en 1943 fue expulsada de la Educación Nacional tras ser denunciada por la madre de una de las numerosas alumnas a las que sedujo desde su cátedra.

En cualquier caso, la precoz e inteligentísima Simone de Beauvoir, será siempre una mujer que intentó romper, con mayor o menor éxito, el molde social de la burguesía desheredada en la que nació, por lo que es todavía hoy "vaca sagrada" y fuente de inspiración de ciertos feminismos.

No de todos, pues algunas camaradas de lucha critican el "pensamiento liberal-libertino" de la "grand sartreuse", así como la rudeza de su discurso contra la maternidad, y, curiosamente, contra las lesbianas, además de temer que su objetivo fuese hacer de la mujer "un hombre como cualquier otro".

- CIBERBORGES -

Borges, de moda en la Web


Libros y artículos aparecidos en los últimos tiempos coinciden en afirmar que el autor argentino fue un visionario de Internet


NUEVA YORK.– «Borges 2.0: del texto a los mundos virtuales» es el título de un libro de reciente aparición en los Estados Unidos. «Borges y el futuro previsible» era el título de un extenso artículo sobre lo mismo, aparecido el pasado domingo en The New York Times. De un momento a otro se espera que salga también una colección de ensayos que la Bucknell University Press ha compilado bajo el sugestivo título de «Cy-Borges». Todos dicen lo mismo: el escritor argentino Jorge Luis Borges fue un visionario de internet. Sus obras prefiguran la realidad virtual total, las bibliotecas universales, la lectura infinita e infinitamente personalizada...



Ecos de Umberto Eco





Esta aproximación a Borges no es nueva. La han sostenido ya en el pasado intelectuales como Umberto Eco. La insistencia con que el argentino recrea un mundo, más que conocido, devorado por el conocimiento, donde los libros atrapan a sus lectores incluso físicamente, donde se cruzan sin cesar infinidad de datos y donde el saber parece tener vida propia, al margen de los sabios, despierta inmediatas asociaciones con la ciberrealidad actual.

Perla Sassón-Henry es hispanista, es profesora en la Academia Naval de los Estados Unidos. La misma Perla Sassón-Henry es también la autora de «Borges 2.0: del texto a los mundos virtuales». Los dígitos del título son un guiño a la wikipedia, que Sassón-Henry también ve anunciada en varias obras de Borges.

Entonces, la principal aportación del libro no consiste tanto en la novedad estricta como en la frescura práctica, en la inmediatez con que se aborda el concepto. Borges sería el precursor de una nueva hornada de ciberlectores que ya no se conformarían con leer pasivamente, sino que quieren sentirse parte del libro.

En las formas, Borges fue de todo menos futurista. Sus relatos rehúyen casi con horror las asperezas de la cotidianeidad para refugiarse en estilizados escenarios antiguos, casi siempre pretecnológicos. Lo cual no obsta para que en el sótano de una casa de Buenos Aires pueda surgir una especie de webcam universal, de ojo omnímodo, como es «El Aleph».

Sassón-Henry describe al taciturno genio argentino, al que en vida nadie consideró moderno -le regatearon innoblemente el Premio Nobel por su supuesta condición de retrógrado- como «un hombre del viejo mundo con una visión futurista». De su mano puede cualquier lector sentirse más «activo», que con muchos otros escritores, sostiene la hispanista.





A todo lo anterior hay que añadir que el sello editorial norteamericano New Directions ha reeditado «Labyrinths», una antología en inglés de Borges que hacía cuarenta años que no se editaba. El original llevaba un prólogo del miembro de la Academia francesa André Maurois. El prólogo de la reedición de ahora lo ha escrito nada menos que William Gibson, considerado el precursor de la novela ciberpunk. También se atribuye a él la popularización de términos como «ciberespacio». ¿A la vejez, o incluso más allá, viruelas? ¿Va a resultar que Borges no conectó -o no se le permitió conectar- con el populacho de su propio tiempo, y vuelve después de muerto para ser autor de culto de la cibervanguardia?

Sin duda su cultivo del relato breve le hace entrar más fácilmente por muchos ojos minimalistas. Pero lo breve no siempre es fácil. Más bien al contrario, Borges no ha sido una lectura simple ni cuando el esfuerzo de leer estaba mucho más de moda.

Su larga andadura como bibliotecario, y el saber desde joven que estaba destinado a la ceguera, hizo que Borges desarrollara una relación física muy particular con los libros. The New York Times citaba este domingo, con admiración sobrecogida, la célebre cita del autor en que ensalza la ironía de Dios, que pone a un tiempo tantos libros a su alcance, y le ciega para leerlos.

Menos látex, más cerebro





Lo que tanto admira a la ciberpoblación de Borges puede ser entonces no tanto un alarde de su considerable inteligencia -o no sólo- como de su no menos considerable sufrimiento. Condenado a no ver como Beethoven a no oír, el genio se refugia en su memoria, constantemente citada, entreverada y retroalimentada.

Crea en la práctica su propia web, su propia red, para que la literatura no se le escape como un pez vivo entre las manos. Funda un mundo virtual más titánico aún, más ambicioso, que el real. ¿Cómo The Matrix? Sí, pero con menos látex y muchísimo más cerebro.

Cuesta imaginarse cómo reaccionaría Borges de levantar ahora la cabeza para «verse» haciendo surf en la cresta de la ola internauta, en la que algunos creen ver el principio del fin del libro.

Proyectos como las bibliotecas virtuales de Google, la aparición de artefactos como el «Kindle», que pretende ser el «ipod» de los libros, ¿le parecerían el colmo de sus sueños o de sus pesadillas? ¿Vería en ellos los perfiles de su inmortal libro de arena y su biblioteca de Babel, o una apoteosis de lo insustancial, lo inconexo y lo inesforzado, digno de ser barrido de la faz bibliófila de la Tierra, como los mercaderes del templo?

Ciberprofecías de un tiempo a. d. Wikipedia





NUEVA YORK. «¿Quiénes inventaron a Tlön? El plural es inevitable, porque la hipótesis de un solo inventor -de un infinito Leibniz obrando en la tiniebla y en la modestia- ha sido descartada unánimemente. Se conjetura que este brave new world es obra de una sociedad secreta de astrónomos, de biólogos, de ingenieros, de metafísicos, de poetas, de químicos, de algebristas, de moralistas, de pintores, de geómetras... dirigidos por un oscuro hombre de genio. Abundan individuos que dominan esas disciplinas diversas, pero no los capaces de invención y menos los capaces de subordinar la invención a un riguroso plan sistemático. Ese plan es tan vasto que la contribución de cada escritor es infinitesimal».

Este fragmento de «Tlön, Uqbar, Orbis Tertius» aparece citado en la edición del pasado 6 de enero de «The New York Times» como una irrefutable ciberprofecía de Jorge Luis Borges: lo consideran poco menos que la anunciación de la wikipedia.

Funes, el «blogger» memorioso

También creen ver profetizada la blogosfera en este otro fragmento de «Funes el Memorioso»: «Dos o tres veces había reconstruido un día entero; no había dudado nunca, pero cada reconstrucción había requerido un día entero. Me dijo: Más recuerdos tengo yo solo que los que habrán tenido todos los hombres desde que el mundo es mundo. Y también: Mis sueños son como la vigilia de ustedes. Y también, hacia el alba: Mi memoria, señor, es como vaciadero de basuras».

Por fin se remiten a «La biblioteca de Babel»: «De esas premisas incontrovertibles dedujo que la Biblioteca es total (...) o sea, todo lo que es dable expresar: en todos los idiomas (...) Cuando se proclamó que la Biblioteca abarcaba todos los libros, la primera impresión fue de extravagante felicidad. Todos los hombres se sintieron señores de un tesoro intacto y secreto. No había problema personal o mundial cuya elocuente solución no existiera...»

