lunes, 31 de marzo de 2008

- PUCCINI -




GIACOMO PUCCINI


Giacomo (Antonio, Domenico, Michele, Secondo, María) Puccini, nació el 22 de Junio de 1858, en Luca (Toscana) y murió en Bruselas el 29 de Noviembre de 1924 de un cáncer de garganta. Miembro de una antigua familia de músicos profesionales, Giacomo representa la quinta generación de los Puccini que sirvieron a la república y a la iglesia como compositores desde puestos oficiales de cierta importancia. Siendo él muy joven, falleció su padre dejando siete huérfanos. Desde este momento dejó de contar con dinero suficiente para seguir con regularidad sus estudios musicales.







Tomó sus primeras lecciones de piano con el maestro Angeloni en su ciudad natal, estudiando posteriormente en el Conservatorio de Milán con Bazzini y Ponchielli. La miseria que Puccini conoció entonces no hará sino agudizar una sensibilidad ya dispuesta a emocionarse con los diferentes aspectos de las tragedias humanas.

Estos años milaneses le hicieron vivir momentos comparables a los que ilustrará en La Boheme. Sus cartas aluden con frecuencia a la frugalidad de sus comidas o a la imposibilidad de asistir, por falta de dinero, a las representaciones del Teatro de la Scala, y siempre a la necesidad de economizar hasta el límite la beca de estudios y las pequeñas aportaciones que le envía su madre. En su segundo año de estancia en Milán compartirá su modesta habitación con su hermano Miguel y con Pietro Mascagni.







Aparte las lecciones con su principal maestro Ponchielli, Puccini tuvo ocasión de codearse en Milán con los ilustres intérpretes con que contaba Italia, resultando del mayor interés los encuentros y conversaciones que se originaron. Su inteligencia juvenil se enriqueció considerablemente al contacto con los espectáculos de los que pudo ser testigo. De hecho su verdadera pasión por la ópera se despertó al asistir en Pisa a la representación de Aida de G. Verdi.

Músico sincero Puccini pone en música pasiones humanas, el dolor, la sonrisa y las lágrimas. Sus obras, que son un logro completo desde esta óptica, incluyen numerosas páginas de verdadera música, que son motivo de satisfacción tanto desde el frío análisis como en el sentimiento de las emociones.







Hombre de teatro ante todo, posee el infalible instinto de la escena. Elige los personajes únicamente en función de la resonancia que le provocan. Los libretos, desde la época de Manon Lescaut, son su principal preocupación. Es exigente con los autores hasta en el más mínimo detalle. Raramente satisfecho, vigila los menores matices, que la elección de los términos sea conforme con sus previsiones y ordenados según su lógica. Que todo responda, en suma, con precisión, al inmenso boceto por él trazado para que su realización musical sea posible.

Sus argumentos, sus tramas, sus personajes centrales, la acción, el encanto de sus melodías y la intensidad de su instinto dramático, a través de la iniciativa creativa de su música, siguen emocionando a los espectadores. La mayoría de sus héroes son jóvenes mujeres, que sufren y mueren por un amor infinito y verdadero. Así son Tosca o Mimí, Cio-Cio-San. La capacidad de Puccini para poner los sentimientos del auditorio de parte de sus heroínas es particularmente notable.







Desde Le Villi, su primera ópera, produjo una serie de obras a intervalos bastante largos, pero también bastante regulares. En todas ellas su música es esencialmente de brillante colorido. En sus armonías es lo suficientemente original como para llamar la atención del aficionado corriente. Nunca cansa con la repetición de viejas fórmulas (melódicas, armónicas u orquestales), ni asusta con la introducción de elementos totalmente nuevos, ofreciendo siempre su gran sentido teatral.

Hay quien engloba a Puccini en el movimiento verista. Puccini, en cualquier caso, es ciertamente mucho más que eso. Muchas de sus óperas no se sitúan en su presente, muchas tienen localizaciones exóticas y sólo unas pocas poseen elementos realistas en cuanto a los sentimientos, pero la realzada condición emocional del verismo es un rasgo muy característico de sus obras. En su descripción de la vida hay elementos reales, de los artistas pobres de París en La Bohème, y de las perversas crueldades de Tosca.






Puccini establece por primera vez un vínculo esencial entre el tema y el comentario musical. Él, que siente una gran atracción por el mundo exótico, sabe captar y recrear cualquier ambiente por medio de escalas de tonos enteros y una sutil y precisa orquestación, utilizando recursos inusuales (como el tambor velado o los gongs afinados).

Crea melodías de gran belleza que, incluso con una tímbrica foránea, dan prueba de su elevada cultura vocal italiana, de cuyas tradición surgieron. No es de extrañar, por tanto, que figuren en su producción perfectamente ambientadas una ópera de ambiente chino como Turandot, otra situada en el Far West americano (La Fanciulla del West), o Madama Butterfly, fuerte contraste entre el mundo japonés y el creciente pragmatismo del mundo occidental.

