sábado, 14 de mayo de 2011

- ENFERMERA -





Día internacional de la enfermera




El 12 de mayo de 1820, en la hermosa ciudad de Florencia, Italia, mientras los esposos Nightingale, una familia de la alta burguesía inglesa, se encontraba de viaje, llegaba al mundo una niña que sería bautizada con el nombre de su ciudad natal.

A mediados de ese propio siglo XIX se producía el encuentro de Florence Nightingale y la práctica de la enfermería, en la lejana Alemania. De regreso a la patria se dedicó con pasión a cuidar a los enfermos, aun en contra de la opinión familiar, perteneciente a la alta burguesía del país, educada en las puritanas costumbres de la época victoriana de la Inglaterra anglicana.

El recrudecimiento de la guerra de Crimea, en 1854, le permitió marchar a los campos de batalla al frente de un grupo de enfermeras voluntarias reclutadas entre la propia burguesía. En las barracas de Scutari, en Turquía, se distinguió por sus dotes organizativas, motivo por el cual, un siglo más tarde, la Organización Mundial de la Salud instituyó el Día de los Hospitales en la fecha de su natalicio, y rendirle, de esa forma, tributo a su contribución a la teoría y práctica de la organización hospitalaria, reconociéndola como la primera gran administradora de hospitales.

A su regreso de Crimea fue recibida como una Heroína Nacional, condecorada por la Reina Victoria, de quien recibió un importante donativo para la fundación del Instituto Nightingale, primera escuela de enfermeras, con un método teórico-práctico de la enseñanza y un marco ético conceptual bien definido.

En sus "Notas sobre Enfermería", su única obra escrita, dejó plasmados muchos de sus conceptos éticos profesionales. Mientras para muchos, a fines del siglo pasado, la Enfermería debería constituir solamente una profesión después de un curso de preparación y exámenes, Florence era del criterio de que, aunque ambicionaba que todas las enfermeras estuvieran bien preparadas, era mucho más importante cultivar sus cualidades morales, que no podían ser calificadas por los exámenes ni por el número de un escalafón.

En ese marco conceptual fueron formadas las estudiantes de la Escuela Nightingale, de cuyo seno surgieron algunas enfermeras norteamericanas, tales como Mary O´Donnell, Eugenie Hibbard, Gertrude Moore, Elizabeth Walker, Clara Luisa Maas y otras, quienes contribuyeron con su labor personal a la fundación de las primeras Escuelas de Enfermeras en Cuba.

Todas estaban bajo el influjo de esta carismática mujer que había despertado la admiración y respeto de todos, hasta tal punto considerada una autoridad en la organización de la atención hospitalaria, que fueron solicitados sus servicios por las 2 partes beligerantes en las otras 2 guerras importantes de la segunda mitad del siglo XIX, la de Secesión Norteamericana y la Guerra Franco-Prusiana. La primera fue la que puso en contacto a Elizabeth Blackwell, primera mujer médico norteamericana, quien sería posteriormente la fundadora de la escuela de enfermeras norteamericana, con Miss Nightingale.

- A. M. JUSTO -





ALICIA MOREAU DE JUSTO


A 25 años de su muerte




Médica, política, defensora de los derechos humanos y pacifista.
(1885-1986)

Nació el 11 de octubre de 1885 en Inglaterra, hija de Armando Moreau francés y de María Denanpont.

Siendo niña viajó con su familia a la Argentina. Realizó sus estudios en Buenos Aires, recibiéndose de maestra y profesora en la Escuela Normal número 1. Se graduó de médica en 1913 con diploma de honor. Había cursado el sexto año de estudios en la sala de Ginecología del viejo Hospital de Clínicas, en Buenos Aires, y el séptimo, y entonces último, en la sala de Clínicas del mismo establecimiento.

Este logró fue muy sorprendente en esta época, donde las mujeres eran discriminadas y no se las dejaba ejercer sus estudios y la medicina con facilidad. Alicia creía que era "necesario combatir el dolor humano", como confesó al ser proclamada Ia médica argentina del siglo", poco antes de su muerte.

Luchadora incansable por los derechos humanos y la reivindicación del género femenino, fue una de las primeras mujeres en integrarse al quehacer político argentino.

En 1902 creó junto a otras compañeras "El Centro Socialista Feminista" y "La Unión Gremial Femenina", construyendo las bases para el reconocimiento de igualdad de la mujer en la sociedad Argentina.

Comenzó su actividad intelectual en el Foro de Libre Pensamiento en 1906, con un trabajo sobre educación y ese mismo año fundó el centro feminista.
Entre sus obras más importantes se encuentran:

*- "La mujer en la Democracia",
*- "El Socialismo según la definición de Juan B. Justo".
*- Dirigió además, entre otras, la revista "Vida Femenina".
*- Fundó la Confederación Socialista Argentina y la Fundación Juan B. Justo, la que presidió hasta su muerte.

Falleció a los 101 años, el 12 de mayo de 1986.

- MARLEY -





Bob Marley


A 30 años de su desaparición





Bob Marley, nacido como Robert Nesta Marley, nació el 6 de febrero de 1945, en Nine Mile, una pequeña localidad al norte de Jamaica. No podía imaginar que llegaría a convertirse en uno de los mitos musicales de este siglo.

Bob Marley era hijo de Cedella Booker, una mujer africana afincada en Jamaica, de 18 años y de Norval Marley, un capitán del ejército británico, de 50 años que se desentendió de su hijo.

A finales de los años cincuenta, Robert se trasladó con su madre a Kingston, la capital. Era la ciudad donde los habitantes de las zonas rurales acudían en pos de mejorar su situación económica. Por desgracia para la mayoría, su destino eran los barrios pobres y míseros.

Gran influencia tuvo en la vida de Bob Marley la religión Rastafarí, mezcla de profecías bíblicas, filosofía naturista y nacionalismo negro. En 1930 Ras Tafari Makkonen fue coronado emperador de Etiopía, pasando a llamarse Hailè Selassiè. Según una vieja profecía, este rey libertaría a la raza negra del dominio blanco. Muchos jamaicanos, creyentes en la profecía, lo eligieron como el representante de su nueva religión.

Fue en este ambiente donde Bob Marley conoció a Neville O'Riley Livingstone (Bunny) y a Peter McIntosh. Juntos comenzaron a tocar, influenciados por la música de Ray Charles, Fats Domino, Brook Benton o Curtis Mayfield.

En 1963 forman un grupo, 'Wailing Wailers', lanzando un primer single que alcanzaría el primer puesto en las listas jamaicanas. Bob Marley se convirtió en uno de los primeros en escribir canciones sobre los jóvenes delincuentes del ghetto de Kigston.

En 1966, Bob Marley se casó con Rita Anderson, y se marchó a vivir con su madre unos meses. Esta estaba viviendo en Estados Unidos, con su nuevo esposo. A su vuelta a la isla, la creencia en la religión Rastafarí creció, reflejándose en sus canciones.

Con sus amigos Bunny y Peter, crean un nuevo grupo, 'The Wailers'. Debido a la 'espiritualidad' que emanaba de sus canciones, tuvieron problemas para encontrar representantes, lo que les resta gran parte del éxito que esperaban.

A principios de los setenta, se alían con Lee Perry, un productor que revoluciona su trabajo, dando como resultado algunas de sus mejores obras, como 'Soul Rebel', 'Small Axe', '400 Years', etc.

En 1972, el grupo edita su primer álbum, 'Catch a Fire', que tuvo gran éxito, lo que llevó a la casa discográfica a realizar una gira por Inglaterra y Estados Unidos. En 1973 salió a la luz su nuevo disco, 'Burnin', con nuevas versiones de sus viejos temas.

En 1975 Bunny y Peter dejan el grupo para dedicarse a su carrera en solitario. Les sustituyen en el grupo la mujer de Marley, Marcia Griffiths y Judy Mowatt. El grupo pasó a denominarse 'Bob Marley & The Wailers'.

En 1976 se publicó 'Rastaman Vibrations', encaramándose a las listas de éxitos y siendo considerado como el más claro exponente de las creencias de Bob Marley.

El 5 de diciembre de 1976, Marley se disponía a dar un concierto en Jamaica, como reivindicación de la paz y los derechos de los ciudadanos de su patria. Pero unos desconocidos le atacaron antes del concierto, aunque sin herirlo. Tras este atentado, Bob Marley abandona Jamaica y se traslada a Florida, multiplicando sus giras por USA, Europa y Africa.

Al año siguiente se editó el álbum 'Exodus', que se convirtió en un superventas en Inglaterra. En 1978, publicaron 'Kaya', un nuevo éxito con canciones de amor y de homenaje a la marihuana.

Tras la publicación del disco 'Babylon By Bus', fruto de una gira por Europa y América, Marley visita Africa, hecho que le inspiró un nuevo album, 'Survival', homenaje a la patria africana.

En 1980 publica 'Uprising', cuyo éxito fue arrollador, propiciando una nueva gira europea que batió todos los records de asistencia. Al finalizar la gira europea, Marley cayó gravemente enfermo de cáncer, causado por una herida que se había hecho unos años antes.

El 11 de mayo de 1981 Bob Marley fallecía en un hospital de Miami a los 36 años. Su cuerpo fue trasladado a su ciudad natal, Nine Mile, donde descansa en un mausoleo. A su funeral acudieron el primer ministro y altas personalidades de su país.

- HIMNO -





Hoy es el día del Himno Nacional Argentino




La Asamblea General Constituyente lo aprobó como canción de la patria el 11 de mayo de 1813. Originalmente duraba 20 minutos. Ahora dura 3. Escuchá las versiones.

Hoy es el día de esa canción que todos sabemos, que de chiquitos repetimos sin entender y que de grandes aprendemos a comprender: el Himno Nacional Argentino, una de las melodías y letras más conmovedoras para los que vivimos en este país.

Fue un 11 de mayo cuando la Asamblea General Constituyente lo aprobó el 11. Corría el año 1813 y en ese entonces se llamaba "Marcha Patriótica".

La marcha, compuesta por versos de Vicente López y Planes y música de Blas Parera, duraba originalmente 20 minutos.

La obra se presentó el 25 de mayo de 1813 en una tertulia, y el día 28 de ese mismo mes se cantó durante una función patriótica.

Luego se la conocería como Canción Patriótica Nacional, y más tarde simplemente como Canción Patriótica.