Se comprende el embeleso que estos destellos del genio del argentino han suscitado en sus nuevos «ciberlectores» norteamericanos. Y sin embargo Borges sigue siendo mucho más visionario y más sutil que los que ahora le consideran la deidad tutelar de los internautas.

Baste esta última cita, que es nuestra y no de «The New York Times». Es de «El libro de arena», un relato cuyo protagonista recibe la prodigiosa posesión de un libro infinito, que se deshace y rehace continuamente antes y después de leerlo. Es imposible encontrar tanto la primera como la última página. Las ilustraciones desaparecen solas después de vistas:






«Me quedaban unos amigos: dejé de verlos. Prisionero del Libro, casi no me asomaba a la calle (...) Declinaba el verano y comprendí que el libro era monstruoso. De nada me sirvió considerar que no menos monstruoso era yo, que lo percibía con ojos y lo palpaba con diez dedos con uñas (...) Recordé haber leído que el mejor lugar para ocultar una hoja es un bosque. Antes de jubilarme trabajaba en la Biblioteca Nacional, que guarda novecientos mil libros; sé que a mano derecha del vestíbulo una escalera curva se hunde en el sótano, donde están los periódicos y los mapas. Aproveché un descuido de los empleados para perder el Libro de Arena en uno de los húmedos anaqueles. Traté de no fijarme a qué altura ni a qué distancia de la puerta. Siento un poco de alivio, pero no quiero ni pasar por la calle México».

Anna Grau
ABC

- GONZALEZ TUÑON -

Raúl González Tuñón


Raúl González Tuñón nació en Buenos Aires, un 29 de marzo de 1905. Fue un importante poeta argentino.

Participó de la vanguardia literaria argentina de los años 1920 y viajó luego a Europa. Vivió en París y en Madrid, ciudades en las que hizo amistad con poetas como Robert Desnós, César Vallejo, Rafael Alberti, Miguel Hernández, Federico García Lorca y Pablo Neruda.





Su obra se inicia con "El violín del diablo", que publicó en Buenos Aires en 1926, a los 21 años. En esa época, colaboró con la revista Martín Fierro, en la que también escribieron Jorge Luis Borges, Oliverio Girondo, Francisco Luis Bernárdez, Leopoldo Marechal, Macedonio Fernández y Eduardo González Lanuza, entre otros.

La revista solía polemizar burlonamente con el llamado Grupo de Boedo, que agrupaba a los escritores identificados con la literatura social, quienes a su vez denominaban a sus colegas de "Martín Fierro" como el "Grupo de Florida". Siendo Boedo un barrio entonces proletario y Florida la calle elegante de esa época, los polos de la polémica eran más políticos que literarios. González Tuñón mantuvo relaciones cordiales también con el Grupo de Boedo, especialmente con el poeta Nicolás Olivari.





En 1928, y poco antes de embarcarse rumbo a Europa, González Tuñón publicó "Miércoles de ceniza". Ya en París, escribió uno de los libros considerados fundamentales en su obra: "La calle del agujero en la media", publicado en 1930.

Poco más tarde, en 1936, publica otro de sus libros claves, "La rosa blindada", inspirado en un levantamiento minero en la provincia española de Asturias.
Afiliado al Partido Comunista de la Argentina, Tuñón mantuvo siempre una relación de prudente distancia, no pocas veces tensa, con las estructuras partidarias.





Entre sus poemas que aludían a viajes, barrios de París y de Buenos Aires, pueblos de la Cordillera de los Andes o de la Patagonia, personajes de circo, lugares lejanos, tugurios extraños, marineros, hampones o contrabandistas, distinguió los que llamaba "poemas civiles", referidos a acontecimientos políticos y sociales.

Entre sus libros se cuentan: "El otro lado de la estrella"; "Todos bailan"; "Poemas de Juancito Caminador" (ambos en 1934); "Primer canto argentino" (1945); "Todos los hombres del mundo son hermanos" (1954); "A la sombra de los barrios amados" (1957); "Demanda contra el olvido" (1963), "El rumbo de las islas perdidas" (1969) y "La veleta y la antena" (1971).





Juancito Caminador, un personaje inspirado en un artista de circo y en una marca de whisky (Johnny Walker) se convirtió en un alter ego literario del autor.
González Tuñón fue también periodista. Trabajó en el diario "Crítica", un vespertino de los años '20 y '30, de marcado tinte sensacionalista, pero que reclutó a notables escritores de la época (entre ellos Borges y Roberto Arlt), y en el diario "Clarín", donde escribió crítica de artes plásticas y crónicas de viajes.

Influyó decisivamente en la cultura argentina de los años '50 y '60 y es considerado uno de los fundadores de una corriente moderna de poesía urbana. Póstumamente se han publicado "El banco en la plaza" y "Los melancólicos canales del tiempo".

Falleció en su ciudad, un 14 de agosto de 1974.

- MARIANO MORES -

UN SEÑOR DEL TANGO


MAESTRO MARIANO MORES



Es sin duda alguna un artista exitoso, y esto nunca estuvo en discusión. Su arte transitó cómodamente por todos los medios de difusión existentes: discos, radio, teatro, televisión y el cine. Es una suerte de precer vivo de nuestro cancionero clásico popular.

Su popularidad se extendió por todo el país y en el exterior, tuvo siempre su público. Un público que buscaba un espectáculo con características de "music-hall". Una orquesta numerosa y estridente, con cantores que se brindaban a todo pulmón, bailarines, juegos de luces, algún coro y su director, hiperquinético, ora con sus dos manos sobre el teclado, ora con una sola y dirigiendo con la otra, ora alejándose del instrumento y utilizando ambas manos para conducir la orquesta. Todo al servicio del espectáculo.

Pero paradójicamente, esta receta popular y exitosa de Mariano Mores, utilizada a lo largo de su extensa trayectoria, fue ,al mismo tiempo, el motivo por el cual muchos gustadores del tango no lo aceptaran y lo criticaran por su estilo y "vedetismo".





Mariano Mores: un músico argentino especializado en tango.

Nació con el nombre de Mariano Martínez en el barrio San Telmo (en Buenos Aires) el 18 de febrero de 1918. Estudió en el conservatorio D’Andrea en Lanús Oeste. Hizo el Profesorado de Música Clásica en sólo tres años; a los catorce años ya trabajaba en el café Vicente de la calle Corrientes. Fue acompañante en el conjunto criollo La Cuyanita y por un tiempo fue pianista del tanguero Roberto Firpo.

Martínez estrenó sus primeras composiciones en el Trío Mores, que integraba junto a las hermanas Margot y Myrna Mores. Se casaría con Myrna y adoptaría el apellido Mores como nombre artístico

En efecto, el tanguero admirador de Troilo, Pugliese, Fresedo o del mismo D'Arienzo, nunca aceptó ese estilo, ni siquiera se prestó a su discusión. Era otra cosa. A Mores no se lo puede escuchar con unción, con Mores no se puede bailar, poco importaba quienes eran los cantores, era, en realidad, una orquesta para el teatro y para la televisión. Una orquesta para el espectáculo.





Lo que nadie puede negar de este músico es su talento como compositor. Como alguien dijo: "Lleva la melodía en su cabeza".

En 1938 compuso varias obras para la película Senderos de fe, que no tuvo éxito, pero que le dio la oportunidad de conocer gente del ambiente, por ejemplo Roberto Sciammarella y Alberto Vaccarezza. Fue piano solista en la orquesta de Francisco Canaro entre 1939 y 1948; formó su propio grupo y ese mismo año debutó en la sala del Teatro Presidente Alvear, dirigiendo una gran orquesta.

Aunque poco reconocido, es un gran pianista, pero nuevamente su estilo lo traiciona y perjudica, sus poses y sus muecas al ejecutar el instrumento, le quitan seriedad.





No obstante, hace gala de un molde artístico donde se conjugan en exhuberantes dosis, el desenfado, la simpatía, la viveza comercial y el talento, con que el destino favorece a unos pocos. Hoy se lo reconoce como un ídolo popular que representa una parte esencial de la historia del tango.