Puccini, claro representante del fin de siglo, satisface las más altas exigencias musicales. Es tal la calidad lírica de su música que su obra se eleva por encima de productos semejantes de su tiempo. Las escenas que representa muestran su agudo sentido teatral, su dominio del color, del motivo y la armonía.

domingo, 30 de marzo de 2008

- ESCENOGRAFIA -




La Escenografía


Pilar fundamental de cualquier puesta



En la actualidad se entiende por escenografía todos los elementos visuales que conforman una escenificación. Sean estos corpóreos (decorado, accesorios), la iluminación o la caracterización de los personajes (vestuario, maquillaje, peluquería); ya sea la escenificación destinada a representación en vivo (teatro, danza), cinematográfica, audiovisual, expositiva o destinada a otros acontecimientos.

La escenografía o pintura de escena tiene sus raíces en el teatro griego. Los griegos usaron el periacto, artificio especial que empleaban en sus teatros para cambiar decoraciones. Consistía en un aparato prismático de revolución con un paisaje diferente pintado en cada una de sus tres caras. Había un periacto en cada lado del escenario, y al girar quedaba cambiada la decoración.







En el Edipo Rey, de Sófocles (430 adC), por ejemplo, el prisma que se situaba a la derecha representaba el distrito de la ciudad de la cual formaba parte el palacio central, y el periacto de la izquierda mostraba en perspectiva la campiña ática por donde entraban los personajes que venían de Delfos. El periacto es el origen de los bastidores, usados por primera vez en 1620, en el teatro Farnesio de Parma. El bastidor es un armazón de listones sobre el cual se aplica un lienzo o papel y se utiliza pintándolo sobre las dos caras: cada una corresponde al paisaje o arquitectura que debe representar el escenario; el telón de fondo da las características principales.

Entre las importantes variaciones de la escenografía que han tenido influencia en la técnica escénica, puede citarse la decoración circular de las célebres carretas-escenas del medioevo, sobre la cual se presentaban ante los espectadores los más pintorescos lugares propios de los diversos episodios de los misterios o los juegos escénicos de la época. Ese particular hallazgo es precursor de los escenarios giratorios modernos.







Otra de las características de la misma época era la escena simultánea, en donde se sucedían los lugares de acción del espectáculo; dicha escena ha tenido su eco en el teatro contemporáneo, como puede verse en el decorado de varias habitaciones simultáneas, o en los carros yuxtapuestos que pasan por la boca de la escena cambiando los lugares ante los ojos de los espectadores.

En toda la historia de la escenografía podrían estudiarse casos como éstos, los cuales considerados desde el punto de vista estético darían lugar a deducciones curiosísimas. Una de las innovaciones mejor logradas en los escenarios modernos de estos últimos 30 años, consiste en las magníficas sugerencias conseguidas con elementos plásticos sintéticos y con simples fondos de cortinas negras o de colores neutros. Pues bien, si se hurga en el pasado se comprueba su origen en primitivas representaciones, particularmente en Inglaterra, en las que un simple cartel indicaba el lugar o una voz despertaba la imaginación de los espectadores explicando las excelencias de un decorado que no existía.







Lo anterior evidencia que ha habido problemas de formas similares en todos los tiempos, y conceptos prácticos coincidentes. La escenografía pura como contribución de la personalidad del pintor escenógrafo para lograr un todo orgánico en el espectáculo y una atmósfera adecuada a la obra, es una conquista de la época moderna.

El renacimiento nos da por primera vez un teatro (el Olímpico de Venecia, 1585, obra del arquitecto Andrés Palladio) un escenario de madera, síntesis grandiosa de la estética arquitectural de la escenografía de la época, y que consistía en que la decoración estuviera dispuesta según los cánones artísticos de la perspectiva lineal. Columnas corintias, bajorrelieves, estatuas, y cornisamientos adornan la fachada escénica. En medio se abre la puerta mayor, o puerta real, según Vitrubio, porque solo los actores principales aparecían por ella, a manera del teatro griego. A través del vano se ven palacios de relieve aplanado, reducidos en perspectiva, formando una calle que parece ser la de Tebas, porque ésa fue la ciudad en que reinó Edipo, y con la tragedia del mismo nombre se inauguró el teatro. La ilusión óptica de la extensión de la calle es completa.








Paulatinamente fue transformándose la decoración fija en móvil, y la escena tuvo una época majestuosa y brillante tanto en Italia como en Francia. La ópera participó en el desarrollo, pues era un género que reclamaba gran presentación y apoyo económico. Pero para que esas nuevas conquistas cobraran importancia era necesario que el arquitecto, que era a su vez constructor y pintor, fuera dejando paso a los escenógrafos, es decir, a los especializados en el arte de crear climas escénicos.