Pero en una copia de 1847 aparece titulada como Himno Nacional Argentino, nombre que recibe en la actualidad.

En 1860, Juan Pedro Esnaola hizo algunos cambios a la música basándose en anotaciones manuscritas del compositor.

Por el decreto número 10.302 del 24 de abril de 1944, esta Marcha fue aprobada como el Himno Nacional Argentino pero en una versión reducida.

El himno pasó de durar 20 minutos a 3 minutos y 53 segundos.

- HOUSSAY -





Bernardo Houssay




Bernardo Alberto Houssay (10 de abril de 1887 - 21 de septiembre de 1971), fue un médico y farmacéutico argentino nacido en Buenos Aires.

Por sus descubrimientos sobre el papel desempeñado por las hormonas pituitarias en la regulación de la cantidad de azúcar en sangre (glucosa), fue galardonado con el Premio Nobel de Medicina en 1947, siendo el primer argentino y latinoamericano laureado en Ciencias (Carlos Saavedra Lamas, también argentino, recibió en 1936 el Premio Nobel de la Paz). Gracias a su trabajo, la fisiología fue la disciplina médica que mayor vigor y desarrollo tuvo en la Argentina.

Descendiente de franceses, fue un joven prodigio: cursó los estudios primarios en 2 años, fue bachiller del Colegio Nacional de Buenos Aires a los 13, se graduó de farmacéutico a los 17, y de médico a los 23, dos años después de comenzar la docencia en la Universidad de Buenos Aires. Houssay se convirtió en un maestro universitario de inigualable prestigio y en un importante investigador.

En 1919 fundó el Instituto de Fisiología en la Facultad de Medicina de la Universidad de Buenos Aires y lo dirigió hasta 1943, y luego desde 1955. En él empezó su labor de enseñanza a sus discípulos, que luego se transformarían en los primeros profesores universitarios de fisiología del país. De esta manera el Instituto se convirtió en un centro de excelencia mundial en el área de la investigación científica.

También se debe a su iniciativa y la de sus colaboradores la fundación en 1920 de la Sociedad de Biología y la publicación del Acta Physiologica Latinoamericana desde 1950.
En 1945 publicó el tratado Fisiología humana, que sería traducido a las principales lenguas.

Gracias a la publicación de este tratado Houssay recibió la consagración internacional a través de importantes premios: de la Universidad de Toronto (Canadá), del Royal College of Physicians (Inglaterra), de la Royal Society of New South Wales (Australia), y, finalmente, el Premio Nobel de Fisiología o Medicina en 1947, por su trabajo de la influencia del lóbulo anterior de la hipófisis en la distribución de la glucosa en el cuerpo, de importancia para el desarrollo de la diabetes.

El premio no le sirvió para aminorar las tensiones que tenía con el gobierno peronista: expulsado de su cátedra y en forma privada, Houssay creó el Instituto de Biología y Medicina Experimental. Desde allí realizó junto con sus compañeros más de mil trabajos en endocrinología, nutrición, farmacología, patología experimental, glándulas suprarrenales, páncreas, hipertensión, diabetes y otras áreas abarcadas por la fisiología.

Bernardo Houssay fue presidente de la Asociación Argentina para el Progreso de las Ciencias, de la Academia Nacional de Medicina, de la Sociedad Argentina de Biología y de la Federación Internacional de Diabetes. Debido a su importancia en este campo de la medicina también tuvo la oportunidad de dictar cursos en las instituciones más importantes del mundo y recibió condecoraciones por parte de los gobiernos de Francia, Bélgica y Chile. Gracias a su trabajo surgió el CONICET, del que fue su primer presidente.

En 1966 recibió la Gran Cruz de la Orden Civil de Alfonso X el Sabio.

Además de su trabajo pionero en la Argentina, dejó también a decenas de discípulos de importancia mundial entre los cuales se destaca Luis Federico Leloir, Premio Nobel de Química en 1970.

Houssay murió en 1971. En 1983 recibió el Premio Konex de honor.

- CULTURA -







QUE SIGNIFICA CULTURA





La palabra Cultura proviene de “cultivar”. En principio se mencionaba a la tierra y luego al hombre. Mucho se a conjeturado sobre “la cultura”. Sintéticamente se trata en conjunto de todas las formas de vida y expresiones de una sociedad determinada. Todo lo que hacemos es cultura! Es imprescindible rescatar la cultura del conocimiento y de la transformación, no solo de lo exterior, sino de la persona que se acerca al contacto con la misma. El que aprende música, teatro, danza, pintura (por poner meros ejemplos) se impregna de una fuerza evolutiva profundamente transformadora que alimenta uno de los más importantes apetitos: el alma.

INTERRELACIÓN DEL ARTE Y CULTURA

¿Que es el Arte? Mucho se habla al respecto, pero no es simple conceptualmente y además se trata de una complicada definición. El arte es una forma de hacer bien las cosas... habilidad, talento y destreza, para una disciplina trascendente ó no...Un arte es una expresión de la actividad humana mediante la cual se manifiesta una visión personal, sobre lo real o imaginado.El término arte procede del término latino ars. En la Antigüedad se consideró el arte como la pericia y habilidad en la producción de algo. Es hasta finales del siglo XV, durante el renacimiento Italiano, cuando por primera vez se hace la distinción entre el artesano y el artista (artesanías y bellas artes) y equivalentemente, entre artesano (productor de obras múltiples) y artista (productor de obras únicas).

Es también en este período cuando se crea un lenguaje articulado para referirse al exterior y no a la representación formal, quedando clasificadas las artes liberales (las actuales bellas artes) en tres oficios: escultores, pintores y arquitectos.A finales del siglo XVIII, y sobre todo, a mediados del XIX (primera industrialización), es cuando aparece una verdadera oposición entre el producto artístico el trabajo global con carácter exclusivo y el industrial, que es el trabajo parcelado y producido en serie. En este período se dio un notable incremento de las colecciones privadas, se crearon las primeras academias de arte, surgió la idea de patrimonio, con la aparición de los primeros museos, y de los 'especialistas' como críticos, galeristas y coleccionistas. Es a partir de 1920 cuando por primera vez se hace distinción entre las bellas y las artes nobles.Todo es arte, el hombre es un hacedor de arte al igual que la naturaleza.En la obra, cualquiera sea, hay siempre un dejo de irreverencia y también se busca la reacción complaciente y la opuesta del público.

El arte es una manera de expresar y comunicar a través de los sentidos cosas diferentes y cotidianas, reales ó fantásticas.El artista no deja de ser un incitador y disparador de ideas que muchas veces son contradictorias. Muchas veces los artistas ó pseudos, proponen muestras que para muchos no significa nada. Llega ó no... La polémica existe, lo noble perdura, lo malo es efímero!Las costumbres son arte que se convierten en cultura; por ejemplo: la música, la gastronomía, la literatura, la cinematografía, etc. ¿Y la cultura? Otro ítem mucho más amplio y abarcativo.Proviene del verbo en latín “colo” que significa cultivar.

Cultura es todo lo que el ser humano agrega a la naturaleza. Esta definición, atiende a la característica principal de la cultura, que es una obra estrictamente de creación humana, a diferencia de los procesos que realiza la naturaleza, por ejemplo, el movimiento de la tierra, las estaciones del año, los ritos de apareamiento de las especies, las mareas e incluso la conducta de las abejas que hacen sus panales, elaboran miel, se orientan para encontrar el camino de regreso pero, que a pesar de eso, no constituyen una cultura, pues todas las abejas del mundo hacen exactamente lo mismo, de manera mecánica, y no pueden cambiar nada.Exactamente lo contrario ocurren en el caso de las obras, ideas y actos humanos, ya que estos transforman o se agregan a la naturaleza, por ejemplo, el diseño de una casa, la receta de un dulce de miel o de chocolate, la elaboración de un plano, la simple idea de las relaciones matemáticas, son cultura y sin la creación humana no existirían por obra de la naturaleza.

Atendiendo a la utilidad o a la fenomenología de la cultura existen, entre muchas otras, estas definiciones: Conjunto de los conocimientos que permiten desarrollar un juicio crítico. En efecto, la cultura también es el conjunto de conocimientos, en el que cada cual tiene para decidir, de manera crítica o no, cada acto de su propia vida, de la sociedad o de cualquiera que sea el motivo de su especulación.Conjunto de los modos de vida y costumbres, así como de los conocimientos y grado de desarrollo artístico, científico, industrial, en una determinada época, grupo social, etc.

Esta definición atiende a los segmentos de la cultura, como fenómenos culturales por su especialidad, por la época en que ocurren, por la nación, por la jerarquía y así hasta englobar a todo el pensamiento y obra humana. Conjunto de actos humanos en una comunidad. Patrón de vida que es adquirido a través del aprendizaje. Sistema de valores que consiste en conocimientos, modos de pensar, obrar, sentir, creencias, arte, moralidad, leyes, costumbres y otras facultades; y hábitos adquiridos por el hombre como miembro de la sociedad.

Transformación de la naturaleza. Es la manera como los seres humanos desarrollamos nuestra vida y construimos el mundo o la parte de la que hablamos. Instrucción o educación del individuo. Creencias, tradiciones y símbolos que singularizan a un grupo. Forma de expresión: lenguaje y símbolos. También expresión de sentimientos y emociones.Un escultor es un artista, un cocinero también, lo es el actor que representa diferentes papeles, también el autor que imaginó historias, el que los dirige y “hace la puesta” en conjunción con el escenógrafo, el productor, el director de fotografía, los maquinistas, tramoyistas y utileros, los de efectos especiales, etc. etc. etc. realmente interminable!

Es un infinito y multifacético polirrubro, del que se hace muy complicado sacar definiciones y al que todos pueden y deben opinar. Estamos y vivimos inmersos en el arte y la cultura, nos guste ó no, en todo momento y en todo lugar.El Arte es Cultura y la Cultura es sabiduría y atrevimiento. El conocimiento de las distintas disciplinas artísticas hace a un cierto tipo de cultura, que es el arte de apreciar.

R. A. Carrasquet

- HARGREAVES -





Roger Hargreaves




El logo de Google (doodle) del día de hoy lunes 9 de mayo, conmemora el 76 aniversario del nacimiento de Roger Hargreaves. Roger Hargreaves nació el 9 de Mayo de 1935 en Inglaterra, y falleció el 11 de Septiembre de 1988.