Era el año 1936, yo tenía catorce años,y un día viajaba en tranvía por la calle Corrientes". Frente al café "Germinal" estaba el bar "Vicente", en cuya puerta había un cartel solicitando un pianista que tocara música internacional, leyera a primera vista y también transportara. Fui, me tomaron una prueba y quedé, a tres pesos con cincuenta por día. En seguida entré a estudiar en la academía que dirigía Luis Rubistein y nos hicimos amigos. Allí iban a vocalizar las principales figuras de la canción y muchos otros recién iniciados. Conocí a Rodolfo Sciammarella, que me pidió que le pasara al pentagrama las notas que se le ocurrían. Tenía buen oído, era un buen letrista, pero no sabía escribir música. De esta relación nació "Salud, dinero y amor", que originalmente era una zamba y yo la convertí en vals. Fue un gran éxito.





Al poco tiempo, el director de la academia lo nombra profesor y en ese estado conoce a Margot y Mirna Moragues, de quien se enamoró. Entonces el novel profesor se integra al dúo que ellas formaban, "Las Hermanas Mores", transformándolo en el "Trío Mores". Actuaron en radio y diferentes escenarios, hasta que el pianista se integra a la orquesta del gran Francisco Canaro.

Poco antes, había hecho unos arreglos musicales para unos japoneses, música popular de ellos en tiempo de tango. Me pagaron cinco mil dólares, una fortuna. Me compré siete trajes de los mejores, siete camisas y siete de todo. Así, hecho un "dandy", bajaba del tranvía en Callao y Corrientes y por esta, iba caminando hasta Florida, por la vereda de los números impares y volvía por la de los pares, haciendo pinta. La gente empezaba a preguntarse: "¿quién es ese cajetilla?". Un día me vio Ivo Pelay y me dijo: "Vos sí que sos un buen vendedor de imagen. No cambies nunca".

Canaro fue un padre para él, a quien llegó de la mano de Rodolfo Sciammarella, que lo presentó a Ivo Pelay, socio del director. En su formación debutó en el año 1939 en el Teatro Nacional de la calle Corrientes y se desvincula en el año 1948.

Con Luis Rubistein hizo, en 1938, el tango "No quiero" y al año siguiente su primer gran éxito: "Cuartito azul", y al respecto nos dice: «... en realidad era un arreglo para "La cumparsita", una introducción, pero cuando la escuchó Mario Battistella me dijo que allí había un tango. Le puse ese título por una piecita que alquilaba en la calle Serrano 2410 (barrio de Palermo), para vivir cerca de mi novia. Un día se me ocurrió pintarlo disolviendo pastillas de un blanqueador para ropa que venía en cubitos de color azul. La letra fue escrita por Battistella sobre la música. Casi siempre compuse así. Primero la música, aunque hubo excepciones.»

La primera colaboración para el cine fue hacer la música de "Senderos de fe", con Amanda Ledesma, Juan Carlos Thorry y Pedro Maratea. Se estrenó el 26 de octubre de 1938, «... no resultó, y los temas compuestos los pasé al olvido».

Actuó como galán y fue autor de la música del film "Corrientes calle de ensueño", en el año 1939. También en "La doctora quiere tangos", con la actriz Mirta Legrand, en el mismo año. Y finalmente en "La voz de mi ciudad", con Diana Maggi, en 1953.

Mi tango más popular es "Adiós Pampa mía", un homenaje al folklore de la llanura, un tango con ritmo de pericón y estilo. Mi mayor desilusión fue "Por qué la quise tanto", quise que la estrenara Hugo del Carril y no pudo ser. Después fue éxito con Miguel Montero.

Es, a nuestro entender, lo mejor de su música los tangos que compuso con Enrique Santos Discépolo: "Cafetín de Buenos Aires" y "Uno". "Cuando Enrique me conoció me dijo: "Pibe, no escribo más música, para eso estas vos". Para entregarme la letra de "Uno", estuvo tres años, yo ya me había olvidado del tema."

Manzi fue un gran poeta, era muy amigo de Troilo y trabaja con él. Ya enfermo lo fui a visitar un día y estaba en la cama. Me dijo: «¡Qué poco hice con vos! Me voy a morir y me voy a quedar con las ganas. No tengo consuelo». Entonces le empecé a tararear una música que tenía, una especie de tango-malambo, y de inmediato empezó a decir: "La voz... triste y sentida, de tu canción... una lágrima tuya...", así nació un nuevo éxito "Una lágrima tuya".

Pero ha logrado sus más grandes éxitos con su orquesta de corte sinfónico, en la que predomina el piano y con ella ha viajado por el mundo.



Algunas obras destacadas:






Cuartito azul , con Mario Battistella, su primer tango, estrenado en 1939
En esta tarde gris ( 1941)
Tu piel de jazmín (1941)
Grisel (1942)
Uno (1943), con letra de Enrique Santos Discépolo
Cada vez que me recuerdes (1944)
Cristal (1944), con Enrique Cadícamo
Copas, amigos y besos (1944)
A quién le puede importar (1945)
Adiós, pampa mía (1945)
Sin palabras (1946), con Enrique Santos Discépolo
Cafetín de Buenos Aires (1948) con José María Contursi
Una lágrima tuya (1949), con Homero Manzi
El patio de la morocha (1951)
Taquito militar (1952)
La calesita (1953), con Cátulo Castillo
El firulete (1958)
Por qué la quise tanto (1961)
Frente al mar

A días de cumplir sus jóvenes noventa años, vaya nuestro reconocimiento a su extensa e intensa trayectoria.

Ricardo A. Carrasquet

- CULTURA MEDIATICA -

Medios Escritos

La competencia por el liderazgo cultural


Qué proponen, a qué lectores se dirigen, cómo los seducen. Hablan los editores de los suplementos más importantes del país.


En una época en que la prensa escrita parece competir más con la televisión que consigo misma, resulta curioso que los suplementos culturales de los diarios –representantes en gran medida de la cultura libresca– se vean revitalizados por la aparición de nuevas opciones que los incitan a la competencia o, por lo menos, a intensificar sus características diferenciales.

Hace cuatro años nacía Ñ, el suplemento de Clarín que prometía la difusión masiva de temas no tan masivos. El desafío era doble. Por un lado, superaba su propia apuesta al editar una revista cultural que se vendía de manera independiente del diario. Por el otro, debía competir con un suplemento ya instalado y con personalidad propia, como Radar (de Página /12) que por ese entonces ya había cumplido su sexto aniversario.

Dos años atrás, el suplemento del diario Perfil aparecía como una apuesta cultural en la que lo generacional tenía un peso importante: le otorgaba un protagonismo casi absoluto a los más jóvenes, tanto escritores como periodistas. Hace sólo cuatro meses, el diario La Nación salió al ruedo cultural con Adn, un suplemento que, desde antes de su aparición, parecía destinado a posicionarse como el mayor competidor de Ñ y cuyo lanzamiento generó inusitadas expectativas. ¿Las nuevas publicaciones influyen de alguna manera en los suplementos que ya han conquistado un espacio propio o la oferta cultural se rige por leyes diferentes que hacen que tales suplementos logren consolidarse a fuerza de mantener un perfil definido, un carácter insular remiso a la competencia?

Lo que resulta evidente es que es difícil concebir un diario que no tenga un suplemento cultural con peso propio. La personalidad de este tipo de publicación se forja a partir de un sutil –o no tan sutil– sistema de inclusiones y exclusiones, de adhesiones y rechazos a determinadas estéticas, de preferencias y acuerdos y desacuerdos literarios, de concepciones diferentes de la cultura misma.





El capital simbólico. Para Maximiliano Tomas, que está al frente del suplemento cultural del diario Perfil, la aparición de Adn generó una “guerra increíble, maravillosa”. La característica distintiva de esta “guerra” es para Tomas el hecho de que no se compite por bienes materiales, sino por “un capital simbólico como es la cultura”. “Evidentemente –afirma–, hay un valor intangible que para los editores aún sigue siendo muy importante”.

