- MORAL -

Frases y citas


célebres sobre


La Moral






La moral es una ciencia
que enseña,
no como hemos de ser felices,
sino cómo hemos de llegar a ser
dignos de la felicidad.
Kant

No hay más realidad que
la imagen ni más vida
que la conciencia.
Azorín

El primer gran regalo
que podemos dar a otros
es un buen ejemplo.
Thomas Moreli

Esforcémonos en obrar bien:
he aquí el principio
de la moral.
Blaise Pascal

La conciencia vale
por mil testigos.
Quintiliano

Moral es lo que nos permite
ser fieles a nosotros mismos.
Jeanne Moreau

Todo está perdido cuando
los malos sirven de ejemplo
y los buenos de mofa.
Demócrates

La conciencia es la
voz del alma; las pasiones
son la voz del cuerpo.
Jean-Jacques Rousseau

Me interesa la moral,
a condición de que no
haya sermones.
Patricia Highsmith

La moral que no tiene
por objeto la felicidad
es una palabra vacía
de sentido.
Ludwig Feuerbach

Fuerte es el peso de
la propia conciencia.
Cicerón

La moral es la ciencia
por excelencia:
el arte de vivir bien
y ser dichoso.
Blaise Pascal

El desprecio de la muerte,
he ahí el principio de
la fuerza moral.
Lacordaire

Los moralistas son personas
que se rascan allí donde
a otros les pica.
Samuel Beckett

Los proverbios son los
gérmenes de la moral.
Plutarco

Para la política, el hombre
es un medio; para la moral,
es un fin.
Herder

La buena conciencia es
la mejor almohada para
dormir.
Sócrates

Todos somos iguales
ante el deber moral.
Kant

Los valores morales se
pierden sepultados por
los económicos.
José Luis López Araguren

La moral descansa
naturalmente en el
sentimiento.
Anatole France

- AGUAFUERTE -

¿Que es un Aguafuerte?


El aguafuerte es una modalidad de grabado que se efectúa tomando como base una plancha o lámina de aleación metálica, habitualmente de hierro y zinc. Ésta se recubre de una fina capa de barniz protector, o de cera resistente a los ácidos. El grabador dibuja con un estilete de punta cónica muy afilada en esta capa de barniz, llegando justo hasta el cobre sin penetrar en él. Posteriormente se sumerge la lámina con su barniz en una solución de agua y ácido nítrico, (esto es el propio aguafuerte). Esta solución corroe el cobre en las zonas en que éste no está protegido por el barniz, y deja unos surcos. El tiempo de inmersión de la lámina en el ácido determina la profundidad de la línea en el grabado, otorgándole a mayor tiempo mayor valor.





Se retira el barniz, y la plancha ya está lista para el proceso de estampación. Se impregna la superficie con una tinta espesa que penetra en los surcos y se retira el sobrante. Se coloca sobre la plancha un papel especial, humedecido para hacerlo un poco esponjoso, y sobre él, una mantilla de lana, y se pasa por una prensa formada por una pletina de metal y dos rodillos denominada "Torculo".





El papel penetra en los surcos y se impregna de la tinta, obteniéndose una imagen simétrica a la que se encuentra en la matriz. Una de las ventajas de esta técnica sobre otras es que pueden corregirse los errores, o hacerse retoques. Lo más importante es no rayar el cobre con el estilete. Si se desea borrar una línea o dibujo basta con pasar por encima un pincel con barniz, y una vez se ha secado, se vuelve a dibujar. Otra cuestión es la profundidad de los surcos, que puede hacerse mayor o menor dependiendo de la concentración y la fuerza de la solución corrosiva.

- DERECHOS DEL CONSUMIDOR -

El Día Mundial de los Derechos del Consumidor


Historia y propósitos


El Día Mundial de los Derechos del Consumidor es una ocasión anual de celebración para el movimiento de consumidores a nivel mundial. Es una jornada para promover los derechos fundamentales de todos los consumidores, para exigir que sus derechos sean respetados y protegidos, y para protestar contra los abusos del mercado y las injusticias sociales que los socavan.

El Día Mundial de los Derechos del Consumidor fue celebrado por primera vez el 15 de marzo de 1983, y desde entonces ha sido una ocasión importante para la movilización de la ciudadanía por sus derechos. En todo el mundo las organizaciones de consumidores utilizan los materiales producidos por Consumers International para propiciar iniciativas locales y lograr la cobertura de los medios de comunicación para su trabajo.

- BRAHMS -

Johannes Brahms


Uno de los pilares de música clásica del romanticismo


De origen alemán, es uno de los compositores más importantes del siglo XIX, cuyas obras combinan lo mejor de los estilos clásico y romántico. Brahms nació en Hamburgo el 7 de mayo de 1833.

Después de estudiar violín y violonchelo con su padre, contrabajista del teatro de la ciudad, Brahms se especializó en el piano y comenzó a componer bajo la tutela del maestro alemán Eduard Marxsen, cuyo conservador gusto musical dejó una profunda huella en él.





En 1853 inició una gira de conciertos como acompañante del violinista húngaro Eduard Reményi. Durante esta gira conoció al violinista, también húngaro, Joseph Joachim, quién lo presentó al compositor alemán Robert Schumann.

Schumann se quedó tan sorprendido con las composiciones de Brahms, obras aún no editadas, que escribió un apasionado artículo en una revista de la época sobre el joven compositor. Brahms cobró un sincero afecto a Schumann y su mujer, la famosa pianista Clara Josephine Schumann, y esta amistad y el aliento que recibió de ellos le proporcionaron energías para trabajar sin descanso.

Muchos biógrafos han escrito sobre la atracción que sentía Brahms por Clara, aunque nunca se la reveló abiertamente, ni siquiera tras la muerte de Schumann en 1856, y jamás se casó.





En 1857, Brahms fue nombrado director del teatro de la corte en Delmont, donde permaneció hasta 1859; después, viajó durante varios años por Alemania y Suiza. Su primera gran obra presentada al público fue el Concierto nº 1 para piano y orquesta en re menor, que fue ejecutado por él mismo en Leipzig en el año 1859. Sin embargo, la composición no fue muy bien recibida ya que por entonces los conciertos donde aparecían pasajes virtuosísticos eran los que gustaban al público, y éste primero de Brahms carecía de ellos.

El compositor marchó a Viena en 1863, donde lo nombraron director de la Singakademie (Academia de Canto), aunque abandonó el puesto un año después. En 1868, Brahms adquirió fama en toda Europa debido al estreno de su Requiem alemán, llamado así porque el texto está tomado de la traducción alemana que hizo Lutero de la Biblia, en vez de utilizar el texto en latín, como normalmente se hacía.

La obra, dividida en siete partes, se centra más en el dolor y los lamentos de aquellos cuyos seres queridos se han ido, que en la reacción entre el destino y la muerte. Brahms se estableció en Viena en 1871, donde sería nombrado director de la Gesellschaft der Musikfreunde (Sociedad de los Amigos de la Música), aunque en 1874 renunció a este puesto.


para, de esta manera, dedicar todo su tiempo a la composición.


Hasta 1873 Brahms había escrito sobre todo música para piano, el instrumento que mejor conocía, y para coro y orquesta (continuó escribiendo música para piano hasta su muerte). Ese año compuso las Variaciones sobre un tema de Haydn en versión orquestada. Estas variaciones demostraron su maestría en la composición de música para orquesta y fue el comienzo de sus grandes obras, que se cuentan entre lo mejor de la composición musical de todos los tiempos.