Roger Hargreaves fue un autor e ilustrador de libros para niños, y se hizo mundialmente famoso por la serie de libros Mr Men y Little Miss. Los libros de cuentos infantiles de Roger Hargreaves, con vivos colores e ilustraciones, han sido parte de la cultura popular por más de 25 años, con ventas que superaron los 85 millones de libros en todo el mundo, y los mismos fueron traducidos en 20 idiomas.

El logo de Google de hoy, conmemorando los 76 años del nacimiento de Roger Hargreaves, tienen la particularidad de ir cambiando cada vez que accedemos a la página del buscador Google, mostrando diferentes dibujos en su logo.

- EUROPA -





Día de Europa




Cuando en una agenda o en un calendario, junto a la fecha del 9 de mayo aparece la mención de "Día de Europa", quizá se pregunte qué ha sucedido ese día y en qué año.

Muy pocos ciudadanos europeos saben que el 9 de mayo de 1950 nacía la Europa comunitaria, en un momento -es importante recordarlo- en el que la amenaza de una tercera guerra mundial se cernía sobre Europa.

En esa fecha, en París, se convocó a la prensa a las 6 de la tarde en el Salón del Reloj del Ministerio de Asuntos Exteriores en el Quai d'Orsay porque se iba a hacer pública una "comunicación de la mayor importancia". Las primeras líneas de la Declaración del 9 de mayo de 1950, redactada por Jean Monnet y comentada y leída ante la prensa por Robert Schuman, Ministro francés de Asuntos Exteriores, expresan claramente la ambiciosa magnitud de la propuesta.

"La paz mundial sólo puede salvaguardarse mediane esfuerzos creadores proporcionados a los peligros que la amenazan". "Con la puesta en común de las producciones de base y la creación de una Alta Autoridad cuyas decisiones vinculen a Francia, Alemania y los países que se adhieran a ella, esta propuesta establecerá los cimientos concretos de una federación europea indispensable para el mantenimiento de la paz".

Se proponía crear una institución europea supranacional encargada de administrar las materias primas que en aquella época eran la base de toda potencia militar: el carbón y el acero. Ahora bien, los países que iban a renunciar de esta forma a la propiedad estrictamente nacional de la "columna vertebral de la guerra" apenas acababan de salir de un espantoso conflicto bélico que había dejado tras de sí innumerables ruinas materiales y, sobre todo, morales: odios, rencores, prejuicios, etc.

Todo empezó ese día y, por eso, en la Cumbre de Milán de 1985 los Jefes de Estado y de gobierno decidieron celebrar el 9 de mayo como el "Día de Europa".

Todos los países que deciden democráticamenye adherirse a la Unión Europea adoptan los valores de paz y solidaridad que son la piedra angular de la construcción comunitaria.

Estos valores se hacen realidad a través del desarrollo económico y social y del equilibrio medioambiental y regional, únicos mecanismos capaces de garantizar un nivel de calidad de vida equitativo para todos los ciudadanos.

Europa, como conjunto de pueblos conscientes de pertenecer a una misma entidad y de tener culturas análogas o complementarias, existe desde hace siglos. Sin embargo, a falta de reglas o instituciones comunes, esta consciencia de ser una unidad fundamental nunca logró evitar los desastres. Incluso en nuestros días, algunos países que no forman parte de la Unión Europea siguen estando expuestos a espantosas tragedias.

Como cualquier obra humana de esta envergadura, la integración de Europa no puede conseguirse ni en un día ni en unas décadas. Hay todavía vacíos e imperfecciones evidentes. Es tan innovadora esta empresa esbozada nada más acabar la segunda guerra mundial! Las que en siglos pasados pudieran parecer tentativas de unión no eran en realidad sino el fruto de la victoria de unos sobre otros. Eran construcciones que no podían durar, porque los vencidos sólo tenían una única aspiración: recuperar su autonomía.

Ahora ambicionamos algo muy diferente: construir una Europa que respete la libertad y la identidad de cada uno de los pueblos que la integran, dirigida en común siguiendo el principio de "lo que puede hacerse mejor en común, debe hacerse así". Sólo la unión de los pueblos podrá garantizar a Europa el control de su destino y su proyección en el mundo entero.

La Unión Europea debe mantenerse a la escucha y al servicio de los ciudadanos y los ciudadanos, a la vez que conservan su especificidad, sus hábitos y costumbres y su idioma, deben sentirse "en casa" y poder circular con plena libertad por esta patria europea.

- ROJOS -





‎8 de mayo


Día de la Cruz Roja y la Media Luna Roja





El 8 de mayo se celebra el Día Internacional de la Cruz Roja y la Media Luna Roja ¿Por qué este día?
Pues porque el 8 de mayo de 1828, en Ginebra, nació en el seno de una familia religiosa el fundador de este organismo, Henry Dunant.

...Dedicado a los negocios, Dunant estaba en 1859 en el norte de Italia el mismo día que el ejército austriaco se enfrentó con el francés y el piamontés, en la famosa batalla de Solferino. Esa noche hubo 40.000 muertos y heridos en el campo de batalla y pudo observar cómo la mayoría quedaban desatendidos por falta de asistencia, ya que los servicios sanitarios eran casi inexistentes.

Henry pidió ayuda a las mujeres de los pueblos vecinos y pudo socorrer a algunos heridos. Esto le dejó tanta huella que escribió un libro, Recuerdo de Solferino, donde relataba la idea de crear sociedades de socorro en tiempo de paz “para cuidar de los heridos en tiempo de guerra por medio de voluntarios entusiastas”. Esta idea sirvió a un grupo de ciudadanos suizos para formar el comité que dio origen, en 1863, al Comité Internacional de la Cruz Roja (CICR). Este comité organizó una conferencia en 1864 en donde participaron 16 países europeos, que aprobaron un marco jurídico con los fines fundamentales de la Cruz Roja.

Tales fines vienen a decir que los heridos, los vehículos y el material sanitario deben ser considerados como neutrales y, por tanto, protegidos en los conflictos bélicos. Se establecieron siete principios esenciales, a saber: Humanidad, Imparcialidad, Neutralidad, Independencia, Carácter voluntario, Unidad y Universalidad. También se adoptó el signo de una cruz roja sobre fondo blanco como emblema que confería la neutralidad al personal y equipos médicos en el campo de batalla. El emblema, que es la bandera suiza invertida y que pretende homenajear a este país, dio nombre a todo el movimiento. En 1876, Turquía estableció el símbolo de la Media Luna Roja en vez de la Cruz Roja, emblema que se extendió por los países musulmanes.

La I Guerra Mundial fue un gran desafío para la Cruz Roja: miles de voluntarios se movilizaron para ayudar a los heridos en los campos de batalla y en 1917 el CICR obtuvo el Premio Nobel de la Paz. En dos ocasiones más ganó este premio: en 1944 y en 1963.

Henry Dunant vivió en la miseria y en el olvido durante muchos años. En 1895 un joven periodista le entrevistó, 30 años después de la batalla de Solferino. Su artículo provocó una respuesta abrumadora por parte de la gente y comenzaron a lloverle homenajes. En 1901 le concedieron el primer Premio Nobel de la Paz. Murió a los 82 años, en 1910. De este hombre peculiar de Ginebra nació un movimiento que hoy se extiende por todo el mundo...

sábado, 7 de mayo de 2011

- CARRIEGO -







Evaristo Carriego


(1883-1912)


Nacimiento de "el preferido de Borges"





Poeta argentino nacido en la ciudad de Paraná, capital de la provincia de Entre Ríos. Poeta bohemio que cantó las pasiones y tragedias de los humildes o la paradoja de la alegría triste de los barrios. A los seis años fue enviado a la escuela primaria de la ciudad de Buenos Aires. Era corto de vista, defecto físico que le impidió ingresar en el Colegio Militar. Con veinte años se introdujo en los círculos intelectuales de la capital, donde le gustaba recitar sus versos.

De 1904 a 1908 publicó infinidad de composiciones poéticas en diarios y revistas, y en éste año apareció su primer y único libro en vida, Misas Herejes, cuyo contenido se conocía ya casi totalmente por las publicaciones en los periódicos. La crítica, le dispensó una acogida favorable; sobre todo, por su aparente sentido realista y en oposición a las corrientes simbolistas que la poesía argentina había llevado hasta ese momento.

Su poesía, de versos sencillos, canta los hechos cotidianos del porteño barrio de Palermo, donde transcurrió su vida. Borges lo conoció personalmente porque era amigo de su padre y frecuentemente lo visitaba en su casa, y dijo haber descubierto la poesía de sus labios durante los extensos recitados que Carriego hacía de poemas de Almafuerte.

En los últimos años de su vida la jovialidad fue cediendo a la melancolía y al retraimiento espiritual. Son los años en que canta dulcemente y resignadamente a todos los que sufren en silencio. Esta aprensión se agravó con el fallecimiento de su padre, ocurrido poco antes del suyo.

Murió en 1912 a la edad de 29 años. El libro póstumo La canción del barrio (1913), recoge sus últimos poemas. En 1927, vieron la luz sus cuentos, en un tomo titulado Flor de arrabal. Jorge Luis Borges trazó un penetrante ensayo sobre su vida y obra.

- DIETRICH -






Marlene Dietrich




Marie Magdalene Dietrich, llamada Marlene Dietrich (Berlín, 27 de diciembre de 1901 – París, 6 de mayo de 1992), fue una actriz y cantante alemana que adoptó la nacionalidad estadounidense. Es considerada como uno de los principales Mitos del Séptimo Arte también como la novena mejor estrella femenina de todos los tiempos por el American Film Institute.

Nacida en el barrio berlinés de Schöneberg, Alemania, fue hija de Louis Erich Otto Dietrich y Wilhelmina Elisabeth Josephine Felsing. Tenía una hermana dos años mayor que ella llamada Elisabeth.

Marlene Dietrich tocaba el violín antes de entrar en la escuela de interpretación de Max Reinhardt en 1921. Hizo su debut en el cine dos años después (aunque los historiadores insisten en que Dietrich apareció como extra en un filme alemán de 1919). Tras empezar su carrera en películas alemanas (mientras bailaba además en coros de cabaret y en algunas obras menores), obtuvo un papel en la primera película europea sonora, El ángel azul (1930), dirigida por Josef Von Sternberg. Para esta película, Dietrich literalmente trastocó su figura inicialmente robusta a una más delgada y esbelta.