El caso de Ñ parece confirmarlo. Clarín lideraba el mercado desde mucho antes que el suplemento cultural adquiriera la forma independiente que hoy tiene. ¿Qué aportaba en su caso este “capital simbólico”? “Los suplementos o secciones culturales en un diario –contesta Juan Bedoian, editor general de Ñ– son fundamentales no sólo porque dan cuenta de la creación artística y de lo que pasa en el mundo de las ideas (sin esas dos cosas este mundo sería más intolerable), sino porque lo que llamamos cultura nos ayuda a explicar hacia dónde va el mundo, hacia dónde vamos nosotros, dónde estamos parados en este mundo convulsionado”.

Según afirma, la aparición de Adn no lo obligó a modificaciones ni a replanteos. Cuando se le pregunta si piensa en la competencia a la hora de diseñar una tapa, responde: “Casi nunca. La premisa es hacer la mejor tapa posible con el tema que nos parece más atractivo, más interesante. No pensamos en cómo lo harán los otros”.
Para Jorge Fernández Díaz, el hecho de que La Nación tenga un suplemento cultural como Adn es la consecuencia natural de la relación que el diario mantuvo siempre con la cultura. “Fue central desde su nacimiento –asegura–. Su fundador fue un escritor. Por sus páginas desfilaron Borges, Ortega y Gasset... es decir, la cultura es el corazón del diario. Esto se verifica más allá del suplemento, en la revista, en las notas”.

Juan Ignacio Boido, responsable de Radar, asegura que para un diario resulta fundamental un suplemento “porque es importante para sus lectores. El arte es vital para muchos. Y la cultura, un lugar en el que se manifiestan, de una manera u otra, prácticamente todas las matrices que conforman una sociedad”.

Según Umberto Eco, el desarrollo de los medios masivos de comunicación ha resignificado la función de los diarios. “Un periódico –asegura– sirve para empaquetar los hechos con opiniones”. Satisfecha la instancia de la información, es preciso que dicha información sea leída y articulada, que se le confieran sentidos a través de la opinión. Y el campo cultural es el campo de la opinión por antonomasia. Quizás esta sea una de las causas por las que los suplementos culturales tienen un renovado protagonismo.

Los suplementos y sus lectores. Dentro del campo cultural, como en muchos otros, suelen librarse batallas a diario. Se escribe “para” alguien y suele escribirse también “contra” alguien o algo, ya se trate de una institución, un autor, una idea. Las características de una publicación cultural se definen tanto por el público al que va dirigida como por aquello contra lo que se subleva: populismo, elitismo, instituciones académicas, modelos literarios.





Para Boido, la característica principal del suplemento que edita es que “desde su tapa, hasta su diseño y contenido presenta una posición ética y estética ante hechos, objetos, obras artísticas y culturales, atento a las formas nuevas en que estos se manifiestan”. Cuando se le pregunta cómo se posiciona Radar respecto de otros suplementos, es terminante: “El suplemento no se posiciona. Ofrece 32 páginas de lo que considera interesante, dentro de un espectro amplio que va de la música a la literatura, pasando por la plástica, el cine, la radio, el teatro, la televisión, las tendencias, las nuevas tecnologías, la ciencia, la historia, la sociología, entre otras disciplinas. Cada una de las notas intenta satisfacer, en sus diferentes niveles, tanto al especialista en la materia como al neófito”. Su público lector es aquel para quien la cultura y el arte forman parte de su vida cotidiana aunque no tenga una ocupación artística.

Bedoian afirma que Ñ es un suplemento netamente “periodístico porque respeta las reglas del mejor periodismo, es decir: la claridad, la investigación, la mirada crítica”. También afirma que posee una mirada amplia, lo que significa que no está dirigido “a la Academia ni a grupúsculos”. Entre sus objetivos, figura “promover el debate” y tiene una “concepción amplia de la cultura que no se remite sólo a las artes o las letras, sino a esos fenómenos y tendencias que definen a una comunidad, una forma de pensar y de mirar el mundo”. Características adicionales: “Gran variedad temática, diseño claro y de fácil entrada”. Cuando se le pregunta en qué medida la agenda de las editoriales marca los contenidos del suplemento, contesta: “Ñ tiene una sección de literatura y libros de por lo menos siete páginas. Las novedades de las editoriales cuentan allí con presencia como en otras secciones del diario. Pero de ninguna manera se puede decir que eso marca nuestra agenda. Las tapas de Ñ y la mayoría de sus contenidos exceden largamente esa supuesta imposición”.

Tomas se queja, en cambio, de que “hay una inercia en el mercado de los suplementos y un pacto de cordialidad que empuja el foco editorial hacia una corrección política de la que hay que tratar de escapar como de la peste”. Por eso su objetivo es hacer “un suplemento pluralista que intente quebrar el sentido común, que trate de instalar polémicas y, sobre todo, de no responder a ninguna agenda creada externamente, sino a la agenda propia”. Esto significa “no responder a las demandas del mercado ni de los sellos”, sino “tener una lectura diferente del campo cultural a través del foco editorial, de los columnistas y de los colaboradores”. Esta lectura diferente consiste para Tomas en una actitud crítica y reflexiva sobre cualquier fenómeno, desde la aparición de un libro hasta la consagración de un autor. Otra característica distintiva del suplemento del diario Perfil: allí tienen lugar colaboradores, periodistas y escritores jóvenes, menores de 40 años. Según Tomas, el suplemento se ha instalado rápidamente en el mercado “como un sitio donde se hace verdadero periodismo independiente porque no hay pacto establecido con nadie y porque escapa de una manera fóbica de los lugares comunes, del sentido común y de la demagogia y el populismo que se puede apreciar en otros suplementos culturales”. El lector de dicho suplemento es joven “o transgeneracional, pero siempre especializado. El suplemento no dispara con perdigones, sino que trata de llegar al lector al que le gustan las polémicas, que maneja las nuevas tecnologías, el mundo de los blogs, el mundo virtual”.

Fernández Díaz muestra una visión diferente. No quiere hacer un suplemento para especialistas porque el mundo académico está lleno de textos superespecializados. “Muchos intelectuales argentinos –afirma– creen que hay que ser parricida, matar al que vino antes. Yo no quiero que matemos a nuestros padres, sino continuar una tradición. Les dejo ese veneno a los blogs. Todas las supuestas polémicas culturales me parecen de una pequeñez increíble y trato de no subirme a esas discusiones. Los blogs y todo eso me parecen cosas menores”.

Destinados a un lector común, con cierto entrenamiento en la lectura o superespecializado, los suplementos dan cuenta de un fenómeno saludable: todavía sigue habiendo lectores.

Nota: Mónica López Ocón
Revista Noticias
Fotos: Cedoc

- ARCIMBALDO -

Para comerte mejor


Personajes con cara de hortalizas y ojos de pescado, pintados en el siglo XVI por el italiano Giuseppe Arcimboldo, llevaron un poco de frescura a los altivos parisinos


El acontecimiento cultural más divertido de la temporada en París parece ser la exposición Giuseppe Arcimboldo en el Museo de Luxemburgo. Por toda la ciudad, los quioscos promueven al artificioso pintor italiano del siglo XVI desplegando coloridos pósters de rostros mofletudos, formados por mazorcas, pepinos, ajos y cerezas.

Tenía mis dudas, pero resultó ser una muestra encantadora por su concisión admirable, casi elegante y no demasiado superficial. Un público alegre y cortés se agrupa frente a esos retratos soberbios de personajes con cara de hortalizas y ojos de pescados. Se diría que, en Arcimboldo, reconoce una pizca de ese impulso francés por poner las cosas en orden.