Entre sus obras maestras se encuentra la majestuosa Sinfonía nº 1 en do menor op. 68 (1876); la suave y dulce Sinfonía nº 2 en re mayor op. 73 (1877); la Obertura del festival académico op. 80 (1880), que contiene canciones de estudiantes alemanes; la sombría Obertura trágica (1881); la poética Sinfonía nº 3 en fa mayor op. 90 (1883), y la Sinfonía nº 4 en mi menor op. 98 (1885), con su emocionante y brillante final. Todas estas obras muestran una estructura muy compleja, heredada de la tradición vienesa clásica. Al contrario que sus coetáneos, Brahms rechazó el uso superfluo de nuevos efectos armónicos y cromatismos.

Se esforzó más bien por componer música de gran coherencia interna, utilizando los efectos nuevos o infrecuentes sólo para subrayar los matices estructurales internos. Así pues, sus mejores obras no contienen añadidos innecesarios: cada tema, figura y modulación están anunciadas en los pasajes precedentes.

El clasicismo de Brahms fue un fenómeno único en sus días, ya que no seguía las tendencias marcadas por la moda musical de su época, representada por el compositor alemán Richard Wagner.





A pesar de que Brahms hizo revivir una tradición musical como ningún otro compositor había conseguido desde Ludwig van Beethoven, no estuvo completamente aislado, y la riqueza emocional del espíritu romántico impregna su música. Por desgracia, es poco lo que se sabe sobre el método de trabajo de Brahms. Era tan autocrítico que quemó todo lo que compuso antes de los 19 años, al igual que los borradores de obras más tardías.

Es sabido que solía reelaborar una misma pieza pasados incluso diez o doce años de una creación, y que antes de dar a la obra su forma final, la transcribía para distintas combinaciones de instrumentos. Brahms murió en Viena el 13 de abril de 1897. Su obra abarca todo tipo de música menos ópera.

Otros trabajos importantes aparte de los anteriormente mencionados son la Schicksalslied (Canción del destino, 1871), una versión musical de un poema escrito por el autor alemán Friedrich Hölderlin, para coro y orquesta; el Concierto para violín en re mayor op. 77 (1878), que se ha transformado en obra obligada en el repertorio violinístico; tres cuartetos de cuerda; cinco tríos; un quinteto para clarinete; varias composiciones para música de cámara combinando distintos instrumentos, y más de 150 canciones.

La muerte lo encuentra en Viena, un 3 de abril de 1897.

- Jorge Guinzburg -

EN MEMORIA

A JORGE



TODOS NOS

MORIMOS

UN POCO

- DOS CORRIENTES -

Los grupos de Florida y Boedo:


Lo estético y lo social en las dos corrientes literarias más importantes
de la ciudad porteña

Existieron en Buenos Aires, entre los años 1920 y 1930, dos grupos literarios que motivaron más leyendas que vanguardias: los de Florida y los de Boedo.

Si bien no marcaron dos actitudes estéticas bien definidas y concretamente asumidas, pasaron a la historia de la literatura nacional como dos vertientes opuestas, nacidas del Martinfierrismo.
Ambos grupos contaban con sus respectivas publicaciones: el grupo de Florida -llamado así por estar ubicada su redacción sobre la calle Florida, céntrica, aristocrática y europeizante- contaba, entre otras publicaciones, con la revista Proa, y el grupo de Boedo -su redacción ubicada en la calle alejada, proletaria y tanguera del mismo nombre- estaba representado por las revistas Los Pensadores y Claridad.





No obstante, no intentaron cimentar sus diferencias solamente colaborando con distintas publicaciones sino también marcando su intencionalidad frente a la producción literaria. Los de Florida, dirigiendo su preocupación hacia una nueva vanguardia estética, sin ingredientes ideológicos. Los de Boedo, inclinando su interés a una literatura que refleje los problemas sociales, inspirados en el mundo del trabajo y la ciudad.

El arte puro confrontado con el arte comprometido.
El grupo de Florida era conformado, entre otros, por los escritores Conrado Nalé Roxlo, Horacio Rega Molina, Oliverio Girondo, Ricardo Molinari, Jorge Luis Borges, Leopoldo Marechal, Francisco Luis Bernárdez, Raúl Gonzalez Tuñón, Eduardo González Lanuza, Norah Lange y, a la cabeza, Ricardo Güiraldes.

El grupo de Boedo lo integraban, entre otros, los escritores Álvaro Yunque, Nicolás Olivari, Leónidas Barletta, Elías Castelnuovo, César Tiempo y Roberto Mariani. Durante mucho tiempo se trató de vincular a este grupo, como su figura más importante, a Roberto Arlt. Lo cierto es que él nunca se identificó plenamente con ninguno de los dos lados. Si bien poseía una mayor afinidad estética e ideológica en su obra con los de Boedo, es verdad que Castelnuovo le rechazó la publicación de su primera novela "El Juguete Rabioso", pudiéndola publicar gracias a la atención y generosidad de Ricardo Güiraldes, puntal de los de Florida.

Un caso similar se dio con Raúl Gonzalez Tuñón, quien formaba parte del grupo de Florida, sin embargo la temática social de su poesía, así como su ideología revolucionaria, lo relaciona estrechamente con los bodeistas. Por otro lado, Nicolás Olivari, habiendo sido uno de los fundadores del grupo de Boedo, es uno de los primeros en abandonarlo para pasarse al de Florida. Así, con el correr del tiempo, ambos grupos se fusionan. Algunos integrantes de Florida manifiestan preocupaciones por los problemas sociales y algunos de Boedo, como Olivari, se interesan por las nuevas técnicas literarias.

Jorge Luis Borges afirmó, en 1927, que "demasiado se conversó de Boedo y Florida, escuelas inexistentes", pero al año siguiente publica un artículo en el diario "La Prensa" titulado "La inútil discusión de Boedo y Florida". Más allá de sus conclusiones, parece aceptar, en su nota, la existencia de los dos grupos y su polémica.

Los antagonismos sirvieron para subrayar el porteñismo de nuestra cultura urbana.
En 1930, Elías Castelnuovo declaró: "tanto Boedo como Florida sirvieron de pretexto para iniciar una discusión que por entonces era necesaria. Muerta la discusión, ambos grupos pasaron a la historia".
Leónidas Barletta afirmó que los dos grupos desaparecen definitivamente cuando encuentran un enemigo en común en la dictadura militar del 6 de septiembre de 1930, dictadura que silencia la democracia y la cultura nacional.

Críticos e historiadores de la literatura no se mostraron poco sorprendidos ante la dependencia mutua y la constante necesidad de "tenerse en cuenta" de ambos grupos.
Lo cierto es que, más allá del terreno literario, los grupos de Florida y Boedo se anticiparon a una antinomia social y cultural que zanjará nuestra historia del siglo XX.

- ESCUDO -

DIA DEL ESCUDO NACIONAL


ASAMBLEA GENERAL CONSTITUYENTE - Sesión del 12 de Marzo de 1813

Hecha una moción en este día por uno de los ciudadanos representantes para que se designe al Supremo Poder Ejecutivo el sello que debe usar en sus diplomas y contestaciones oficiales, se acordó por unanimidad de votos lo siguiente


DECRETO:

La Asamblea General Constituyente ordena que el Supremo Poder Ejecutivo use el mis mo sello de este Cuerpo Soberano, con la sola diferencia de que la inscripción del Círculo sea la de: Supremo Poder Ejecutivo de las Provincias Unidas del Río de la Plata .