Josef von Sternberg construyó en torno a Marlene Dietrich el mito de la diva, ya que le rindió pública devoción. Una vez establecido el mito, Dietrich quedó virtualmente atada a esa imagen que le daba fama y viviría toda su vida en pos del refinamiento continuo de su look.

Marlene Dietrich viajó a Hollywood para rodar Marruecos (1930), por la cual recibió su única nominación al premio Oscar. Su contribución a la historia del cine más recordada es como estrella en varios filmes dirigidos por von Sternberg a comienzos de los años 1930, tales como Capricho Imperial y Expreso de Shangai, en los cuales interpreta a femmes fatales. En Devil is a woman (El Diablo era mujer), basada en un relato de Pierre Louys, encarnó a una española «de rompe y rasga», con múltiples tópicos que motivaron las protestas del gobierno de la II República española; la película fue prohibida en el país.

Gradualmente Marlene amplía su repertorio en Arizona, Berlín Occidente y Testigo de cargo (las dos últimas, bajo la dirección de Billy Wilder), así como en Sed de mal (Touch of evil) de Orson Welles y Vencedores o vencidos (1961), sobre los Juicios de Núremberg.

En esta última película, tiene una hermosa escena en la que pasea por la calle con el actor Spencer Tracy y escuchan como música de fondo de una taberna alemana la famosa canción Lili Marleen que ella popularizó y que ella misma traduce al inglés en la película.

Fue poseedora del título de «las piernas perfectas», tanto que fueron aseguradas por un millón de dólares. Fue la única estrella capaz de hacer sombra al colosal destello de Greta Garbo, con la que mantuvo una actitud distante y de soterrada rivalidad que encubría una relación lésbica que habían vivido en su juventud.
Su deslumbrante presencia e innegable glamour, reforzado por una actitud de mujer fría e inaccesible, hicieron de Marlene una de las auténticas divas en la historia del cine.

Dietrich cantó en varios de sus filmes; muy señaladamente en El ángel azul, de Von Sternberg, en el cual canta Enamorándome otra vez (en alemán, Ich bin von Kopf bis Fuß auf Liebe eingestellt), grabada en Alemania en la década de 1920. Tras una etapa floja en su carrera, grabó varios discos para Decca, Elektrola, EMI y Columbia. Grabó una famosa versión de Lili Marleen. Su característica voz fue luego satirizada en algunas canciones.

En 1937, a la vez que su carrera cinematográfica se detenía, Dietrich se nacionalizó norteamericana. En 1941, durante la Segunda Guerra Mundial, Dietrich fue una de las primeras estrellas en recaudar bonos de guerra estadounidenses, además de entretener a las tropas en el frente, y fue muy conocida por sus fuertes convicciones políticas. Fue una firme anti-nazi que despreció las políticas antisemitas de su tiempo. Incluso grabó varios discos antinazis en alemán, incluyendo Lili Marlene, un ejemplo curioso de una canción transcendiendo los odios de la guerra. Además tocaba la sierra musical para entretener a las tropas y cantó para los aliados en Argelia, Francia y en Alemania con los generales James M. Gavin y George S. Patton. Cuando le preguntaron por qué lo había hecho a pesar del evidente peligro, contestó su ya famosa frase: «aus Anstand» («por decencia»).

De los años 1950 a mediados de los años 1970, Dietrich hizo giras internacionales como gran actriz de cabaret. Su repertorio incluía canciones de sus películas, así como canciones populares de aquel entonces. Hasta la mitad de los años 1960, su director musical fue el famoso compositor Burt Bacharach. Sus arreglos ayudaron a disfrazar su limitado rango de voz y le permitieron interpretar sus canciones al máximo grado de efectos dramáticos.

Espectaculares vestuarios (de Jean Louis), trajes de látex, luces cuidadosamente utilizadas, y -se rumorea- leves estiramientos faciales improvisados (estirando su piel al hacerse apretadas y tensas trenzas y luego poniendo sensuales pelucas), la ayudaron a conservar su glamorosa imagen aún a cierta edad.
En 1968, recibió un Premio Tony por su espectáculo de teatro, y éste fue transmitido por televisión en 1973.

Su carrera en el espectáculo terminó en 1974, cuando se rompió una pierna en el escenario. Apareció brevemente en la película Gigoló (Just A Gigolo), en 1979, junto a Kim Novak y David Bowie. Además, escribió y contribuyó a varios libros en los años 1980. Pasó su última década principalmente en reposo en su apartamento en la avenida Montaigne de París, Francia, tiempo en el cual no fue vista en público, pero fue muy aficionada a escribir cartas y llamar por teléfono. Maximilian Schell la persuadió para ser entrevistada para su documental de 1984 Marlene, pero no apareció en pantalla.

No estuvo mucho en contacto con su hija, Maria Riva, quien competía con ella en los mismos ámbitos, pero sí con su nieto, Peter Riva. Su esposo, Rudolf Sieber, murió de cáncer el 24 de junio de 1976.
En una entrevista para la revista alemana Der Spiegel en noviembre de 2005, su hija y nieto afirmaron que Marlene Dietrich estuvo políticamente "activa" durante esos años; mantuvo contacto telefónico con prominentes gobernantes, gastando más de 3.000 dólares mensuales en llamadas telefónicas. Sus contactos incluían a Ronald Reagan y Mijaíl Gorbachov, aunque su influencia sobre ellos se desconoce.
Dietrich murió tranquilamente el 6 de mayo de 1992, a los 90 años, en París.

Su cortejo fúnebre fue realizado en la iglesia de La Madeleine de París ante 3.500 dolientes y una multitud fuera del templo. Su cuerpo, cubierto con una bandera norteamericana, fue enviado a Berlín donde fue enterrada en el cementerio municipal de Berlin-Schöneberg, su lugar de nacimiento. Marlene Dietrich dijo al amigo que le acompañaba en el dormitorio de su lujosa vivienda en París, justo antes de morir: «Lo quisimos todo, y lo conseguimos, ¿no es verdad?»
En 1994, su memorabilia (documentos y objetos personales) fue vendida a la Cineteca de la Fundación Alemana (después de que instituciones norteamericanas no mostraran interés en ella) donde fueron el centro de atención de la exhibición[1] del Centro Sony de Potsdamer Platz, Berlín.

Dietrich nunca se integró realmente en la industria del ocio de Hollywood, siendo siempre independiente del gusto general en su país de adopción. Su fuerte acento alemán dio un toque extra a sus interpretaciones, pero la etiquetó como "extranjera" a los ojos de los norteamericanos.

Fue además un icono de la moda para los altos diseñadores así como para las estrellas que la sucedieron. Popularizó, entre otras prendas, el uso de pantalones, lo cual, junto con su imagen pública y las insinuaciones de bisexualidad en alguna de sus películas, contribuyó a menudo a crear fuertes rumores, nunca confirmados por ella, sobre su vida sentimental.

- PICASSO -





Pablo Picasso


Genial y controvertido




Figura excepcional como artista y como hombre, Picasso fue protagonista y creador inimitable de las diversas corrientes que revolucionaron las artes plásticas del siglo XX, desde el cubismo hasta la escultura neofigurativa, del grabado o el aguafuerte a la cerámica artesanal o a la escenografía para ballets. Su obra inmensa en número, en variedad y en talento, se extiende a lo largo de más de setenta y cinco años de actividad creadora, que el pintor compaginó sabiamente con el amor, la política, la amistad y un exultante y contagioso goce de la vida.

Famoso desde la juventud, admirado y solicitado por los célebres y poderosos, fue esencialmente un español sencillo, saludable y generoso, dotado de una formidable capacidad de trabajo, enamorado de los barrios bohemios de París, del sol del Mediterráneo, de los toros, de la gente sencilla y de las mujeres hermosas, afición que cultivó sin desmayo.

Pablo Diego José Ruiz Picasso, conocido luego por su segundo apellido, nació el 25 de octubre de 1881, en el n.º 36 de la plaza de la Merced de Málaga, como primogénito del matrimonio formado por el pintor vasco José Ruiz Blasco y la andaluza María Picasso López. El padre era profesor de dibujo en la Escuela Provincial de Artes y Oficios, conocida como Escuela San Telmo. La primera infancia de Pablo transcurrió entre las dificultades económicas de la familia y una estrecha relación entre padre e hijo, que ambos cultivaban con devoción. El niño era un escolar menos que discreto, bastante perezoso y muy distraído, pero con precoz facilidad para el dibujo, que don José estimulaba.

En 1891 la familia se traslada a La Coruña, en cuyo Instituto da Guarda son requeridos los servicios del padre como profesor. Pablo inicia sus ensayos pictóricos, y tres años más tarde su progenitor y primer maestro le cede sus propios pinceles y caballetes, admirado ante el talento de su hijo. En 1895, Ruiz Blasco obtiene un puesto docente en la Escola d'Arts i Oficis de la Llotja de Barcelona. Pablo resuelve en un día los ejercicios de examen previstos para un mes, y es admitido en la escuela. En 1896, con sólo quince años, instala su primer taller en la calle de la Plata de la Ciudad Condal.

Dos años más tarde, obtiene una mención honorífica en la gran exposición de Madrid por su obra Ciencia y caridad, todavía de un realismo académico, en la que el padre ha servido de modelo para la figura de un médico. La distinción lo estimula a rendir oposición al curso adelantado en la Academia de San Fernando, mientras sus trabajos, influenciados por El Greco y Toulouse-Lautrec, obtienen nuevas medallas en Madrid y Málaga.

En 1898 realiza su primera muestra individual en Els Quatre Gats de Barcelona. Finalmente, en el otoño del año 1900 hace una visita a París para ver la Exposición Universal. Allí vende tres dibujos al marchante Petrus Mañach, quien le ofrece 150 francos mensuales por toda su obra de un año. Pablo es ya un artista profesional, y decide firmar sólo con el apellido materno. En 1901 coedita en Madrid la efímera revista Arte Joven, y en marzo viaja nuevamente a París, donde conoce a Max Jacob y comienza lo que luego se llamará su «período azul». Al año siguiente expone su primera muestra parisiense en la galería de Berthe Weill, y en 1904 decide trasladarse definitivamente a la capital francesa.