Arcimboldo quiso expresar la inestabilidad de la vida, su mutabilidad en un mundo en expansión. Se propuso inspirar una sensación renovadora de asombro, de posibilidad, a veces no del todo reconfortante. Las conquistas comerciales de las potencias europeas del siglo XVI revelaron nuevos continentes. Entre sus frutos exóticos, el choclo podía ser el cómico remedo de una oreja humana, pero también el símbolo político de la dominación europea sobre lugares, economías y pueblos remotos. Y sobre la naturaleza misma.

Ahora bien, me animaría a decir que la mayoría de los visitantes -al parecer, buena parte de ellos son niños- no se detiene a analizar los significados metafóricos. A diario, forman una larga cola que sale de la puerta principal del museo y serpentea por los Jardines de Luxemburgo. Allí, los padres arrancan a sus hijos renuentes de la vieja calesita para llevarlos a la muestra.

"El señor Cara de Fruta", como lo llama desdeñosamente un amigo mío, siempre ha tenido éxito entre las multitudes. Pero su arte es más serio y presuntuoso. Arcimboldo debe de haber sido uno de esos hombres cultos que, al principio de una cena, son jocosos, pero cuya arrogancia ya ha aflorado cuando sirven la ensalada. ...l no tiene la culpa de haber inspirado a miles de espantosos surrealistas del siglo XX, aparentemente consternados ante la idea genial de sustituir una nariz por un pepino o una mejilla por una rosa.





Arcimboldo nació en Milán en 1536; su padre era un artista local. Al principio, pintó retratos convencionales, oscuros, cuya fragilidad no empañaba la destreza del autor. Rindió culto a Leonardo da Vinci a través de Bernardino Luini -que habría sido un amigo de su familia- y de otros intermediarios. Los encargos de vitrales y tapices dieron ciertas alas a su imaginación peculiar y, con el tiempo, le valieron un empleo en Viena, en la corte de Maximiliano II, y luego en la de su hijo, el refinado Rodolfo II.

Allí elaboró, por fin, sus célebres rostros, que lograron satisfacer cierto gusto por el exotismo. Por entonces reinaba una viva curiosidad humanística. Entre los eruditos y los artistas circulaban textos antiguos, como la Historia Natural de Plinio el Viejo, redescubiertos recientemente.

Unas acuarelas suyas de peces y otros animales, que le sirvieron de modelos precisos para partes de rostros, demuestran su firme apoyo en la ciencia y la observación directa. La exploración del mundo y el progreso de la óptica, la ingeniería y otros campos despertaron en Rodolfo, así como en otros mecenas ilustrados, el deseo de poseer los artefactos y las obras de arte más raros, exquisitos e inexplicables.





No pocas obras de escultores y decoradores respondieron también al interés obsesivo por lo maravilloso. Cocos, caracolas, huevos de avestruz y fragmentos de coral recogidos en los rincones más distantes del planeta se transformaron en copas, tazones y empuñaduras de espadas, versiones tridimensionales de los rostros que pintaba Arcimboldo. Nos hablan del enraizamiento del arte en el misticismo y la magia. Después de todo, el pintor es un prestidigitador que convierte unos polvos coloreados en una ilusión. Arcimboldo siguió ese camino. Bosch y los miniaturistas persas le sirvieron de guías.

Retratos reversibles

Todo artista tiene su especialidad. Para Arcimboldo, este desliz de la mente, tan común, devino en una virtual industria privada. El busto de un bibliotecario barbudo, con varios libros por rostro y señaladores por dedos, manifiesta un virtuosismo tan ingenioso como el de sus "retratos reversibles": en la posición correcta, son naturalezas muertas; invertidos, son retratos.

Hay otros cuadros más interesantes. Un anciano esquelético en tres cuartos de perfil, con ramas en vez de barba, de una perversidad memorable porque en su senectud mantiene, en cierto modo, una dignidad casi cortesana. Un jurista alemán, el humanista Johann Ulrich Zasius, tiene por cabeza un pollo desplumado; por boca, la de un pez, y su cola por mentón. Es un cuadro pavoroso que casi nos recuerda el retrato del papa Inocencio X, de Velázquez. Perturba nuestra mente, cual recuerdo borroso de una pesadilla.





El mismo efecto producen cuatro retratos pequeños, rígidos y simples de la familia de Pedro González, cuyos miembros se caracterizaban por tener el rostro cubierto de pelo, igual que el Hombre Lobo. Un hecho tan casual como la aparición del rostro de la Virgen María en un sándwich tostado.

El universo fabrica tales maravillas. El hombre las imita por medio del arte y la industria, con la esperanza de superarlas. Arcimboldo quiso lograr, cuando menos, eso. Su ambición, tan franca e intelectual, confiere a travesuras, a menudo grotescas, su elegante altivez. Pensándolo bien, no es de extrañar que los franceses lo amen.

ARCIMBOLDO El genial pintor nació en Milán, en 1536. Rindió culto a Leonardo da Vinci. Sus vitrales y tapices le valieron un empleo en Viena, en la corte de Maximiliano II, y luego en la de su hijo, Rodolfo II. Allí elaboró sus célebres rostros, en los que sustituyó una nariz por un pepino o una mejilla por una rosa.

- REYES -

6 DE ENERO

- EPIFANIA -


REYES MAGOS


La cita bíblica de San Mateo no habla del número exacto de magos que acudió a honrar con regalos a Jesús. Ni siquiera afirma que fueran reyes. Tampoco especifica sus nombres, sus nacionalidades, la fecha de su visita, ni su destino después de la adoración.

El número de Reyes Magos no se cita con exactitud. San mateo no dio cuenta de ello. En distintas representaciones iconográficas realizadas en templos durante los siglos III y IV aparecen dos, tres y hasta cuatro magos. Otras fuentes cristianas (sirias y armenias) pensaron en doce reyes, al relacionarlos con las doce tribus de Israel o con los doce apóstoles. Los cristianos egipcios creían que eran sesenta.

En el siglo III, el teólogo Orígenes (185-253) indicó que los Reyes Magos eran tres. Tomando en cuenta la cantidad de regalos ofrecidos a Jesús, se ha aceptado esta versión ya que son tres los regalos que se nombran en el Evangelio de San Mateo: oro, incienso y mirra.







Los tres nombres que han llegado hasta nosotros en la tradición occidental son Melchor, Gaspar y Baltasar. Esos nombres aparecieron por primera vez relacionados con los magos hacia el siglo VII, en un códice de la Biblioteca de París. Los nombres son distintos en diversas lenguas. En griego, Appellicon, Amerín y Damascón; en hebreo, Magalath, Galgalath y Serakin.

Existen interpretaciones que dicen que los Reyes Magos podrían haber sido astrólogos babilonios o sacerdotes persas, cultivadores de las ciencias -particularmente de la astronomía- desde un punto de vista teológico. En aquellos tiempos, se llamaba magos a quienes interpretaban las estrellas.

El término mago procede del griego, magoi, y significa matemático, astrónomo y astrólogo. Tertuliano afirmó que los magos debían haber sido reyes procedentes de Oriente. En los siglos siguientes la visión monárquica de estos magos se fue imponiendo y es la que ha permanecido hasta nuestros días.

La mayoría opina que eran originarios de Babilonia o Persia. Babilonia era un gran centro astrológico donde, al igual que en Persia, los magos eran una casta con mucha influencia.







Tradicionalmente se considera que eran babilonios, entre otras cosas, por algunos puntos en común con el pueblo judío y porque el resto de Israel estaba rodeado por el Imperio Romano. Pero muchos investigadores los consideran originarios de Persia (la actual Irán) partiendo de la base de que muchas leyendas de la Navidad proceden de costumbres anteriores al cristianismo.

Melchor es descrito como un anciano, Gaspar, como un joven blanco y, Baltasar, como un hombre de raza negra y barba espesa. Aunque en los albores del cristianismo se los representaba como de una misma raza, se cree que la diversidad fue adoptada para simbolizar la universalidad del cristianismo.