- Dr. TOMAS VALLE, Presidente.
- HIPOLITO VIEYTES, Diputado Secretario.

NOTA.- El redactor de la Asamblea Constituyente no publicó en sus columnas el decreto creando el sello ó escudo de la misma á que se refiere en el precedente, estableciendo el que debía usar el Poder Ejecutivo, pero en una ley posterior _13 de Abril_ mandando variar los troqueles de la moneda se refiere á los atributos de dicho sello ó escudo en los siguientes términos:

LEY:

La Asamblea General Constituyente ordena: que el Supremo Poder Ejecutivo comunique lo que corresponde al Superintendente de la Casa de Moneda de Potosí, á fin de que inmediatamente y bajo la misma ley y peso que ha tenido la moneda de oro y plata en los últimos reinados de Carlos IV y Fernando VII se abran y esculpan nuevos sellos por el órden siguiente:

Moneda de plata_ La moneda de plata que de aquí en adelante debe acuñarse en la casa de moneda de Potosí, tendrá por una parte el sello de la Asamblea General, quitado el sol que lo encabeza; y un letrero que diga alrededor: Provincias del Río de la Plata _ por el reverso un Sol que ocupe todo el centro, y alrededor la inscripción siguiente: En Unión y Libertad -debiendo además llevar todos los otros signos que expresan el nombre de los ensayadores, lugar de su amonedación, año y valor de la moneda y demás que han contenido las expresadas monedas.

Moneda de oro_ Lo mismo que la de plata, con solo la diferencia que al pie de la pica y bajo de las manos que la afianzan, se esculpan trofeos militares, consistentes en dos banderas de cada lado, dos cañones cruzados y un tambor al pie. De una y otra deberán sacarse dibujos en pergamino, que autorizados debidamente, acompañen la orden de la nueva amonedación.

- Dr. PEDRO AGRELO, Presidente.
- HIPÓLITO VIEYTES, Diputado Secretario

- ATOCHA -

A CUATRO

AÑOS DEL

ATENTADO

DE ATOCHA

- ASTORTANGO -

LA REVOLUCION DEL GENERO

A 87 AÑOS DE SU NACIMIENTO


Astor Pantaleón Piazzolla nace el 11 de marzo de 1921, en Mar del Plata.
Desde 1924 hasta 1937, se muda a Nueva York donde sus padres se instalan. Comienza a estudiar bandoneón en 1930, y luego piano con Serge Rachmaninov con miras a poder arreglar obras escritas para piano, para el bandoneón. En New York, Carlos Gardel lo invita a grabar algunos temas de su película "El Día que me Quieras" en la que a su vez aparece en pantalla como el canillita (era un chico de tan solo 14 años) En 1937, vuelve a la Argentina y se radica en Buenos Aires donde comienza verdaderamente su carrera como bandoneonista en la orquesta de Anibal Troilo.

Sigue estudiando en 1940 con Alberto Ginastera y en 1946, forma su primera orquesta "Astor Piazzolla y su Orquesta Típica". Pero ésta no es su meta. Quiere ante todo "sacar" el bandoneón, impedirlo ser el "instrumento" de una orquesta de baile. Quiere devolverle al bandoneón su nobleza, volviéndolo un instrumento clásico. Comienza a componer para bandoneón obras de corte clásico. En 1950, su "Rapsodia Porteña" es galardonada con el Empire Tractor en USA.

En 1953 su sinfonía "Buenos Aires" gana el premio Fabián Sevitsky y en 1954, su "Sinfonietta" es nominada para la Asociación de Críticos Musicales de Buenos Aires. Mientras que en 1952, gana el Primer Premio de Composición en Francia, por lo que el Gobierno Francés lo honra con una beca para ir a París a estudiar con Nadia Boulanger. "Fue para mí como mi segunda madre. Nadia me hizo descubrir el mundo musical que yo esperaba desde tanto tiempo". Ella lo alienta a seguir con su propia música, la música de Piazzolla.





Tras ese período francés, Astor forma dos conjuntos: El Octeto de Buenos Aires y la Orquesta de Cuerdas con los que revoluciona la música ciudadana, despertando en su contra las más impiadosas críticas. Realmente la vida de Piazzolla no fue “un lecho de rozas” y tuvo que luchar contra sus detractores, los viejos tangueros que “no entendían lo que venía”.

Pese a todo, no se desalienta y sigue con la vía que siente como suya. Las editoriales y los medios lo "boicotean" y entonces en 1958 se va a Nueva York donde trabaja como arreglador. Dos años más tarde vuelve a Buenos Aires y forma un Quinteto, cada vez más convencido de que el tango es una música para escuchar, no para bailar. Da unos conciertos, graba unos discos y recorre varias veces la Argentina, Brasil, los Estados Unidos.





En 1963, recibe el Premio Hirsch y escribe "Tres Movimientos Sinfónicos" que Paul Klecki dirige ese mismo año. En 1965, trabaja en estrecha colaboración con Jorge Luis Borges poniendo música a sus poemas y el disco "El Tango" sale el mismo año. En 1967, escribe con Horacio Ferrer "María de Buenos Aires". Luego, compone "Tangazo", a pedido del Maestro Calderon, Director del Ensemble Musical de Buenos Aires quien lo representa de gira por los Estados Unidos; "Tango Seis" para el Melos Ensamble y "Milonga en Ré" para el violinista Salvatore Accardo.

Luego de su colaboración con Ferrer, Piazzolla comienza una nueva experiencia : el "Tango-Canción" con temas como “Chiquilín de Bachín”. En 1969 gana el segundo puesto del Festival Buenos Aires de la canción con su "Balada para un Loco", interpretada vocalmente por Amelita Baltar. Se convierte en un enorme éxito mundial.

Ese género, más comercial, lo acerca al gran público. Su público, hasta entonces integrado por un grupo reducido de entendidos, se hace cada vez más numeroso y reconoce en Piazzolla la expresión auténtica de la música de Buenos Aires. En 1970, vuelve a París donde desde la Cité des Arts compone, con Ferrer, un oratorio: "El Pueblo Joven" cuyo estreno tiene lugar en Sarbruck. En 1971, forma su "Conjunto Nueve" que la Municipalidad de Buenos Aires contrata por dos años para una serie de conciertos en la Argentina y fuera del país. Así es que cosecha los más cálidos éxitos en América Latina. Entre otras cosas graba su inolvidable “Libertango”





En 1972, Piazzolla se presenta en concierto en el Instituto Italo-Americano para el estreno del "Conjunto Nueve" en Italia y graba varios programas para la RAI. El 17 de agosto de 1972 Piazzolla se presenta en el Teatro Colón. Los ensayos de ese importantísimo evento lo impiden aceptar la propuesta de Bernardo Bertolucci para escribir la banda musical de su "Ultimo Tango en París", que hace famoso mundialmente al Gato Barbieri. Solo escribirá dos temas para la película "Jeanne y Paul" y "El Penúltimo". En agosto de 1972 presenta asimismo en Buenos Aires el "Concierto de Nácar".

En 1974, Gerry Mulligan una de las máximas figuras del jazz, solicita a Piazzolla trabajar en conjunto y así es que nace "Summit": Mulligan tocando a Piazzolla. En 1986, graba con Gary Burton en el Festival de Montreux la "Suite for Vibraphone and New Tango Quintet" lo que despierta la admiración de grandes solistas de jazz como Pat Metheny, Keith Jarrett, Chick Corea, quienes a su vez le irán encargando obras para ellos.