Picasso se instala en el célebre Bateau-Lavoir, en el número 13 de la calle Ravignan (hoy plaza Hodeau), alojamiento variadamente compartido por artistas sin blanca, entre otros el también español Juan Gris. Allí, Pablo traba amistad con Braque y Apollinaire, y se enamora de Fernanda Olivier. Durante tres años pinta y dibuja sin cesar, rendido a la influencia de Cézanne, mientras elabora con Braque las líneas maestras del cubismo analítico, cuya gran obra experimental, Las señoritas de Aviñón, es pintada por Picasso en 1907.

Pronto sobreviene el asombro y el escándalo ante un estilo deforme que rompe todos los cánones y va ganando nuevos adeptos, al tiempo que su audaz inventor expone en Munich (1909) y en Nueva York (1911). Pablo ha encontrado una nueva compañera en Marcelle Humbert, y siempre seguido por Braque, se lanza a inventar el cubismo sintético, que los acerca al borde de la abstracción (en su extensa y tan variada obra, Picasso jamás llegaría a abandonar la figuración). Poco después, se muda de Montmartre a Montparnasse, y se abren exposiciones suyas en Londres y Barcelona.

En 1914, con la guerra, llegan las tragedias: Braque y Apollinaire son movilizados, y Marcelle muere súbitamente ese otoño. Pablo abandona prácticamente el cubismo, y busca otros caminos artísticos. Los encuentra en 1917, cuando por medio de Jean Cocteau conoce a Diáguilev, que le encarga los decorados del ballet Parade de Eric Satie. El fin de la guerra le trae un nuevo amor, la bailarina Olga Clochlova, y también un nuevo dolor: la muerte de Apollinaire a consecuencia de una grave herida en la cabeza. Se casa con Olga en 1918, y hasta 1925 trabaja en diversos ballets que dan cauce a su evolución pictórica.

Un viejo retrato de su madre, pintado en 1918, le valdrá el millonario premio Carnegie de 1930, que le permite adquirir una suntuosa villa campestre en Boisgelup, y pasarse más de un año viajando por España. Por entonces vuelve a la escultura y mantiene un romance con Teresa Walter, del que nace su primera hija, Maya. La Clochlova inicia un escandaloso juicio para conseguir el divorcio, que el juez se niega a conceder. Despechado, Picasso se enamora de Dora Maar.

Al estallar la Guerra Civil, Picasso apoya con firmeza al bando republicano, y acepta simbólicamente la dirección del museo del Prado, mientras en 1937 pinta el Guernica en París. Dos años después se realiza una gran exposición antológica en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Deprimido por el triunfo de los nacionales y la posterior ocupación de Francia por los nazis, pasa la mayor parte de la Segunda Guerra Mundial trabajando en su refugio de Royan.

En 1944, se afilia al Partido Comunista Francés y da a conocer 77 nuevas obras en el Salón de Otoño. Después se entusiasma por la litografía y por la joven y hermosa pintora Françoise Guillot, con la que convive hasta 1946. Se inicia así su etapa de Vallauris, en la que trabaja en sus magníficas cerámicas. Con Françoise tendrá dos hijos: Claude, nacido en 1947, y Paloma en 1949.

En 1954, el infatigable anciano se fascina por una misteriosa adolescente de delicado perfil y largos cabellos rubios llamada Sylvette D., que acepta posar para él a cambio de uno de los retratos, a su elección. El trato se cumple y su resultado produce algunas de las obras más conocidas y reproducidas del pintor, como el famoso perfil de Sylvette en la butaca verde.

Si la fascinación por la etérea Sylvette había sido platónica, no tuvo el mismo cariz su atracción por Jacqueline Roqué, joven de extraodinaria belleza a la que tomó como compañera en 1957, un año antes de pintar el gigantesco mural para la UNESCO. Fértil milagro del arte y de la vida, Picasso seguirá creando, amando, trabajando y viviendo intensamente hasta morir en 1973. Dejó tras de sí la mayor y más rica obra artística personal de nuestro siglo, y una fabulosa herencia que provocó agrias disputas hasta recaer en un ser de pacífico nombre: Paloma, su hija.

- EICHELBAUM -






Samuel Eichelbaum


Aniversario de su fallecimiento




Nacido en el pueblo entrerriano de Domínguez, Samuel Eichelbaum (1894-1967) emigró a Buenos Aires apenas adolescente, con una vocación literaria que diversificó entre el periodismo (escribió en La Vanguardia, Caras y Caretas, Noticias Gráficas), el teatro (Un tal Servando Gómez, Pájaro de barro, El judío Aarón, El gato y su selva, entre otros muchos títulos) y la labor de guionista cinematográfico (El pendiente o Arrabalera).

Teatro En Argentina su Entre Ríos natal aprendió de su padre -un inmigrante judío- cómo eran de hostiles las condiciones del campesinado en los primeros años del siglo. Esa experiencia, junto a la voluntad de reflejar la realidad política de la Argentina en tiempos de la naciente vida electoral, con sus turbulentos caudillajes, están presentes en Un guapo del 900, tal vez su obra más conocida. Pero quizá el mérito más importante de este texto sea la rica carnadura dramática de sus dos personajes centrales: Ecuménico López y su madre, Natividad. Fue estrenada en 1940 por Francisco Petrone y Milagros de la Vega y llevada al cine con Alfredo Alcón y Lydia Lamaison.

También fue recreada en otras versiones para lucimiento de actores como China Zorrilla, Rodolfo Bebán o Jorge Salcedo. Ahora llega con Rubén Stella y Verónica Oddó en los papeles centrales y un elenco formado, entre otros, por Marcos Zucker, Ernesto Claudio, Alicia Schillman, Leandro Regúnaga o Paulino Andrada.

- INCENDIOS -






Día Internacional del Combatiente de Incendios Forestales


4 Mayo




En diciembre de 1998, a raíz de un accidente ocurrido en el incendio Linton (Canadá), perdieron la vida cinco combatientes pertenecientes a una brigada forestal.

Ese hecho, que se suma a otros incidentes trágicos ocurridos durante la lucha contra los fuegos de bosques y campos a lo largo y ancho del mundo, fue el punto de partida para el inicio de un movimiento que, paulatinamente, se ha ido extendiendo por diversos países.

En primer término la "Country Fire Authority" (C.F.A.) y la Comunidad de Victoria adoptaron el uso de una cinta roja como símbolo de reconocimiento y respeto hacia los combatientes forestales muertos y hacia sus familias.

Esta novedad fue difundida a través de Internet, y la comunidad internacional reaccionó rápidamente. Brigadas de otros países, principalmente de los E.E.U.U. convinieron en principio en adoptar también la cinta roja para simbolizar la profesión de combatiente forestal.

Las expresiones de apoyo y muchos comentarios y sugerencias contenían opiniones acerca de diversas fechas tentativas para la conmemoración, y qué tipo de símbolos podrían ser adoptados internacionalmente.

Los motivos de celebración del Día Internacional del Combatiente Forestal son:

• Expresar el apoyo de la Comunidad Internacional y de la Sociedad en general a quienes combaten los fuegos de bosques y campos en todo el mundo, reconociendo su nivel de compromiso y dedicación.

• Recordar a quienes han perdido la vida, o sufrido daños o secuelas en la lucha contra los incendios de bosques y campos.

• Como una señal de respeto y agradecimiento hacia quienes tratan de preservar la vida y la integridad de los patrimonios y recursos naturales de los efectos de fuegos no deseados.

En el año 1999 por primera vez en nuestro País se conmemoró el evento, por tal motivo queremos hacer propicia la fecha para saludar a nuestros colegas de las Brigadas de Incendios Forestales Provinciales y Nacionales, y con un afecto muy especial al personal jubilado de organismos forestales y de Parques Nacionales que habita en nuestra Región.

Vaya también un merecido reconocimiento a las personas e instituciones que a lo largo de los años han trabajado y colaborado para la preservación de nuestros bosques de los efectos del fuego.

- LIBERTAD -






‎3 de Mayo



"Día Mundial de la Libertad de Prensa"




La iniciativa para promover el Día Mundial de la Libertad de Prensa partió de la Conferencia General de la UNESCO (Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura). Se eligió esta fecha para conmemorar la Declaración de Windhoek, Namibia (África) para el "Fomento de una Prensa Africana Independiente y Pluralista".

La resolución de 1991 titulada "Fomento de la libertad de prensa en el mundo" reconoció que una prensa libre, pluralista e independiente era un componente esencial de toda sociedad democrática. La Conferencia General invitó al Director General de la UNESCO a que transmitiera a la Asamblea General el deseo expresado por los Estados miembros de la UNESCO de que el 3 de mayo se proclamara "Día Internacional de la Libertad de Prensa".

Así, la declaración fue aprobada el 3 de mayo de 1991. El 20 de diciembre de 1993, la Asamblea General de las Naciones Unidas, por recomendación del Consejo Económico y Social, reconoció el día al declarar el 3 de mayo Día Mundial de la Libertad de Prensa (decisión 48/432).

"Todo individuo tiene derecho a la libertad de opinión y de expresión; este derecho incluye el de no ser molestado a causa de sus opiniones, el de investigar y recibir informaciones y opiniones, y el de difundirlas, sin limitación de fronteras, por cualquier medio de expresión."

Artículo 19 de la Declaración Universal de los Derechos Humanos.

- MANZI -






Homero Manzi


Aniversario de su muerte




Su verdadero nombre fue Homero Nicolás Manzione. Nació el 1º de noviembre de 1907 en Añatuya, Santiago del Estero, Argentina. Su madre era uruguaya y su padre argentino. Muchos recuerdos de su niñez en su tierra natal están presentes en sus más famosas composiciones, como Barrio de tango y Sur.

Homero Manzi llevó la poesía a las letras del Tango. Fue un auténtico poeta, aunque nunca publicó libros de poesía. Sus letras le valieron una gran popularidad, sin renunciar a sus convicciones de poeta. Su primera pieza fue el vals ¿Por qué no me besas? (1921), con música de Fracisco Caso.

Apeló a recursos tan ricos como metáforas. Los entendidos afirman que no profundizó en el camino del surrealismo para evitar que su mensaje perdiera claridad. Es curioso que no haya utilizado el lunfardo, ya que su obra literaria estaba muy vinculada con lo popular.