En el siglo XIV, el monje benedictino Beda los describió en un códice de la siguiente manera: "Melchor, anciano de blancos cabellos y larga barba del mismo color; Gaspar, más joven y rubio; Baltasar, negro". Beda los consideraba representantes de Europa, Asia y África, para así acentuar la soberanía universal de Cristo sobre todas las razas y países.

Su viaje habría estado motivado por la aparición de una estrella en el cielo. Uno de los enigmas de los Reyes Magos más estudiado es la naturaleza de ese brillante astro que los condujo hasta el pesebre de Jesús.





Para muchos autores era un cometa o un meteoro luminoso. Algunos creen que pudo haberse tratado del cometa Halley. Kepler, en 1606, afirmó que pudo haber surgido de la conjunción triple de dos planetas, Saturno y Júpiter, en la constelación de Piscis. De todos modos, hay numerosas y variadas interpretaciones al respecto.

San Mateo sólo dice que después de la adoración regresaron a su país por otro camino para burlar a Herodes. La tradición piadosa afirma que fueron discípulos de Santo Tomás. Otros consideran que fueron consagrados obispos y que murieron martirizados hacia el año 70 de nuestra era.

Sus supuestas reliquias fueron transportadas de Milán a Colonia en el siglo XII, donde aún hoy son veneradas en un relicario bizantino de la catedral de esa ciudad alemana.

Lo que es cierto es que los magos han permanecido en la tradición popular hasta nuestros días como los tres reyes que traen regalos a los niños buenos o les dejan un carbón a los que no han sido tan buenos durante el año.

- FOTOGRAFIA DIGITAL -

Fotografía digital

Una revolución tecnológica


La fotografía digital consiste en la grabación de imágenes mediante una cámara, de forma análoga a la fotografía clásica. Sin embargo, así como en esta última las imágenes quedan grabadas sobre una película y se revelan posteriormente mediante un proceso químico, en la fotografía digital las imágenes son capturadas por un sensor electrónico que dispone de múltiples unidades fotosensibles y desde allí se archivan en otro elemento electrónico que constituye la memoria.

La gran ventaja de este sistema respecto a la fotografía clásica es que permite disponer de las imágenes grabadas al instante, sin necesidad de llevar la película al laboratorio y esperar un cierto tiempo hasta que éste entregue las fotos reveladas.







En la cámara digital pueden verse en una pantalla las fotos que se acaban de tomar. La cámara se puede conectar a un ordenador u otro dispositivo capaz de mostrar las fotos en un monitor. Como tienen formato informático, las fotos pueden enviarse directamente por correo electrónico, publicarse en la web y se pueden procesar con programas de tratamiento fotográfico en un ordenador, para ampliarlas o reducirlas, realizar un encuadre (una parte de la foto), rectificar los colores y el brillo, y realizar otras muchas posibles modificaciones según el programa que se utilice.

El costo, en comparación con el sistema análogo, por fotografía impresa es menor. Esto considerando que se pueden realizar múltiples tomas y elegir e imprimir sólo las mejores fotografías.

Se dice que la calidad de una fotografía analógica es superior (aunque esto está cuestionado en estos días) pero muchas veces sólo es notoria cuando se amplían las fotos. Nikon asegura que el film color de 35 mm tiene en comparación poco menos de 6 Megapíxeles de resolución. En cambio expertos fotográficos dicen que una buena cámara analógica, con un buen objetivo, un buen negativo y un buen revelado equivaldría a unos 40 Megapíxeles. Hoy en día, las cámaras digitales han alcanzado los 160 Megapíxeles, por ejemplo la cámara digital "Seitz Phototechnik AG 6x17".







Para algunos es sólo cuestión de tiempo que las cámaras digitales superen a las analógicas y poco a poco el film de 35 mm serán usados por los amantes del arte de la fotografía.

La foto digital presenta un mayor número de aberraciones cromáticas y ruido.
La manipulación de las fotografías digitales es fácil de hacer y muy difícil de detectar, prestándose al fraude y a usos poco éticos.
Otra desventaja de las cámaras digitales es el costo más elevado de estas, comparado con las máquinas convencionales, aunque día a día esta brecha se acorta.

Al igual que en la fotografía clásica, existen muy diversos tipos de cámaras digitales, ya sean de tamaño de bolsillo, medianas o para uso avanzado o profesional, con ópticas más o menos completas, y con sistemas más o menos sofisticados. Una característica peculiar de las cámaras digitales es, sin embargo, la resolución.

También en la fotografía clásica se habla de resolución, pero en este caso depende del tipo de película que se usa, ya que es el tamaño de los granos fotosensibles y la dimensión física de la película lo que determina la resolución independientemente de la cámara. También se habla de la "resolución magnifica", pero debe ser tenida en cuenta solamente la del sensor, ya que la interpolación consiste en un proceso que amplía la imagen sin ganancia de calidad (incluso puede perderla ligeramente), puesto que se parte siempre de la resolución del sensor y ésta se interpola con procedimientos matemáticos en los que es imposible obtener los detalles que no captó el sensor.







Esta categoría incluye la mayoría de las cámaras digitales compactas. Se caracterizan por tener una gran facilidad de uso y operación y enfoque sencillo; éste diseño limita las capacidades de capturar imágenes en movimiento, Tienen una profundidad de campo amplia para la cuestión del enfoque. Esto permite que varios objetos estén enfocados al mismo tiempo lo que facilita el uso aunque es también una de las razones por las cuales los fotógrafos profesionales encuentran las imágenes tomadas por estas cámaras planas o artificiales. Estas cámaras son ideales para tomar paisajes y uso ocasional. Frecuentemente guardan los archivos de imagen en formato JPEG.

Estas cámaras permiten un mayor control de las tomas y tienen más calidad y prestaciones que las anteriores. Físicamente se asemejan a las cámaras SLR (Single Lens Reflex) "profesionales" y comparten algunas de sus funciones, aunque siguen siendo compactas. Generalmente tienen zoom óptico largo (de ahí su nombre) que asegura una capacidad de multiuso.







Algunas veces son comercializadas como y confundidas con cámaras SLR digitales (dSLR) ya que los cuerpos de cámara se parecen entre sí. Las principales características que las distinguen son que no tienen un objetivo intercambiable (aunque pueden añadirse diferentes objetivos en algunos modelos), pueden tomar video, grabar audio y la composición de la escena se lleva a cabo en la pantalla de cristal líquido o en el visor electrónico.

La velocidad de respuesta de estas cámaras tiende a ser menor que la de una verdadera SLR digital, pero pueden lograr una muy buena calidad de imagen siendo más ligeras y compactas que las SLR digitales. Muchas de estas cámaras guardan las fotografías en formato JPEG y cada vez hay más que pueden hacerlo en RAW. En inglés se utiliza a veces la palabra prosumer (un acrónimo de professional consumer) para designar a las personas a las que las empresas dirigen estas cámaras, así como a las mismas cámaras.





La resolución en fotografía digital se mide multiplicando el alto por el ancho de las fotografías que permite obtener la cámara y generalmente comienza con un millón de píxeles, para las cámaras más económicas, y va en aumento hasta más de diez millones de píxeles, para las cámaras profesionales.

El término "píxel" (del inglés picture element), es la unidad más pequeña que capta un valor gris o de color de la fotografía. Una cámara de cuatro millones de píxeles generará imágenes más grandes que una de dos millones, lo que permite obtener una copia impresa de hasta 50 x 75 cm, pero no necesariamente de mayor calidad ya que en este aspecto tiene una mayor importancia la calidad de la óptica utilizada. Sin embargo, dado que a más megapíxeles las cámaras son más caras, es habitual que también posean mejores lentes.

Otra característica de la fotografía digital es el zoom digital. Mediante este zoom se puede ampliar una foto, pero el efecto no es el de un zoom óptico. El zoom óptico acerca y amplia lo que se quiere fotografiar sin mermar la resolución de la cámara, ya que el acercamiento se consigue con el objetivo. El zoom digital, por el contrario, amplia la imagen que ya ha recibido, de forma que disminuye la resolución, al igual que ocurriría encargando una ampliación al laboratorio o utilizando un programa de edición de gráficos.