En 1989, la revista de jazz Down Beat ubica a Piazzolla entre los mejores instrumentistas del mundo. Han interpretado a Astor Piazzolla los artistas más destacados en el mundo entero, entre ellos : Susana Rinaldi, Julien Clerc, Guy Marchand, Georges Moustaki, Mina, Milva, Grace Jones, Jairo, etc.






En sus últimos años, Piazzolla prefirió presentarse en conciertos como solista acompañado por una orquesta sinfónica con, de tanto en tanto, alguna que otra presentación con su quinteto. Es así que recorre los Estados Unidos, Japón, Italia, Alemania, Francia, América Latina, etc... ampliando de esa manera la magnitud de su público en cada continente por el bien y la gloria de la música de Buenos Aires.

Ha grabado con Lalo Schiffrin y el St Luke's Orchestra "Concierto pour Bandoneon", "Tres Tangos Para Bandoneon y Orquesta" y "Suite Punta del Este" y con el Kronos Quartet, una suite titulada "Five Tango Sensations", su última grabación, la que se colocó en el Top Ranking de los albums de música clásica quedándose en primer lugar más de un año. En 1990, el Maestro Mstislav Rostropovich estrenó en Nuevas Orléans, la obra que le había pedido a Piazzolla, para celo y piano : "Le Grand Tango".

En un homenaje a su memoria, el Maestro Rostropovich ha presentado la misma obra en el escenario del Teatro Colon en su concierto del mes de julio de 1994, haciéndole aplaudir al público, con un gesto maravilloso, la partitura de Astor apoyada en el piano. Astor Piazzolla es uno de los pocos compositores que pudo grabar, y representar en conciertos la casi totalidad de su obra, la cual abarca unos cincuenta LP.

En sus últimos diez años, escribió más de 300 tangos, unas cincuenta bandas musicales de films, entre las cuales : "Henri IV" de Marco Bellocchio, "Lumière" de Jeanne Moreau", "Armaguedon" de Alain Delon, "Sur" y "El Exilio de Gardel" de Fernando Pino Solanas, César a la mejor Música de Film y así como también temas musicales para obras teatrales y ballets.

En febrero de 1993, en Los Angeles, Astor Piazzolla fue nominado por los Grammy Awards 1992 por en la categoría "Mejor Composición Instrumental". Los críticos internacionales han calificado “Obridón” como uno de los temas más hermosos de Piazzolla y quizá uno de los más grabados a la fecha.
Astor Piazzolla fallece en su Buenos Aires, el 4 de Julio de 1992 tras un silencio que comenzó en agosto de 1990 debido a una trombosis cerebral. Su música es impresionantemente representativa de Buenos Aires y su gente.





Hace no mucho tiempo se reestreno la opereta “María de Buenos Aires” del mítico binómio Piazzolla-Ferrer, casi cuarenta años adelantada en la secibilidad musical y poética del público. Astor fue un revolucionario precursor de la música con mayúsculas, que recién ahora estamos entendiendo.

Hoy, homanajeamos al gran creador y renovador de nuestra música, Maestro Astor Piazzolla.

Ricardo A. CARRASQUET

- LA DANZA -

Breve Historia de la Danza


La danza ha formado parte de la Historia de la Humanidad desde el principio de los tiempos. Las pinturas rupestres encontradas en España y Francia, con una antigüedad de mas de 10.000 años, muestran dibujos de figuras danzantes asociadas con ilustraciones rituales y escenas de caza. Esto nos da una idea de la importancia de la danza en la primitiva sociedad humana.

Muchos pueblos alrededor del mundo ven la vida como una danza, desde el movimiento de las nubes a los cambios de estación. La historia de la danza refleja los cambios en la forma en que el pueblo conoce el mundo, relaciona sus cuerpos y experiencias con los ciclos de la vida. En la India, entre los hindúes, el Creador es un bailarín, Siva Nataraj hace bailar el mundo a través de los ciclos del nacimiento, la muerte y la reencarnación. En los primeros tiempos de la Iglesia en Europa, el culto incluia la danza mientras que en otras épocas la danza fué proscrita en el mundo occidental. Esta breve historia de la danza se centra en el mundo occidental.






La Danza en la Antigüedad

Desde el Egipto de los Faraones hasta Dionisio, los legados escritos, los bajorelieves, mosaicos.. nos permiten conocer el mundo de la danza en las antiguas civilizaciones egipcia, griega y romana. En el antiguo Egipto, las danzas ceremoniales fueron instituidas por los faraones. Estas danzas, que culminaban en en ceremonias representando la muerte y la reencarnación del dios Osiris se fueron haciendo cada vez mas complejas hasta el punto de que solo podian ser ejecutadas por profesionales altamente cualificados.

En la Grecia antigua, la influencia de la danza egipcia fué propiciada por los filósofos que habían viajado a Egipto para ampliar sus conocimientos. El filósofo Platón, catalizador de estas influencias, fué un importante teórico y valedor de la danza griega. Los rituales de la danza de los Dioses y Diosas del Panteón Griego han sido reconocidos como los orígenes del teatro contemporáneo occidental. Alrededor de Dionisio, el dios griego del vino y la embriaguez (conocido también como Baco), grupos de mujeres llamadas ménades iban denoche a las montañas donde, bajo los efectos del vino, celebraban sus orgías con danzas extásicas. Estas danzas incluían, eventualmente, música y mitos que eran representados por actores y bailarines entrenados.

A finales de siglo V antes de Cristo estas danzas comenzaron a formar parte de la escena social y poítica de la antigua Grecia. Entre los romanos, la aceptación de la danza por parte de los poderes públicos fué decayendo. Hasta el 200 a.c. la danza formó parte de las procesiones romanas, festivales y celebraciones. Sin embargo, a partir del 150 a.c. todas las escuelas romanas de baile cerraron sus puertas porque la nobleza romana consideró que la danza era una actividad sospechosa e incluso peligrosa. De todos modos, la fuerza del movimiento no se detuvo y bajo el mandato del emperador Augusto (63 a.c. 14 d.c.) surgió una forma de danza conocida actualmente como pantomima ó mímica en la que la comunicación se establece sin palabras, a través de estilizados gestos y movimientos y se convirtió en un lenguaje no verbal en la multicultural Roma.

La cristianización del Imperio Romano introdujo una nueva era en la que el cuerpo, la sexualidad y la danza resultaron unidas y fueron objeto de controversia y conflictos.






La danza en la Edad Media

La actitud de la Iglesia Cristiana hacia la danza, a partir del S IV y durante toda la Edad Media fué ambivalente. Por un lado encontramos el rechazo de la danza como catalizadora de la permisividad sexual, lascivia y éxtasis por líderes de la Iglesia como S. Agustín (354-430) cuya influencia continuó durante toda la Edad Media.

Por otro lado, antiguos Padres de la Iglesia intentaron incorporar las danzas propias de las tribus del norte, Celtas, Anglosajones, Galos.. en los cultos cristianos. Las danzas de celebracion estacional fueron a menudo incorporadas a las fiestas cristianas que coincidian con antiguos ritos de fin del Invierno y celebración de la fertilidad con la llegada de la Primavera. A principios del siglo IX Carlomagno prohibió la danza, pero el bando no fué respetado. La danza continuó como parte de los ritos religiosos de los pueblos europeos aunque camuflados con nuevos nombres y nuevos propósitos.Durante esta época surgió una danza secreta llamada la danza de la muerte, propiciada por la prohibición de la iglesia y la aparición de la Peste Negra.