Sus letras no relatan hechos reales ni sermonean sobre valores y gestos de buena moral. Sus versos están repletos de nostalgia, como en casi todo Tango. Manzi ofrece un punto de vista muy cálido hacia personas y cosas. El barrio suburbano fue su escenario base.

El tango Sur, de 1948, contó con musicalización del bandoneonista Aníbal Troilo, convirtiéndose en una de las obras supremas del género en aquel tiempo.

El aporte fundamental de Homero Manzi a la música rioplatense, fue el rejuvenecimiento y la jerarquización de la milonga, un género que cohabita con el tango como testimonio de su origen.

Manzi, junto con el pianista Sebastián Piana, escribió grandes clásicos, como Milonga sentimental, Milonga del 900 y Milonga triste. Dos de los tangos más destacados del poeta son El último organito, interpretado con su hijo Acho, y Che bandoneón; con el bandoneonista Aníbal Troilo.

Si bien vivió apenas 44 años, Manzi se dedicó también al periodismo y a la cátedra, para incursionar posteriormente en el cine. Participó también en una intensa militancia gremial y política, que ultimó con su adhesión al peronismo. Pero su nombre se mantiene presente por su dedicación a las letras de Tango.

Murió a los 44 años de edad en 1951, un día como hoy, 3 de mayo.

- MANZI -






Homero Manzi


Aniversario de su muerte




Su verdadero nombre fue Homero Nicolás Manzione. Nació el 1º de noviembre de 1907 en Añatuya, Santiago del Estero, Argentina. Su madre era uruguaya y su padre argentino. Muchos recuerdos de su niñez en su tierra natal están presentes en sus más famosas composiciones, como Barrio de tango y Sur.

Homero Manzi llevó la poesía a las letras del Tango. Fue un auténtico poeta, aunque nunca publicó libros de poesía. Sus letras le valieron una gran popularidad, sin renunciar a sus convicciones de poeta. Su primera pieza fue el vals ¿Por qué no me besas? (1921), con música de Fracisco Caso.

Apeló a recursos tan ricos como metáforas. Los entendidos afirman que no profundizó en el camino del surrealismo para evitar que su mensaje perdiera claridad. Es curioso que no haya utilizado el lunfardo, ya que su obra literaria estaba muy vinculada con lo popular.

Sus letras no relatan hechos reales ni sermonean sobre valores y gestos de buena moral. Sus versos están repletos de nostalgia, como en casi todo Tango. Manzi ofrece un punto de vista muy cálido hacia personas y cosas. El barrio suburbano fue su escenario base.

El tango Sur, de 1948, contó con musicalización del bandoneonista Aníbal Troilo, convirtiéndose en una de las obras supremas del género en aquel tiempo.

El aporte fundamental de Homero Manzi a la música rioplatense, fue el rejuvenecimiento y la jerarquización de la milonga, un género que cohabita con el tango como testimonio de su origen.

Manzi, junto con el pianista Sebastián Piana, escribió grandes clásicos, como Milonga sentimental, Milonga del 900 y Milonga triste. Dos de los tangos más destacados del poeta son El último organito, interpretado con su hijo Acho, y Che bandoneón; con el bandoneonista Aníbal Troilo.

Si bien vivió apenas 44 años, Manzi se dedicó también al periodismo y a la cátedra, para incursionar posteriormente en el cine. Participó también en una intensa militancia gremial y política, que ultimó con su adhesión al peronismo. Pero su nombre se mantiene presente por su dedicación a las letras de Tango.

Murió a los 44 años de edad en 1951, un día como hoy, 3 de mayo.

- EL SALVADOR -






Universidad del Salvador


Aniversario de su inauguración




La Universidad del Salvador, es una universidad católica argentina de tipo privada.
Fue fundada por la Compañía de Jesús, creadora también de la Universidad de Córdoba en 1622. Actualmente es la 13ª mejor universidad del país. La 107ª en América Latina y la 1760ª en el mundo. El diploma de la carrera de Derecho que dicta es también entregado por la Universidad Sorbona de París.

La fundación el 8 de junio de 1944 del Instituto Superior de Filosofía, en la sede del Colegio del Salvador, constituye el más próximo antecedente de la universidad.
En el año 1955, por Decreto Nº 6403, el Poder Ejecutivo Nacional autoriza el funcionamiento de las universidades privadas y al año siguiente, el 2 de mayo, se firma el Acta de fundación de las Facultades Universitarias del Salvador.

El 15 de mayo de 1958 se cambia su nombre por el de Institutos Universitarios del Salvador, los cuales son reconocidos con fecha 8 de diciembre de 1959, por Decreto Nº 16.365 como universidad privada con el nombre de "Universidad del Salvador".

Desde su fundación, la Universidad dependió de la Compañía de Jesús, quien designó a sus más altas autoridades por intermedio de la Asociación Civil Universidad del Salvador. En marzo de 1975 la Compañía confió la conducción a un grupo de laicos, quienes asumieron la responsabilidad de preservar la identidad de la "Universidad del Salvador" en el cumplimiento de sus fines y objetivos.

La Universidad cuenta con centros en la Ciudad Autónoma de Buenos Aires, Provincia de Buenos Aires: San Miguel y Campus Nuestra Señora del Pilar, en Pilar y el Campus San Roque González de Santa Cruz en Gobernador Virasoro, Misiones.

domingo, 1 de mayo de 2011

- TRABAJADORES -






‎1º DE MAYO


DÍA INTERNACIONAL DE LOS TRABAJADORES





Se celebra el Día Internacional de los Trabajadores en todo el mundo, en homenaje a todos los hombres y mujeres que cumplen con una esencial norma de vida, con anónimo esfuerzo, en las distintas actividades, logrando con su labor cotidiana, fortalecer el espíritu, forjar el carácter, y sentirse digno ante la familia y la sociedad en la que se inserta.

El "ganarse el sustento" otorga a la vez al individuo, Derechos y Obligaciones.

En la segunda mitad del Siglo XIX, con el rápido avance industrial, creció mucho la masa trabajadora de hombres y mujeres. El gran desarrollo del proletariado originó que se produjera el abuso de los capitales en detrimento de los salarios obreros, lo que produjo enfrentamientos, agitaciones y luchas entre ambos sectores.

Los trabajadores lograron agruparse en sindicatos para defender sus derechos y lograr mejoras en su labor.

En noviembre de 1884 se celebró en Chicago el IV Congreso de la American Federation of Labor.

En dicho Congreso se propuso que a partir del 1º de mayo de 1886 se obligara al sector patronal estadounidense a respetar la jornada de ocho horas, y si no, se iría a la huelga, con mítines y concentraciones obreras.

Gracias a la incansable lucha del trabajador mecánico Ira Steward, en 1886, el Presidente de los Estados Unidos Andrew Johnson había promulgado la llanada Ley Ingersoll, estableciendo las 8 horas de trabajo diarias.

Pero esta Ley no se cumplió, por lo que las organizaciones laborales y sindicales de USA comenzaron a luchar por su cumplimiento.

El 1º de mayo de 1886, los obreros unidos exclamaban: "A partir de hoy, sólo ocho horas diarias; ni una más". Con la negativa de la patronal, los obreros, (350.000 trabajadores), organizados, paralizaron el país productivo, con más de cinco mil huelgas.

- SABATO -






FALLECIMIENTO DE

ERNESTO SABATO


30-04-2011




Ernesto Sábato nació en Rojas, provincia de Buenos Aires, en 1911. Hizo su doctorado en física y cursos de filosofía en la Universidad de La Plata. Trabajó luego en el Laboratorio Curie, en París, y abandonó definitivamente la ciencia en 1945 para dedicarse exclusivamente a la literatura.


Ha escrito varios libros de ensayos sobre el hombre en la crisis de nuestro tiempo y sobre el sentido de la actividad literaria -El escritor y sus fantasmas (1963), Apologías y rechazos (1979)-, y tres novelas: El túnel (1948), Sobre héroes y tumbas (1961), y Abbadón el exterminador (1974).

Dice Sábato: "Puede parecer un acto de horrible esnobismo que tres crisis fundamentales de mi vida se sucedieran en París, pero efectivamente así fue. La primera se produjo en el invierno de 1935, cuando yo era un muchacho de 24 años. Desee 1930 milité en la Juventud Comunista, cuando la dictadura del general Uriburu. Abandoné estudios, familia y mis comodidades burguesas. Viví con nombre supuesto en La Plata, en cuyos suburbios estaban los dos frigoríficos más grandes del país, donde se explotaba despiadadamente a toda clase de inmigrantes, que vivían amontonados en tugurios de zinc, rodeados de pantanos de aguas podridas. Repartíamos manifiestos, participábamos de la organización de huelgas. Hacia 1933 fue ya secretario de la Juventud Comunista, cuando habían empezado mis dudas sobre el estalinismo, y entonces resolvieron mandarme a las Escuelas Leninistas de Moscú, a purificarme. Si hubiese ido, no habría vuelto jamás vivo. Tenía que pasar previamente por Bruselas, por un congreso contra el fascismo y allí supe con horrendos detalles de los "procesos" de Moscú. Me escapé a París, viví un invierno muy duro en la piecita de un compañero disidente, mientras el partido me buscaba. Logré volver a la Plata, donde proseguí mi carrera en física-metemática. Cuando terminé mi dieron una bourse para trabajar en el laboratorio Curie, donde trabajé durante casi un año y, allí en París, asistí a la ruptura del átomo de uranio, que se disputaban tres laboratorios: ganó la "carrera" un alemán. Pensé que era el comienzo del Apocalipsis. Viví en una confusión horrible, mientras escribía mi primera novela y cometí la infamia de dejar que Matilde se volviera a la Argentina con nuestro primer hijo, de pocos meses, mientras yo tenía una amante rusa. La tercera crisis fue consecuencia de todo esto, y de mi vínculo con los surrealistas: Domínguez, Matta, Wifredo Lam y otros. En otro día de invierno fuimos con Domínguez, a la tarde, al Marché aux Puces y volvimos después en el Metro hasta Montparnasse, donde tenía su estudio Domínguez. En la calle, ya era de noche, en un especie de nevisca, Domínguez se detuvo y me dijo:"¿Qué te parece si esta noche nos suicidamos juntos ?" No era una broma, era muy propenso, como lo probó años después. Yo me negué, aunque también me atraía el suicidio: me salvó mi instinto, y aquí estoy, junto a la Matilde de todos los tiempos, una de esas "mujeres fuertes de la Biblia", que está muriendo, en medio del dolor más profundo de mi vida, en el final de una existencia muy compleja."