Actualmente las cámaras digitales también permiten tomar vídeos, generalmente en resoluciones de 320x240 ó 640x480 píxeles y de entre 12 y 60 fotogramas por segundo, a veces con sonido (normalmente mono) en el caso de los modelos más completos. Estos videos son sólo un complemento a la función principal de la cámara, sacar fotos, por eso no suelen ser de una gran calidad, para ello se requiere una videocámara.





La primera cámara digital fue desarrollada por Kodak, que encargó a Steve Sasson la construcción de una en Diciembre de 1975. Ésta tenía el tamaño de una tostadora y una calidad equivalente a 0.01 Megapíxeles. Necesitaba 23 segundos para guardar una fotografía en blanco y negro en una cinta de casete y otros tantos en recuperarla.

- NUESTRA LENGUA -

El futuro de nuestra lengua


El ministro de Cultura de España mantuvo un diálogo on line con adn CULTURA.com y destacó el aporte de América latina


Por Susana Reinoso
De la Redacción de La Nación


"La literatura argentina es una de las más grandes escritas en español y por ello tiene una legitimidad en todo el mundo". El autor de estas palabras es nada menos que el Ministro de Cultura de España, César Antonio Molina, que en diálogo exclusivo con adn CULTURA.com reflexionó sobre temas como el posicionamiento de la lengua española en el mundo, el lugar que ocupa la cultura en el actual gobierno español y el aporte de América latina en la narrativa iberoamericana.

Licenciado en Derecho y en Ciencias de la Información, Molina fue profesor en la Universidad Complutense y en la Carlos III de Madrid. En 2004 fue nombrado director del Instituto Cervantes y, en 2005, el gobierno francés lo nombró Caballero de la Orden de las Artes y Letras. Ha publicado más de 30 libros, especialmente de ensayo, prosa y poesía.

"Pocas literaturas tienen escritores como Borges o Bioy Casares", confiesa el escritor e investigador, que desde julio de 2007 es el elegido del gobierno de José Luis Rodriguez Zapatero para ocupar la función pública.

–¿Qué opina del entredicho entre el rey Juan Carlos y Chávez en la Cumbre Iberoamericana?

–Somos una familia y en las familias se discute, pero también se suelen arreglar las cosas en casa. Este es un caso particular. Yo he viajado muchas veces al continente iberoamericano y he podido constatar el afecto, el cariño y el respeto hacia el rey. También la admiración hacia España y lo que somos. Yo espero que se pase del corazón a la razón y que esta cuestión, que es muy concreta, se vaya disolviendo, porque hay muchos vínculos históricos, familiares. Por eso espero y deseo que las aguas vuelvan a su cauce.

–Su gestión comenzó con el alejamiento de dos mujeres reconocidas en el mundo de la cultura, una en la Biblioteca Nacional, y la otra en el Centro Reina Sofía, ¿cómo fue el proceso de la toma de decisión en ambos casos?

–La decisión la tomaron ellas ya que dimitieron.

–La ley del cine que tanto dolor de cabeza le produjo a Carmen Calvo, su antecesora, llegó a buen puerto con una generosa concesión para el cine autonómico catalán. ¿A más concesiones, no se complica el panorama entre catalanes y españoles, habida cuenta de la fuerza del reclamo catalán?

–No es una concesión a Cataluña, afecta a todas las cinematografías con lengua propia además del castellano: Cataluña, País Vasco, Galicia, Valencia y Baleares. Es un fondo complementario para el apoyo al cine en lenguas distintas al castellano ya que es sabido que tienen unos problemas evidentes de producción y comercialización. Además, es un fondo compartido con las diferentes Comunidades Autónomas que no afecta, insisto, al fondo de protección a la cinematografía y al audiovisual, que es de carácter estatal.

–Los catalanes decidieron llegar a la Feria del Libro de Frankfurt, una vidriera inmejorable para la industria editorial, solo con escritores catalanes. ¿No es esto una actitud reduccionista desde lo cultural? Y, otra duda, ¿acaso no viajan con pasaporte español o ya se expiden pasaportes catalanes?

–España es un país plurilíngüe donde hay una lengua común que hablamos 500 millones de hablantes y otras lenguas minoritarias de gran cultura y literatura y todas tenían representación en Frankfurt, donde estaban los escritores en catalán y los escritores en español y en las otras lenguas. Yo visité la Feria como ministro de todos los españoles que escriben en español y en gallego, como yo, y en catalán y en euskera.

–Su gestión al frente del Instituto Cervantes posicionó a esta entidad como esencial en la difusión de nuestra lengua en el mundo. ¿Cuál será la posición de España en el futuro? ¿La mira más puesta en Asia que en Europa del Este y en los Estados Unidos?

–El Instituto Cervantes se expande por todo el mundo. En Europa ya está prácticamente en todos los países y era muy importante estar en un Continente donde la presencia española era muy pequeña pero muy demandada. De ahí el esfuerzo de inaugurar centros en China, Japón, Corea, India y el continente australiano.

–¿Ahora, desde el Gobierno, siente usted que la cultura sigue siendo la hermana pobre de la economía, o el Gobierno español tiene a la cultura en la agenda de los temas fundamentales cuando sale al exterior?

–El Gobierno actual le ha dado una importancia muy relevante a la cultura. Sólo hay que pensar que ahora el Ministerio de Cultura es un Ministerio y durante la anterior legislatura, en la que había otro Gobierno, era una Secretaría de Estado. Esta categoría es una toma decisiva en favor de la cultura. La cultura es algo espiritual que nos une a todos los hablantes de español pero también es una gran industria de la que en España viven casi un millón de personas y que supone en 15 % del Producto Interior Bruto. Por lo tanto yo también, como ministro de Cultura, represento a esa industria cultural que tiene un gran reconocimiento en todo el mundo. Los españoles y los hispanoamericanos somos lo que somos por Cervantes, Velázquez, Picasso, Borges, Octavio Paz, Lorca... y tantos y tantos otros artistas de los diferentes géneros.





–¿Visitará usted a Ernesto Sábato en su viaje a la Argentina? ¿Tiene algún acuerdo en marcha con la Fundación que lleva su nombre o es sólo una visita de afecto y amistad?

–Siempre hemos colaborado con Sábato, al que considero un viejo amigo y un maestro, y su Fundación y mi renovada visita ahora en Buenos Aires viene a subrayar y ratificar el que el Ministerio colaborará con esta Institución de la manera que ambas partes consideren adecuada. No puedo olvidar que en mi toma de posesión como director del Instituto Cervantes estuvieron Ernesto Sábato y Francisco Ayala, dos grandes escritores que compartieron años difíciles en el Buenos Aires de otros tiempos. Tenemos además pendiente llevar a cabo una vieja idea que es una exposición con manuscritos, primeras ediciones, traducciones, fotobiografías y pinturas de Ernesto Sábato y que podría comenzar en Madrid, recorrer otros países a través de las sedes del Instituto Cervantes y acabar en Buenos Aires.

–Se presentará usted en el Premio Clarín de Novela. ¿Es ésta una forma de legitimar la importancia que la literatura argentina tiene en el mundo iberoamericano?

–La Literatura argentina es una de las más grandes escritas en español y, por lo tanto, tiene una legitimidad no sólo en el entorno de esos 500 millones de hablantes sino en todo el mundo. Pocas literaturas tienen escritores como Borges o Bioy Casares. Y hoy tienen grandes escritores como Piglia en narrativa o Hugo Múgica en poesía.

–Como escritor, si tuviera usted que hacer un análisis del futuro de las letras en español, ¿cuánto cree que le está aportando América latina al futuro de la narrativa iberoamericana, a pesar de que la industria está concentrada en manos españolas?