Nacida como danza secreta y extásica durante los siglos XI y XII la danza de la muerte comenzó como respuesta a la Peste Negra que mató a mas de 50 millones de personas en 200 años. Esta danza se extendió desde Alemania a Italia en los siglos XIV y XV y ha sido descrita como una danza a base de saltos en la que se grita y convulsiona con furia para arrojar la enfermedad del cuerpo.






El Renacimiento y el nacimiento del Ballet

El advenimiento del Renacimiento trajo una nueva actitud hacia el cuerpo, las artes y la danza.
Las cortes de Italia y Francia se convirtieron en el centro de nuevos desarrollos en la danza gracias a los mecenazgos a los maestros de la danza y a los músicos que crearon grandes danzas a escala social que permitieron la proliferación de las celebraciones y festividades. Al mismo tiempo la danza se convirtió en objeto de estudios serios y un grupo de intelectuales autodenominados la Pléyade trabajaron para recuperar el teatro de los antiguos griegos, combinando la música, el sonido y la danza. En la corte de Catalina de Medici (1519-1589), la esposa italaiana de Enrique II, nacieron las primeras formas de Ballet de la mano del genial maestro Baltasar de Beauyeulx.

En 1581, Baltasar dirigió el primer ballet de corte, una danza idealizada que cuenta la historia de una leyenda mítica combinando textos hablados, montaje y vestuario elaborados y una estilizada danza de grupo. En 1661, Luis XIV de Francia autorizó el establecimiento de la primera Real Academia de Danza. En los siglos siguientes el ballet se convirtió en una disciplina artística reglada y fué adaptándose a los cambios políticos y estéticos de cada época. Las danzas sociales de pareja como el Minuet y el Vals comenzaron a emerger como espectáculos dinámicos de mayor libertad y expresión.

En el siglo XIX, la era del ballet romántico refleja el culto de la bailarina y la lucha entre el mundo terrenal y el mundo espiritual que trascende la tierra, ejemplarizado en obras tales como Giselle (1841), Swan Lake (1895), y Cascanueces (1892). Al mismo tiempo, los poderes políticos de Europa colonizaron Africa, Asia y Polinesia donde prohibieron y persiguieron las danzas y los tambores por considerarlos bastos y sexuales. Esta incomprensión de la danza en otras culturas parece cambiar al final de la Primera Guerra Mundial y las danzas de origen africano y caribeño crean nuevas formas de danza en Europa y en América.





La Danza en el siglo XX

Después de la I Guerra Mundial, las artes en general hacen un serio cuestionamiento de valores y buscan nuevas formas de reflejar la expresión individual y un camino de la vida mas dinámico. En Rusia surge un renacimiento del ballet propiciado por los mas brillantes coreógrafos, compositores, artistas visuales y diseñadores. En esta empresa colaboraron gentes como: Ana Pavlov, Claude Debussy, Stravinsky, Pablo Picasso... Paralelamente a la revolución del Ballet surgieron las primeras manifestaciones de las danzas modernas. Como reacción a los estilizados movimientos del ballet y al progresivo emancipamiento de la mujer surgió una nueva forma de bailar que potenciaba la libre expresión. Una de las pioneras de este movimiento fué Isadora Duncan.





A medida que la danza fué ganando terreno, fué rompiendo todas las reglas. Desde los años 20 hasta nuestros dias nuevas libertades en el movimiento del cuerpo fueron los detonantes del cambio de las actitudes hacia el cuerpo. La música con influencias latinas, africanas y caribeñas inspiraron la proliferación de las salas de baile y de las danzas como la rumba, la samba, el tango ó el cha cha.

El renacer del Harlem propició la aparicón de otras danzas como el lindy-hop ó el jitterbug. A partir de la década de los 50 tomaron el relevo otras danzas mas individualistas como el rock and roll, el twist y el llamado free-style; luego apareció el disco dancing, el breakdancing...La Danza, con mayúsculas, sigue formando parte de nuestras vidas al igual que lo hizo en la de nuestros antepasados. Es algo vivo que evoluciona con los tiempos pero es consustancial con la naturaleza humana.

- CHABUCA GRANDA -

LA GRAN CANTANTE Y COMPOSITORA PERUANA DEJÓ UNA FUERTE MARCA EN LA MÚSICA LATINOAMERICANA AUN HOY SOBREVIVE




Chabuca Granda, a 25 años de su desaparición, sigue vigente en el canto de la gente.

Más que sus canciones, más que su música, más que sus estilos, cambiantes con el tiempo, Chabuca simboliza la integración del arte latinoamericano en la fusión de ritmos.


Ayer se cumplieron 25 años de la muerte de la gran compositora peruana Chabuca Granda, cuyas obras daban cuenta de la Lima antigua y señorial del 1900 en su primera etapa para, luego, reinvindicar la música afroperuana.

El nombre completo de Chabuca era Isabel Granda Larco. Nació el 3 de septiembre de 1920 en Cotabambas, Apurímac (Perú), y falleció el 8 de marzo de 1983 en Miami.
Su nacimiento se produjo en una zona de minas de cobre ubicada en el departamento peruano de Apurímac. Comienza a cantar a los 12 años, pero su despliegue personal como cantautora se inicia luego de su divorcio, que fue visto como un escándalo para la sociedad limeña de aquella época.

El primer período de su producción creativa es netamente evocativo y pintoresco. "Chabuca" –éste es el nombre con el que se hizo llamar– le canta a la Lima antigua señorial de comienzos del 1900, la ciudad que ella conoció a través de su padre, la del barrio del Barranco, de grandes casonas francesas con inmensos portales y jardines de invierno.





A esta etapa pertenecen "Lima de Veras", "La flor de la Canela", "Fina Estampa", "Gracia", "José Antonio", "Zeñó Manué" y muchas otras.
En aquel momento rompe con la estructura rítmica convencional del vals y sus melodías, de tesitura muy amplia, alternan el nuevo lenguaje que propone con el de los antiguos valses de salón.

Su producción también revela una estrecha relación entre letra y melodía, que irá variando con el tiempo hacia una tendencia poética cada vez más sintética.
Luego, en una segunda parte de su carrera, quebrantará incluso las estructuras de la poesía convencional y el ritmo de las canciones seguirá los pasos de esa evasión de las rimas, consonancias y métricas dadas.
A este última etapa pertenece un ciclo de canciones dedicadas a la chilena Violeta Parra y a Javier Heraud, poeta peruano asesinado por la policía de la dictadura de Francisco Velasco Alvarado.

En sus últimos años armó un repertorio ligado al renacimiento de la música negra afroperuana que, a pesar de haber estado presente a nivel popular, había sido denostado por razones sociales y raciales.

Manejó con maestría "negra" el abanico de ritmos que enriquecieron la música popular peruana y su poesía tomó el sesgo de la acuarela, el trazo sintético y sugerente de colores y sensaciones.





Murió por una disfunción cardíaca en una clínica de Miami, en marzo del '83. Su voz y su vasta creación se extendieron más allá de las fronteras de su país, recreadas también por intérpretes de todo el mundo que han visto en sus obras una fina y sensible expresión de la música del Perú.

Fue muy amiga de pintores, poetas, periodistas, historiadores, artistas y se dice que organizaba en su casa reuniones muy simpáticas, haciendo siempre de buena anfitriona. Era admiradora del cantautor cubano Pablo Milanés.

"Su música fue un legado para Latinoamérica, las letras nos pintaban el paisaje y, además, la magia de sus letras evadía todas las rimas posibles. Una mujer increíble, referente de la cultura de América", señaló Víctor Heredia en su recuerdo.