Nos dejó hoy, último día de mayo de 2011. Faltaban pocos días para cumplir sus 100 años de vida!
Por un túnel de héroes y tumbas conformarás un Informe sobre ciegos…

- BERNSTEIN -






LEONARD BERNSTEIN





Leonard Bernstein (nacido el 25 de agosto de 1918 y fallecido el 14 de octubre de 1990), compositor, pianista y director de orquesta estadounidense. Fue el primer director de orquesta nacido en los Estados Unidos que obtuvo fama mundial. Es conocido por dirigir la Orquesta Filarmónica de Nueva York, sus Conciertos para jóvenes en la televisión de los 60 y sus múltiples composiciones, entre ellas West Side Story (1961), Candide y Un día en Nueva York (1949).

Bernstein nació en Lawrence, Massachusetts en 1918 en una familia judía procedente de Óblast de Rivne, Ucrania. Su abuela insistió en que su primer nombre fuera Louis, pero sus padres siempre lo llamaron Leonard, que les gustaba más. Oficialmente se cambió el nombre a los dieciséis años. Su padre, Sam Bernstein, era un hombre de negocios, y en principio se opuso al interés de su hijo por la música. No obstante, lo llevó con frecuencia a conciertos. Siendo muy joven, oyó una interpretación de piano y quedó inmediatamente cautivado, así que empezó a estudiar el instrumento. Estudió en la escuela Garrison y la Boston Latin School. Su padre rechazó pagarle las lecciones de piano, por lo que Bernstein se dedicó a enseñar a estudiantes jóvenes, empleando las ganancias en sus propias clases de piano.

Después de graduarse en la Boston Latin School en 1935 Bernstein acudió a la Universidad Harvard, donde estudió música con Walter Piston y se asoció brevemente con el club Harvard Glee. Al acabar sus estudios en Harvard (1939), ingresó en el Curtis Institute de Filadelfia, donde recibió la única nota de "A" (sobresaliente) que Fritz Reiner concedió nunca en sus clases de dirección; y en el verano, acudía al Berkshire Music Centre (1940 y 1941). En esta época Bernstein también estudió piano con Isabella Vengerova y Heinrich Gebhard.

Los primeros años de Leonard Bernstein en Nueva York estuvieron llenos de trabajo duro y mucho entrenamiento. Después de una larga lucha interna y un turbulento noviazgo en el que se comprometió y rompió el compromiso varias veces, se casó con la chilena Felicia Cohn Montealegre el 9 de septiembre de 1951.

Leonard y Felicia tuvieron tres hijos: Jamie, Alexander, y Nina. Con el paso de los años, Bernstein reconoció su bisexualidad. En 1976 abandonó a Felicia para vivir con su compañero, Tom Cothran. Pero volvió con su mujer al año siguiente. A los pocos meses de reconciliarse, sin embargo, le diagnosticaron a Felicia un cáncer de pulmón. Murió un año después, en 1978. Algunos creen ver un cambio en la dirección orquestal de Bernstein después de la muerte de Felicia, más sombrío y pesado, con gestos exageradamente prolongados, aunque otros citan esto como ejemplo de la manera en que muchos artistas exageran su estilo original de dirigir la orquesta conforme se van haciendo mayores. Muchos críticos consideran que la dirección de Bernstein en la última parte de su carrera fue la mejor de todas.

Fue muy conocido como director de orquesta, compositor (sin parentesco alguno con el compositor de bandas sonoras Elmer Bernstein), pianista y educador. Fue probablemente el director de orquesta más famoso en los Estados Unidos durante muchos años, debido a su larga permanencia como director titular de la Orquesta Filarmónica de Nueva York, desde 1944. Dirigió muchas otras orquestas de las más destacadas del mundo. Compuso tres sinfonías, dos óperas, una misa, cinco musicales (entre los que destaca por su popularidad West Side Story), y muchas otras piezas. Siguió diversos estilos: atonalidad, dodecafonismo, jazz.

En 1940 comenzó a estudiar en el instituto de verano de la Orquesta Sinfónica de Boston, Tanglewood, con el director de orquesta Serge Koussevitzki. Bernstein se hizo después asistente de dirección de Koussevitsky.1 Más tarde le dedicó su Sinfonía n.º 2 a Koussevitzki.2

Fue nombrado director sustituto de la Orquesta Filarmónica de Nueva York. Poco después, el 14 de noviembre de 1943, hizo su debut cuando Bruno Walter enfermó. Tuvo un éxito inmediato y se hizo famoso puesto que el concierto se retransmitió a todo el país. El solista ese día histórico fue Joseph Schuster, violonchelista, que interpretó Don Quijote de Richard Strauss. Como Bernstein no había dirigido nunca esta obra, Bruno Walter ensayó con él antes del concierto.

Después de la Segunda Guerra Mundial, la carrera de Bernstein empezó a desarrollarse internacionalmente. En 1949 dirigió el estreno mundial de la sinfonía Sinfonía Turangalila de Olivier Messiaen. Después de la muerte de Serge Koussevitsky en 1951, Bernstein asumió durante muchos años la jefatura de los departamentos orquestal y de dirección de Tanglewood. Fue nombrado Director titular de la Filarmónica de Nueva York desde 1958 hasta 1969. Hasta 1990 fue nombrado director laureado, dirigiendo la orquesta hasta cinco días antes de su muerte. Se convirtió en una figura muy conocida en los Estados Unidos por una serie de cincuenta y tres programas titulado Conciertos para Jóvenes, que se televisaron a través de la CBS, en la que comentaba las obras que después interpretaba. Algunas de sus lecciones musicales se han divulgado en disco, junto a otras grabaciones premiadas con los Grammy. Hasta hoy, estos Conciertos para Jóvenes se mantiene como el programa de música clásica que más ha durado en una televisión comercial: se emitieron desde 1958 hasta 1972. Más de treinta años después, se repusieron 25 de estos programas en el canal de cable Trio y se comercializaron en DVD.

En 1947 dirigió en Tel Aviv por primera vez, inciando una larga asociación con Israel. En 1957, dirigió el concierto inaugural del Auditorium Mann en Tel Aviv; allí hizo muchas grabaciones. En 1967 dirigió un concierto en el Monte Scopus para conmemorar la reunificación de Jerusalén.

Dentro del género operístico, dirigió el estreno estadounidense de Peter Grimes (1946). En La Scala de Milán dirigió a Maria Callas en Medea de Cherubini y La sonnambula de Bellini. También dirigió un Tristán e Isolda en Múnich. En 1966 debutó en la Ópera estatal de Viena dirigiendo Falstaff de Verdi, con producción de Luchino Visconti, y Dietrich Fischer-Dieskau como Falstaff). En 1970 volvió a esa ópera para la producción que hizo Otto Schenk de la ópera de Beethoven Fidelio. En 1986 dirigió su propia obra: A Quiet Place. Se despidió de la ópera de manera accidental en 1989: después de una representación de la Khovanshchina de Mussorgsky de repente entró en el escenario y abrazó al director de orquesta Claudio Abbado en frente de una audiencia sorprendida, pero divertida.

Desde 1970, Bernstein dirigió en muchas ocasiones a la Orquesta Filarmónica de Viena, y con esta orquesta grabó muchas de las obras que ya había registrado antes con la Filarmónica de Nueva York, incluyendo la integral de las sinfonías de Beethoven, Mahler, Brahms y Schumann. Le escogieron en 1973 para la Charles Eliot Norton Chair en su Universidad de Harvard, con el fin de que impartiera una serie de seis clases sobre música. Tomando el título de una obra de Charles Ives, llamó a esta serie de conferencias The Unanswered Question (La pregunta sin respuesta) que discute la evolución de la música clásica occidental hasta ese momento. Estas clases pueden verse hoy en libro y en varios DVD.

En PBS en los años ochenta del siglo XX, fue el director de orquesta y comentarista de una serie especial sobre la música de Beethoven, que presentaba a la orquesta Filarmónica de Viena interpretando las nueve sinfonías de Beethoven, varias de sus oberturas, y la Missa Solemnis. El actor Maximilian Schell también aparecía en el programa, leyendo algunas cartas de Beethoven.

El día de Navidad, 25 de diciembre de 1989, Bernstein dirigió la Novena Sinfonía de Beethoven en el Schauspielhaus de Berlín Este como parte de una celebración por la caída del Muro de Berlín. El concierto fue retransmitido en directo para más de veinte países, con una audiencia estimada de cien millones de personas. Para la ocasión, Bernstein parafraseó el texto de la Oda a la alegría de Friedrich Schiller, diciendo «libertad» («Freiheit») en lugar de «alegría» («Freude»). «Estoy seguro de que Beethoven nos hubiera dado su consentimiento», dijo Bernstein.

Su actitud en el podio era muy gestual, extravertida, hasta el punto de haber visto criticados sus gestos exagerados. No obstante, fue un director bien considerado por los músicos, en particular los miembros de la Orquesta Filarmónica de Viena y la Orquesta Filarmónica de Israel, de la que fue un frecuente director invitado. Se le consideró particularmente adecuado para dirigir las obras de Gustav Mahler, Aaron Copland, Johannes Brahms, Dmitri Shostakóvich, George Gershwin (especialmente Rhapsody in Blue y Un americano en París), y por supuesto con representaciones de sus propias obras (desafortunadamente, Bernstein nunca dirigió representaciones del Concierto para piano en Fa de Gershwin, ni de Porgy and Bess). Tenía la capacidad de ensayar toda una sinfonía de Mahler interpretando cada frase para la orquesta para expresar el significado preciso, y de emitir una manifestación vocal del efecto requerido, con un sutil oído perfecto para el que nada pasaba inadvertido.

Leonard Bernstein murió cinco días después de retirarse. Dirigió su última representación en Tanglewood el 19 de agosto de 1990 con la Sinfónica de Boston interpretando Four Sea Interludes de Britten y la Séptima Sinfonía de Beethoven. Fumador durante muchos años, combatió un enfisema desde que era veinteañero; sufrió un ataque de tos en mitad de una interpretación de Beethoven que casi suspendió el concierto. El día de su funeral, en la comitiva a lo largo de las calles de Manhattan, los obreros de la construcción se quitaron los cascos y saludaron al tiempo que gritaban «Goodbye Lenny». Bernstein está enterrado en el Green-Wood Cemetery (Brooklyn, Nueva York).