–La industria está ahora en manos españolas, pero la gente de mi generación durante los años 70 y 80 nos formamos con libros publicados por exiliados españoles, editados en Argentina y México. Tenemos la fortuna de tener una gran literatura en las dos orillas que en ocasiones florece más en una que en otra. Por ejemplo, en la primera mitad del siglo XX la narrativa y la poesía en España fue rutilante y en la segunda mitad le sucedió lo mismo a la literatura hispanoamericana. Hoy estamos mas equiparados

–¿Su visita al Centro Galicia de Buenos Aires implica algún tipo de futura ayuda económica para el desarrollo de actividades culturales de esa entidad en Buenos Aires?

–No es la primera vez que visito el Centro gallego, aunque sí es la primera como ministro de Cultura. Para mí es un honor, como gallego y como ministro, rendir un homenaje a mis coterráneos que tanto han trabajado en estas magnificas tierras de Argentina con las que los gallegos nos sentimos hermanos. Yo mismo, de pequeño, sabía los nombres de las calles de Buenos Aires, Montevideo, Caracas o de Nueva York antes que las de Madrid o de cualquier ciudad española porque se las oía a muchos de esos emigrantes que volvían a La Coruña.

–¿Su reunión con la ministra de Cultura de Chile será por el Congreso de la Lengua de 2010? ¿Está pensando España actividades y programas acorde con un festejo de gran dimensión para los latinoamericanos como es el Bicentenario de 2010? Aunque, claro, este festejo concierne a nuestra independencia, España se ha mostrado favorable a participar, por eso mi pregunta.

–Hablaré del Congreso de la Lengua en el que el Ministerio, por primera vez, colaborará con una extensa programación de actividades. También hablaré del Bicentenario de la Independencia y avanzaremos sobre el Primer Congreso de Cultura Iberoamericana, que se llevará a cabo el año que viene en México DF y que versará sobre el cine. Será un gran festival donde debatiremos sobre los problemas de nuestra cinematografía y analizaremos cómo podríamos acercar la industrias cinematográficas de nuestros respectivos países.

–Una reunión de la RAE y la Asociación de Academias este fin de semana en España analizará la presencia del español en la Red. Que no es sólo pequeña en relación con el inglés, sino que para peor, no se incluye la Ñ.

–En noviembre último asistimos en la Real Academia Española a la presentación de los nuevos dominios de Red.es que permiten utilizar en Internet la ñ y otras grafías como los acentos graves y agudos, lo que abre las puertas al idioma español de forma que pueda expandirse y consolidarse a través de la Red. Es una gran paso para todos los países hispanohablantes que el dominio .es sea un referente de la lengua española y no sólo un indicativo territorial. En el acto estuvieron presentes los directores de todas las Academias de la Lengua iberoamericanas.

–España y Argentina tienen grandes acuerdos de coproducción fílmica, ¿a partir de la nueva ley del cine se prevé fortalecer ese intercambio en materia de coproducciones cinematográficas?

–La coproducción entre España y Argentina depende de la buena salud del cine español y argentino y no necesitan apoyos complementarios. Además, hasta el momento esta cooperación está siendo muy satisfactoria, como lo demuestra que los dos países sean un referente dentro del programa Ibermedia.

–¿Advierte usted si existen indicadores económicos que permitan hablar de una recuperación real de esta región que repercuta directamente en un aumento de la presencia del castellano como lengua de comunicación internacional?

–Iberoamérica está en pleno desarrollo. Hay países como Argentina, Brasil y México que, sin duda, serán los grandes países del siglo XXI. Ahora estamos viviendo tan sólo el inicio de esa expansión.

- CULTURA -

Frases y citas


célebres sobre


la Cultura







Solo el que sabe es libre,
y más libre el que más sabe...
Sólo la cultura de libertad...
No proclameis la libertad de volar,
sino dad alas;
no la de pensar, sino dad pensamiento.
La libertad que hay que dar al pueblo
es la cultura.
Miguel de Unamuno

No hay hombres cultos:
hay hombres que se cultivan.
Ferdinand Foch

Los hombres se distinguen
menos por sus cualidades naturales
que por la cultura que ellos
mismos se proporcionan.
Los únicos que no cambian
son los sabios de primer orden
y los completamente idiotas.
Confucio

La sencillez y naturalidad
son el supremo y último
fin de la cultura.
Friedrich Nietzsche

La cultura es aquello que
permanece en un hombre
cuando lo ha olvidado todo.
Émile Henriot

Cultura es sinónimo de
civilización y progreso intelectual.
José Sarukhán

Sólo somos curiosos en
proporción con nuestra cultura.
Rousseau

La cultura es un bien personal.
Únicamente nos llega por
el camino del cultivo propio.
Lofficier

Una cabeza bien formada
será siempre mejor y
preferible a una cabeza muy llena.
Michel E. de Montaigne

Dos medias verdades no hacen
una verdad y dos medias
culturas no hacen una cultura.
Arthur Koestler

- BERNI -

Antonio Berni


Antonio Berni nace el 14 de mayo de 1905 en Rosario, provincia de Santa Fe y fallece el 13 de octubre de 1981.

Sobresaliente pintor argentino. Sus padres eran de origen italiano, su padre Napoleón Berni era sastre nacido en Italia, su madre Margarita Picco era argentina hija de inmigrantes italianos radicados en Roldán, un pueblo de la provincia de Santa Fe. Fue un artista representativo de la época que vivió; lo caracterizó el fuerte contenido social de su obra. Con una galería de personajes entre los que se destacan Juanito Laguna y Ramona Montiel, representantes de los sectores más bajos y olvidados.







En 1907 conoce a Mariano Puig en el taller de vitrales Buxadera y Cía, estuvo durante un año. En 1915 su padre lo envía a casa de sus abuelos maternos en Roldán (Santa Fe). En 1925 gana la beca del Jockey Club de Rosario para ir a estudiar a Europa, allí concurre a los talleres de André Lhote y Othon Friesz. En París se pone en contacto con la pintura metafísica y con el surrealismo, además de adherir a la idea de la acción artística comprometida con la realidad política y social. En 1933 toma contacto con el mexicano Siqueiros y la técnica de muralismo. Una beca en 1941 de la Comisión Nacional de Cultura le permite viajar, por Latinoamérica y estudiar su arte.

En 1925,el Jockey Club de Rosario le otorgó al joven Berni una beca para estudiar en Europa.Se instaló en París y algunos viajes por España,Italia,Holanda y Bélgica le permitieron conocer museos,artistas y obras de la historia del arte que van influenciando sus trabajos.Por ejemplo,en Italia estudia a los maestros del Renacimiento del siglo XV y viaja por ciudades como Florencia visitando sus iglesias,palacios y museos.







En 1920, con 15 años, expuso sus cuadros por primera vez, en el Salón Mari. Eran paisajes suburbanos y estudios de flores. Repitió la experiencia en 1921, 1922, y 1924. En 1923 expuso en la galería Witcomb de Buenos Aires. Para entonces ya recibía halagos de los críticos de arte en diarios como La Nación y la Prensa (diarios muy reconocidos del momento). En esta época sus cuadros respondían al impresionismo y paisajismo.

En 1943 obtiene el Gran Premio de Honor del Salón Nacional, en Argentina. En 1962 gana el Gran Premio Internacional de Grabado de la Bienal de Venecia. Sus grabados también son premiados en la Bienal Internacional de Ljubljana, Cracovia y en Intergrafik de Berlín.







Su obra estuvo influenciada por los acontencimientos históricos, que vivió a lo largo de su vida. En 1933 en contacto con Siqueiros y el muralismo como arte de proyección comunitaria, comienza a trabajar, en composiciones de gran tamaño, que tratan a escala monumental los conflictos de las clases populares. En 1944 funda junto a Spilimbergo, Castagnino, Urruchúa y Colmeiro, el primer Taller de Arte Mural, con el que ejecuta al año siguiente la decoración de la cúpula de las Galerías Pacífico.

- MUY FELIZ 2008 -

QUE LA LUZ NOS ACOMPAÑE