"Fue un motor inspirador en muchos creadores que siguieron sus pasos; junto a Violeta (Parra) y Víctor (Jara), lamentablemente todos fallecidos, fueron nuestros verdaderos maestros. Muchos de los que hoy componemos hemos aprehendido (con h) de su sabiduría y de sus vivencias", manifestó.





Ella fue la principal impulsora del afroperuanismo en la música que, aunque estuvo presente en el sentir popular, no había llegado a los grandes escenarios.

GRANDE CHABUCA…!

- DIA DE LA MUJER -

Día Internacional de la Mujer Trabajadora


Ésta es una celebración que las Naciones Unidas declararon en el año 1975, pero que tiene sus orígenes en el año 1908 en Nueva York.



El Día Internacional de la Mujer Trabajadora se refiere a las mujeres corrientes como artífices de la historia y hunde sus raíces en la lucha plurisecular de la mujer por participar en la sociedad en pie de igualdad con el hombre. En la antigua Grecia, Lisístrata empezó una huelga sexual contra los hombres para poner fin a la guerra; en la Revolución Francesa, las parisienses que pedían "libertad, igualdad y fraternidad" marcharon hacia Versalles para exigir el sufragio femenino.

Ésta es una celebración que las Naciones Unidas declararon en el año 1975, pero que tiene sus orígenes en el año 1908 en Nueva York. A comienzos de siglo, muchas mujeres se incorporaron al trabajo en las fábricas en unas condiciones muy duras: jornadas laborales larguísimas, de doce y más horas, recibiendo salarios inferiores a los de los hombres.

A medida que las mujeres se iban incorporando al mundo laboral, se hacía más evidente que aquella situación no era justa, y poco a poco empezaron a organizarse. Una de las protestas reivindicando mejores condiciones laborales fue la que protagonizaron las trabajadoras de la fábrica textil Cotton de Nueva York, en Estados Unidos.

Era el 8 de marzo de 1908 y las trabajadoras se encerraron en el interior para pedir que se les redujera su jornada laboral a 10 horas. El propietario de la fábrica decidió incendiar el edificio para hacerlas salir de allí, pero el resultado fue de 129 trabajadoras muertas.

Estos son los hechos puntuales, que nos sirven de referencia concreta para conmemorar este día, pero el 8 de marzo es mucho más que la celebración de unos hechos concretos. Por eso, en este día dedicamos una jornada de reflexión sobre el largo camino que las mujeres han tenido que recorrer para ver reconocidos sus derechos.

Solo tenemos que fijarnos que, entre el año 1908, en que se sucedieron los hechos de la fábrica Cotton en Nueva York, y 1975 cuando Naciones Unidas declara el 8 de marzo "Día Internacional de la Mujer", han pasado cien años...

- J.S.B. -

El auténtico Johann Sebastian

Recrean el rostro del prolífico músico alemán

Bach era gordo, afable y sonriente

Se utilizaron técnicas forenses para darle forma a la cara del maestro del barroco; lo hizo una antropóloga escocesa


La Casa Museo de Bach develó en Berlín el rostro del maestro del barroco alemán Johann Sebastian Bach (1685-1750), a la edad de sesenta y cinco años, cuyo busto ha sido reconstruido mediante un minucioso trabajo forense basado en técnicas digitales.

Un busto de plástico acrílico de unos 40 centímetros de alto, peluca blanca incluida, es el resultado de las investigaciones realizadas por la antropóloga escocesa Caroline Wilkinson, de la Universidad de Dundee.

Más de 250 años después de su muerte, la Casa Museo dedicada al genial compositor ha conseguido poner rostro a Bach, algo que ya intentaron en 1894 el médico alemán Wilhelm His y el escultor Carl Ludwig Seffner en el que fue el primer intento médico de la historia de este tipo.

El busto muestra a un Bach orondo, medio sonriente, de pómulos anchos, labios gruesos, frente amplia e incipientes entradas en el pelo, resultado de un meticuloso proceso, que ha durado más de tres años y que se basa en retratos del músico y en su propia máscara mortuoria.

Los pioneros Seffner y His aprovecharon el traslado del cuerpo de Bach a una nueva tumba para tomar medidas de su cráneo, con las que forjaron una réplica de bronce, utilizada por la antropóloga dentro de la investigación.

Wilkinson explicó durante la presentación que el ensamblaje final del busto se hizo en tan sólo dos días, pero que fue necesaria una ardua tarea previa que combinó estudios antropológicos y técnica informática. A petición de la Casa Museo del músico, con sede en Eisenach (centro de Alemania), Wilkinson aplicó con el prolífico compositor el mismo proceso de reconstrucción facial que ya utilizó para desvelar los semblantes de San Nicolás o Tutankamon.

El punto de partida del trabajo fue la reconstrucción digital del cráneo de Bach, cuyas medidas se introdujeron en un ordenador gracias a la sofisticada técnica láser "Haptic Feedback", sobre el que se añadieron músculos, cartílagos, piel y pelo gracias a un programa informático.

El director del museo, Jörg Hansen, destacó que la recomposición reproduce "fielmente" la faz del compositor, según se desprende de los retratos que aún se conservan, especialmente del óleo pintado Elias Gottlob Haussmann que se tomó como referencia para la reconstrucción.

Hansen indicó que a pesar de la minuciosidad con la que el busto recrea las facciones de Bach, sólo se han realizado aproximaciones en cuanto al color del pelo, los ojos y la piel debido a la falta de datos científicos. "Al parecer, tenía los ojos de un color azul grisáceo pero no podemos saberlo a ciencia cierta ya que en algunos de sus retratos aparecen de color marrón", explicó Hansen.

La Casa Museo de Bach inaugurará el próximo 21 de marzo, aniversario del nacimiento del compositor, la exposición " Bach en el espejo de la medicina", que conmemora el centenario de su fundación, cuya pieza central será el busto del músico.

- OLMEDO -

NUSTRO RECUERDO AL NEGRO

ALBERTO OLMEDO

A 20 AÑOS DE SU DESAPARICION

- SCHUBERT -

Un grande de todos los tiempos


Franz Peter Schubert nace un 31 de enero de 1797.

Fue un gran compositor austríaco. Escribió alrededor de 600 canciones, nueve sinfonías y trece óperas, incluyendo su primer trabajo en alemán, Die Bürgaschaft. Schubert ha sido particularmente admirado por su genio, su original melodía y por sus armónicas composiciones.

Aún, durante su vida, la apreciación pública de su trabajo estuvo, en su mayoría, limitada a lo mejor. El nunca fue capaz de asegurarse un empleo permanente y la mayor parte de su carrera fue sostenida por sus familiares y amigos. Sin embargo, el interés en sus trabajos se incrementó dramáticamente luego de la muerte de éste en 1828.





A los cinco años, Franz comenzó a recibir instrucción regular a través de su padre y un año después se matriculó en la escuela Himmelp Fortground. Su formal educación musical también comenzó durante la misma época. Su padre continuó enseñándole rudimentariamente la ejecución del violín.

A los siete años, Schubert fue colocado bajo la instrucción de Michael Holzer. Las lecciones de Holzer parecían consistir principalmente en conversaciones y expresiones de admiración, y el joven se hizo más conocido con un amigable aprendiz de carpintero quien solía llevarlo al almacén de pianos de un vecino donde se le dio la oportunidad de practicar con mejores instrumentos. Desafortunadamente, la precaria educación musical de Schubert nunca fue enteramente suficiente.