- DANZA -






Día Internacional de la Danza




El Día Internacional de la Danza fue establecido por el Comité de Danza del Instituto Internacional del Teatro de la Unesco en 1982 con el fin de atraer la atención sobre el arte de la danza.

Fue instituído a partir de la propuesta del maestro ruso Piepor Gusev de Leningrado, de homenajear al gran innovador del ballet clásico, el coreógrafo francés Jean Georges Noverre(1727-1810), nacido el 29 de abril de 1727, quién fue el más grande coreógrafo de su época, y se le considera el creador del ballet moderno o neoclásico.

Cada 29 de abril se celebra el Día Internacional de la Danza. Un día de fiesta que celebran todos los países del mundo con espectáculos especialmente dedicados a la danza a través de: clases abiertas, ensayos al aire libre, conferencias, exposiciones, publicaciones en diarios y revistas, bailes populares, programas en radio y TV, espectáculos callejeros, entre otros

- ANIMAL -





‎29 de Abril


Día del animal





Se celebra en homenaje al doctor Ignacio Lucas Albarracín, un incansable luchador por los derechos de los animales, oriundo de San Juan. Su fallecimiento se produjo el 29 de abril de 1926 y por eso, por iniciativa de la Sociedad Protectora de Animales, se eligió este día para conmemorar el "Día del Animal". ...

Albarracín promocionó la sanción de la Ley Nº 2786 de Protección de Animales, promulgada el 25 de Junio de 1891. La misma establece la obligatoriedad de brindar protección a los animales, lo que impide su maltrato y su caza. Además, participó junto con Domingo F. Sarmiento y otros, en 1879, en la creación de la Sociedad Argentina Protectora de Animales. Allí se desempeñó como secretario y luego como presidente, al suceder a Sarmiento.

- TRABAJO SEGURO -





Día Mundial de la Seguridad


y la Salud en el Trabajo




Como todos los años, el 28 de abril es el Día Mundial de la Seguridad y la Salud en el Trabajo. En 2003, la OIT instituyó este Día para destacar la necesidad de prevenir accidentes y enfermedades laborales utilizando como punto de apoyo el diálogo social y el tripartismo.

El tema de este año es el Sistema de gestión de la SST: una herramienta para la mejora constante. La EU-OSHA, a la vanguardia en cuanto a la facilitación de información actualizada y precisa sobre estos asuntos, apoya activamente a la OIT en la promoción de este señalado día.

- TANGO -






TANGO - FILM





El 27 de abril de 1933 se estrenó la película “Tango”, dirigida por Luis J. Moglia Barth siendo la primera película sonora argentina, pero aclaremos, que se estrenó comercialmente. Porque sucedió que este director en 1932 había filmado “Consejo de tango” con María Esther Gamas y Carlos Viván.

De todas maneras antes hubo algunos intentos como el del corto Mosaico criollo, o los intentos de José A. Ferreira como La canción del gaucho, El cantar de mi ciudad y Muñequitas porteñas que ya se anunciaba como el primer film argentino totalmente hablado. Por supuesto no podemos dejar de lado los cortos filmados por Carlos Gardel y dirigidos por Eduardo Morera en 1930.Pero fue en “Tango” donde el cine nacional se encontró formal y oficialmente con el sonido.

El estreno se produjo aquel día de abril en el Cine Real y luego fue pasando a otras salas, lo que permitía que el gran público pudiera ver, por primera vez, a sus ídolos, hasta ahora escuchados en la radio.

En la película se invirtieron $20.000 pesos de esa época y las ganancias multiplicaron varias veces esa inversión. También fue el inicio de unas de las productoras mas grandes del país (Argentina Sono Film)

- KOSICE -






KOSICE




Gyula Kosice nació el 26 de abril de 1924 en Kosice, Hungría. A los cuatro años de edad se radica junto a su familia en Buenos Aires.

En 1945 organizó la primera exposición de Arte Concreto y al año siguiente inició el Movimiento Madi. Introdujo el agua como elemento plástico de sus obras y a partir de1971 comenzó a trabajar en su "Ciudad Hidroespacial".

Realizó exposiciones en París -donde vivió durante 7 años entre 1957 y 1964-, Londres, Nueva York, Jerusalem, Tokio, Madrid, Houston y Buenos Aires.

Publicó los libros: "Invención. Poemas, teoría, esculturas móviles", "Poeme Hydraulique", "Arte Hidrocinético", "Arte Madi", "Arte y filosofía porvenirista".
Obtuvo la Medalla de Bronce en la Exposición Internacional de Bruselas (Bélgica); el Premio adquisición "Plástica con plásticos", del Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires; el título de Caballero de las Artes y las Letras, del Gobierno de Francia.

Fue nombrado Miembro de Honor del Comité Argentino para el Bicentenario de la Revolución Francesa; fue declarado Ciudadano Ilustre de la Ciudad de Buenos Aires (1998); y recibió un Homenaje a la Trayectoria en el Arte y la Cultura, del Senado de la Nacion (2006).

- COLON -






Inauguración del viejo

Teatro Colón de Buenos Aires




El gobierno de Buenos Aires estaba separado de la Confederación de Provincias Unidas del Río de la Plata por desacuerdos con motivo del Congreso General Constituyente que sancionó la constitución el 1º de mayo de 1853 y los porteños ya estaban pensando en al construcción de un teatro que reemplazara al viejo Teatro “Colón”.

En 1857 comenzó la construcción en el centro de aquella capital, sobre la calle Libertad y abarcaría una manzana: luce mármoles rojos de Verona y vitrales con escenas históricas y de la poesía clásica importados de la casa Gaudín de París en 1907 cuando ya se aceleraban todos trabajos, incluyendo la adquisición de las esculturas para la Galería de los Bustos situada en el primer piso, homenaje a Verdi, van Beethoven, Gounoud, Bizet, entre otros.

Desde ese lugar se llega al Salón Blanco decorado en estilo francés, entrada al palco oficial para treinta y cuatro personas destinado a autoridades de la municipalidad de Buenos Aires, nacionales e invitados especiales. En el primer piso, en el Salón Dorado que abarca cuatrocientos cuarenta y dos metros cuadrados, con altos espejos y enormes columnas talladas con profusión de detalles en oro, se realizan diversos actos culturales: conferencias, conciertos, exposiciones... Desde el cuarto al séptimo piso se encuentran los sectores de cazuela, tertulia, galería y delantera de paraíso.

La Sala iluminada con una araña cincelada, con más de setecientas lámparas es de origen francés -de fines del siglo diecinueve-, luce cortinados de terciopelo rojo y en los palcos “en seda natural francesa bordados en la parte exterior y forrados en amarillo oro”. La Sala tiene la forma de una herradura y es considerada la más grande del mundo en su tipo, con capacidad para 2.487 espectadores sentados (632 butacas; diez palcos a ras de la platea; tres pisos de palcos y el foso para orquesta de ciento veinte músicos, se eleva hasta el nivel del escenario. El escenario tiene piso de pino de Canadá, es desmontable, mide 34,50 de profundidad y 35.50 de ancho. También hay un escenario formado por un disco de 20,30 m. de diámetro, que gira en ambos sentidos y permite un rápido cambio de escenas.

Fue inaugurado el 25 mayo de de 1908, con la representación de la ópera “Aída” de Verdi y desde entonces se destaca que mediante esa forma de herradura y la adecuada ubicación de las aberturas, se logró una caja acústica que permite escuchar perfectamente desde cualquier lugar de la enorme sala. A fines del siglo veinte, trabajaban allí aproximadamente mil personas, estaban organizados como cuerpos estables: la Orquesta Filarmónica con ciento siete ejecutantes; el Coro de ciento siete voces; el Cuerpo de Baile con noventa integrantes; funcionan talleres de escenografía y vestuario, de pintura y artesanías, de grabación y video...

El maestro Raúl Soldi renovó la decoración de la cúpula y tal como ha sido su estilo, incluyó imágenes de “bailarines, cantantes de ópera, actores de la Comedia del Arte, músicos e instrumentos musicales, cubren los 318 metros cuadrados con la gracia de las tenues tonalidades y transparencias”.

(Es oportuno recordar al tenor español Antonio Vela, casado con Esther Suso, residentes en Santa Fe de la Vera Cruz hasta fines de la década del ’30 -padres de Elba y del poeta y diplomático Rubén Vela-. Antonio Vela principios de la década siguiente, cantó en el Teatro “Colón” de Buenos Aires; en el “Liceo” de Barcelona y en el “Scalla” de Milán. En ese tiempo, sus amigos lo agasajaron en la Quinta Asturiana de la capital santafesina y décadas después, le rindieron un homenaje ante el busto instalado en la esquina noroeste de la Plaza España de la ciudad donde comenzó su trayectoria artística.)

domingo, 24 de abril de 2011

- PASCUA -






Pascua




La pascua (←páscae(latín)←πάσχα(griego)← פסח [pésaj](hebreo), 'paso' )?religioso para designar a la máxima celebración de las religiones judía y cristiana.

El Domingo de Pascua tiene fecha variable, ya que no depende del calendario gregoriano (exclusivamente solar) sino del antiguo calendario solar/lunar. Por convención, este domingo es siempre el siguiente a la primera luna llena posterior al equinoccio (y cae siempre entre el 22 de marzo y el 25 de abril).

El término en inglés, Easter, proviene del nombre de la diosa anglosajona de la primavera llamada Oaster o Easter.

Desde varios milenios antes de nuestra era, en las culturas mediterráneas, al principio de la primavera (en esta época de marzo) se hacía una fiesta de varios días (hasta una semana) de duración en la primera luna llena de la primavera, por el «paso» del invierno a la primavera.

Diversos pueblos (chinos, egipcios, hindúes, persas, galos, romanos) han considerado el huevo como símbolo universal de la vida, relacionado con esta época de renacimiento primaveral.

El huevo de pascua participa en los ritos del Séder judío, que simboliza el duro corazón del faraón que no dejaba salir al pueblo hebreo. Posteriormente, los cristianos tomaron la idea del huevo como representante de la resurrección de Cristo.

Muy Feliz Pascua para todos!!!