El año 1815 fue el período más prolífico de la vida del autor; en 1816 su suerte cambió repentinamente. Cierta vez, Spaun lo sorprendió en la composición de Erlkönig (D.328, publicado como el Opus 1). Unas pocas semanas después Franz von Schober, un estudiante de una buena familia y algo tacaño, que había escuchado algo de las canciones de Schubert en la casa de Spaun, fue a visitar al compositor y le propuso abandonar su vida de escuela y darle su libertad para practicar su arte en paz.





La propuesta era particularmente oportuna para Schubert pues había pedido el puesto de Kapellmeister en Laibach (el nombre alemán para Ljubljana) el cual le había sido negado, y además, le sirvió para darse cuenta de la extrema esclavitud del aula. El padre le dio su consentimiento y antes del fin de la primavera estaba instalado como invitado en los aposentos de Schober. Por un tiempo, él intentó incrementar sus recursos hogareños dando lecciones musicales, pero fueron prontamente abandonadas, y se dedicó devotamente a la composición.

“Escribo todo el día” le comentó él a un visitante, “Y cuando he acabado con una obra, comienzo otra”. En el medio de su actividad creativa, su salud se fue deteriorando. El luchaba contra la sífilis desde 1822. La enfermedad final tal vez halla sido fiebre tifoidea, si bien otras causas habían sido propuestas; algunos de sus síntomas finales cuadran con los de envenenamiento por mercurio (el mercurio era un tratamiento muy común contra la sífilis, a comienzos del siglo XIX). A pesar de ello, no había evidencia suficiente como para hacer un diagnóstico definitivo. Su consolación durante su enfermedad terminal era la lectura, y se convirtió en un fan apasionado de los escritos de James Fenimore Cooper.





Schubert murió a lo 31 años, el 19 de Noviembre de 1828 en el apartamento de su hermano Ferdinand en Viena.

- EL PADRE DE LA TELEFONIA -

Alexander Graham Bell (1847 – 1922)


Científico y logopeda de origen escocés, al que se le ha atribuido la invención del teléfono.


Alexander Graham Bell nació en Edinburgo, Escocia en 1847 y su formación transcurrió dentro del seno de una familia de logopedas. Tanto su abuelo como su padre fueron especialistas en esa materia y con el tiempo él mismo decidió continuar esa tradición familiar para enseñar a hablar correctamente a las personas.

Sus estudios los cursó en la Royal High School de su ciudad natal y en la University College de Londres, aunque la mayor parte de su formación la realizó de forma autodidacta. Sus primeras investigaciones acerca del sonido las llevó a cabo en la Weston House Academy, de Elgin donde ocupaba una plaza de residente. En 1868 comenzó a desempeñarse como asistente de su padre en Londres, antes que éste se trasladara a vivir a América.





La pérdida de dos de sus hermanos enfermos de tuberculosis, incidió tanto en la salud como en el ánimo de Bell que en 1870 resolvió trasladarse él también a América. Allí se estableció con su familia en Brantford, Canadá y al año siguiente se fue a vivir a Boston, Estados Unidos de América.

Al igual que su padre, durante toda su vida Bell se interesó en perfeccionar los sistemas de educación para sordos, por lo que su actividad principal estuvo orientada, desde un principio, a conocer el sistema de aprendizaje destinado a personas con deficiencia auditiva creado por su padre, que había sido publicado en 1866 con el nombre de “Visible Speech” (Habla visible).

Esas investigaciones tuvieron tan buena acogida que parte del tiempo lo dedicó a impartir conferencias, hasta que en 1873 recibió el nombramiento de profesor de fisiología vocal de la Universidad de Boston. Paralelamente a su actividad como profesor, Bell dedicó tiempo a diseñar un dispositivo electromagnético que pudiera convertir los impulsos eléctricos en sonidos.





En principio su idea era construir un aparato que fuera capaz de imitar la voz humana y reproducir las vocales y consonantes. Para ello contaba con la cooperación de su ayudante, el joven mecánico Thomas Watson y el respaldo económico de los padres de Mabel Hubbard, que posteriormente se convirtió en su esposa.

Los resultados de sus experimentos concluyeron con la invención del teléfono en 1876. Este dispositivo traspasó rápidamente las fronteras de los Estados Unidos de Norteamérica y un año después se dio a conocer en Europa. En 1878 Bell inauguró la primera central telefónica en New Haven, Connecticut, Estados Unidos y en 1884 se efectuó la primera comunicación de larga distancia dentro de ese país entre las ciudades de Boston, Massachussets y New York.

Alexander Graham Bell falleció en Baddeck, Canadá, el 2 de agosto de 1922, dejando 18 patentes de inventos realizados por él.

Desde su invención, el teléfono se convirtió en un dispositivo prácticamente indispensable para el desarrollo de la civilización. Aunque Bell tuvo plena conciencia de lo que significaba el teléfono para la humanidad, seguramente nunca imaginó que un siglo después a través de una línea telefónica se pudiera transmitir no sólo sonidos, sino también datos e imágenes. Tampoco pudo imaginar que un día se pudiera llevar un teléfono en el bolsillo, ni que, finalmente, tal como había sido su propósito, personas sordas o mudas pudieran comunicarse entre sí o con otras personas a través de un sistema telefónico y una pantalla diseñada especialmente para ellos.





Como ironías de la historia Elisha Gray, otro inventor norteamericano, presentó en la Oficina de Patentes de Estados Unidos, unas horas después que Bell, un teléfono inventado por él, pero ya la patente se le había concedido a este último.

Sin embargo en 1849, veintisiete años antes que Bell patentara su teléfono, el italiano Antonio Meucci, trabajador del Teatro Tacón, de La Habana, Cuba, había inventado un aparato telefónico que no pudo patentar antes que el desarrollado por Bell, por no haber podido disponer de recursos económicos que se requerían para ello.

Alexander Graham Bell inaugurando en octubre de 1892 el- servicio telefónico- entre las ciudades de New York y Chicago.

El 15 de junio de 2002 la Cámara de Representantes de los Estados Unidos de América reconoció a Antonio Meucci como el inventor del teléfono en oposición a Bell ante las irrefutables pruebas presentadas por el congresista italo-norteameriano Vito Fossella. Meucci murió en la miseria en el año 1889 tras un continuo desgaste reclamando el reconocimiento de su invento.

- IDEA -

Frases y citas


célebres


sobre la Idea





Una idea fija siempre
parece una gran idea,
no por ser grande,
sino porque llena
todo un cerebro.
Jacinto Benavente

Las convicciones son
como las camisas:
para que estén
siempre limpias,
hay que mudarlas.
Michel Corday

Toda idea nueva pasa
inevitablemente por
tres fases:
primero es ridícula,
después es peligrosa,
y después...
¡todos la sabían!
Henry George

Las ideas envejecen
más deprisa que los hombres.
Gustave Le Bon

Desgraciados los hombres
que tienen todas
las ideas claras.
Louis Pasteur

No teniendo ideas que cambiar,
se cambian cartas y se
procura sacarse mutuamente
los cuartos.
Arthur Schopenhauer

Trincheras de ideas
valen más que
trincheras de piedra.
José Martí

No son las locomotoras,
sino las ideas,
las que llevan y
arrastran al mundo.
Victor Hugo

Las opiniones no se deben
combatir sino por
medio del raciocinio.
A las ideas no se
las fusila.
Rivarol

La idea que no trata de
convertirse en palabras
es una mala idea; la palabra
que no trata de convertirse
en acción es, a su vez,
una mala palabra.
Gilbert Keith Chesterton

Toda idea que triunfa
marcha hacia su perdición.
André Breton

Nunca debemos de obsesionarnos
excesivamente con la
idea que perseguimos.
Claude Bernard

La violencia es miedo a las
ideas de los demás y poca
fe en las propias.
Antonio Fraguas

Las ideas son capitales
que sólo ganan intereses
entre las manos del talento.
Rivarol

Es bueno para los hombres
creer en las ideas y
morir por ellas.
Jean Anquilh

- JOSE DE SAN MARTIN -

NACE EL LIBERTADOR




RECORDATORIO A 230 AÑOS DEL NATALICIO DE JOSE DE SAN MARTIN


San Martín nació el 25 de febrero de 1778 en el pueblo de Yapeyú, situado a orillas del caudaloso río Uruguay, que dependía del Virreinato del Río de la Plata. Su padre, don Juan de San Marín, había nacido en España y se desempeñaba como teniente gobernador del departamento. Su madre, doña Gregoria Matorras, era sobrina de un conquistador del Chaco.





Se trasladó a España junto con sus padres en el año 1786 donde ingresó al Seminario de Nobles de Madrid. En 1789 comienza su carrera militar en el regimiento de Murcia. Luchó en la campaña de África combatiendo en Melilla y Orán. En 1797 es ascendido a subteniente por sus acciones frente a los franceses en los Pirineos.

En 1797 su regimiento, que había participado en las batallas navales contra la flota inglesa en el Mediterráneo, se rindió en agosto de 1798.
Durante el período que sigue, lucha en diferentes acciones en el sur de España, en Gibraltar y Cádiz, con el grado de capitán 2° de infantería ligera.

En 1808 las tropas de Napoleón invaden la Península y el rey Fernando VII es hecho prisionero. Estalla la rebelión contra el Emperador y su Hermano José Bonaparte, que había sido proclamado Rey de España. Se establece una Junta de Gobierno que actúa primero en Sevilla y luego en Cádiz. San Martín es ascendido por la Junta al cargo de ayudante 1° del regimiento de Voluntarios de Campo Mayor.

Distinguido por sus acciones contra los franceses, llega luego a ser capitán del regimiento de Borbón. El ejercito ataca a los franceses y los vence en la batalla de Baylén, el 19 de julio de 1808; allí se destaca San Martín. Esta victoria permite al ejército de Andalucía recuperar Madrid y es la primera derrota importante de las tropas de Napoleón. San Martín recibe el grado de teniente coronel y es condecorado con una medalla de oro. Continua luchando contra los franceses en el ejército de los aliados: España, Portugal e Inglaterra. Combate a las órdenes del general Beresford en la batalla de Albuera.

Conoce a Lord Macduff, noble escocés, que lo introduce a las logias secretas que complotaban por la independencia de América del Sur. Por su intermedio obtuvo un pasaporte para viajar a Inglaterra, donde se encontró en 1811 con compatriotas de América española: Alvear, Zapiola, Andrés Bello, Tomás Guido, entre otros. Todos formaban parte de una logia que había fundado el "Precursor", Miranda, quien, junto con Bolivar, ya luchaba en América por la independencia de Venezuela.

Lo demás lo cuenta la historia. Simplemente se trata recordar el nacimiento de nuestro “padre de la patria”. Siempre conmemoramos su muerte. Está en nuestra cultura…

- LOS CORALES ECLESIASTICOS -

El canto Gregoriano


En la segunda mitad del siglo IV, San Ambrosio de Milán recopila un importante corpus litúrgico musical, siendo dos siglos depués, el papa San Gregorio Magno quien realiza la definitiva obra de codificación y síntesis de tal música, purificándola de elementos exóticos y profanos, dando lugar a lo que desde entonces se conoce como “canto Gregoriano”.

Durante el primer milenio de la era cristiana se desarrollaron varios tipos de canto llano cristiano. En Roma se desarrolló un repertorio separado, que con el tiempo se difundió por Europa y se impuso a los demás.

Ahora se le conoce como canto gregoriano, en honor del papa Gregorio I, también llamado el Grande, que tuvo un papel activo en la recopilación de cantos romanos, a los que asignó un sitio específico dentro de la liturgia, pudiendo ver cómo eran adoptados por las iglesias de otras ciudades y naciones. Hoy día se conocen cerca de 3.000 melodías gregorianas.

El canto gregoriano es música vocal, esto es, que se canta a capella (sin acompañamiento musical).

Se canta al unísono —una sola nota a la vez— lo cual quiere decir que todos los cantores entonan la misma melodia. A esta manera de canto se le denomina monodia. Muchos autores afirman que no debería admitirse el canto de coro mixto (o sea, con hombres y mujeres), ya que los hombres y las mujeres no pueden cantar las mismas alturas, por cuanto se estaría interpretando a dos voces en octava.





Se canta con ritmo libre, según el desarrollo del texto literario y no con esquemas medidos, como podrían ser los de una marcha, una danza o una sinfonía (véase la sección en que se trata detalladamente el ritmo).

Es una música modal escrita en escalas particulares de sonidos. Los antiguos griegos creían que estas escalas (y no la música creada a partir de ellas, como es la creencia actual) servían para despertar variados sentimientos, como recogimiento, alegría, tristeza, serenidad, etc.

Su melodía a veces es silábica (cuando a cada sílaba del texto le corresponde un sonido) y a veces melismática cuando a una sílaba corresponden varios sonidos. Hay melismas que contienen más de 50 sonidos para una sola sílaba.

El texto está en latín, la lengua oficial del Imperio romano extendida por Europa (aún no existían las lenguas romances). Estos textos fueron tomados de los salmos y otros libros del Antiguo Testamento; algunos provenían de los evangelios y otros eran de inspiración propia, generalmente anónima. Sin embargo existen algunas piezas litúrgicas en lengua griega: Kyrie eleison (Señor, ten piedad), Agios ó Theós (Santo Dios) (para la liturgia del Viernes Santo), etc.





Escritura: el canto gregoriano está escrito sobre tetragramas, es decir sobre 4 líneas, a diferencia del pentagrama (de cinco líneas) de la música actual. Sus notas se denominan cuadradas (punctum quadratum o punto cuadrado) o virgas si aparecen individualmente, o neumas si aparecen agrupadas; tienen igual valor en cuanto a su duración, a excepción de: las que tienen epicema horizontal, la nota precedente al quilisma y la segunda nota del sálicus cuya duración se prolonga ligeramente más con un sentido expresivo y las notas que llevan punto el cual tiene la duración de una nota simple (esto se explicará en detalle en la sección notación).

Entre las denominaciones no católicas, sólo la iglesia de Inglaterra ha impulsado un uso amplio del canto llano. Su repertorio, que está armonizado, se conoce como canto anglicano. El texto del salmo se canta con una corta melodía armonizada de dos o tres frases, que se repite tantas veces como sea necesario hasta finalizar el texto. Dentro de cada frase, la mayor parte del texto está cantado con una misma armonización antes de una breve fórmula de cadencia de unos pocos acordes, hacia el final.

Su lectura es sencilla y el sistema del solfeo suele estar indicado al principio del libro “usualis”.





Las formas primeras fueron: el organum, el discantus y el motete. Es para voz masculina pues solo hombres tenían derecho a cantar en la iglesia. Su repertorio está dividido en canto silávico (o recreativo) y canto adornado (o melódico).

El canto occidental Gregoriano es de carácter meditativo y comunitario, que contrasta con el canto religioso oriental de los Griegos y Judios, de carácter triunfal e individualizado.