Los Galli Bibiena (1659-1743) hicieron el hallazgo de conseguir y lanzar la nueva perspectiva pictórica, de forma que la arquitectura no sólo se viera de frente, sino que nos ofreciera aspectos desde diferentes ángulos. De esta manera nació un tipo nuevo de escenógrafo pintor. La iluminación escénica también debía ayudar en las conquistas de la escenografía.

Las candilejas fueron una innovación del siglo XVII.
Francia debía intervenir para consolidar las nuevas conquistas. León Moussinac, experto en esta materia, dice al respecto: El sistema moderno de decorados de tela pintada, es decir, de decoraciones sucesivas en reemplazo de decorados simultáneos fue creado por Mahelot y Laurent, quienes trabajaron para Molière. De ésta época es Giovanni Niccolo Servandoni, gran escenógrafo que montó los mejores espectáculos de ópera. Fue en ese admirable siglo XVII cuando nació la decoración teatral propiamente dicha, en la que puso entonces el artista su originalidad y el aporte de su personalidad.







Todo contribuye a la formación de las nuevas tendencias escenográficas para que los problemas dejen de ser de orden exterior. Las habitaciones se cierran con paredes y plafones, porque el naturalismo exige una realidad ambiente que no se consigue con bastidores y telones de fondo. El gas sustituye la iluminación a vela y aceite. En 1887, el Teatro Libre de Antoine, en París, buscaba la verdad en el decorado haciendo aparecer una fuente de la que brotaba agua durante la representación.

Las estéticas se suceden como las teorías; así vemos como el simbolismo necesita de una nueva fórmula (1890): La decoración debe ser una pura ficción ornamental que complete la ilusión por sus analogías de color y de líneas con el drama. Pintores como Maurice Denis y Odilón Redon se adhirieron a éste principio y un hombre de teatro como Lugné-Poé dio su talento a las iniciativas del momento en el teatro de l’Oeuvre (1892).







Todos los ballets de Diaghilew (1909) descubren escenógrafos de la talla de Backs, Benoit y Roerich. En Alemania se trabajaba con entusiasmo bajo las directivas de Max Reinhardt, y de Stanislawsky, director del Teatro de Arte de Moscú y una de las figuras de la vanguardia. En Inglaterra existía Gordon Craig, un genio del teatro, que luchaba por dar un estilo al escenario para que no se confundiera con la realidad. Adolfo Appia y George Fuchs proyectaban iniciativas profundas.
Todo estaba preparado para recoger las grandes ventajas que aportaba la electricidad. La transformación había llegado. Existía de hecho una luz que podía exaltar el color, proyectar sombras, crear atmósferas no conocidas hasta entonces y dar relieve a lo corpóreo en la escena.

Pablo Picasso hizo decorados para el ballet de Manuel de Falla, El Sombrero de Tres Picos, y Jacques Copeau así como Gaston Baty, Luis Jouvet y Charles Dullin acogieron fervorosamente las más audaces tendencias. Antón Giulio Bragaglia y Enrico Prampolini en Italia crearon escenografías dentro de directivas muy personales.
Los rusos han tenido siempre el sentido del teatro. En Rusia fue donde los Ballets Rusos de Sergei Diaghilev nacieron, revelándonos la escenografía de Shéhérazade, cuya influencia duró más de diez años en la decoración teatral.







Después de la Revolución de Octubre el teatro ruso alcanza un gran desarrollo. El teatro de Estado de Meyerhold es uno de los más audaces laboratorios de mise en scène de la Rusia Soviética. No hay que olvidar tampoco al Teatro Kamerny, al Stanislawsky, al Habima y las realizaciones logradas por Tairov.

Hoy asistimos a la realización de escenografías virtuales, con impensados efectos luminotécnicos, proyección de videos e imágenes, animaciones y toda una amplia gama de efectos visuales, a modo de decorado, que realzan las puestas de espectáculos de todo tipo. Y esto no es más que el comienzo. De cualquier modo es bueno saber un poco de lo que es esta disciplina del teatro por añadidura de la TV, el cine y los conciertos.


Ricardo A. CARRASQUET

sábado, 29 de marzo de 2008

- FLORIDA Y BOEDO -




Los grupos de Florida y Boedo:



Lo estético y lo social en las dos corrientes literarias más importantes
de la ciudad porteña




Existieron en Buenos Aires, entre los años 1920 y 1930, dos grupos literarios que motivaron más leyendas que vanguardias: los de Florida y los de Boedo.

Si bien no marcaron dos actitudes estéticas bien definidas y concretamente asumidas, pasaron a la historia de la literatura nacional como dos vertientes opuestas, nacidas del Martinfierrismo.





Ambos grupos contaban con sus respectivas publicaciones: el grupo de Florida -llamado así por estar ubicada su redacción sobre la calle Florida, céntrica, aristocrática y europeizante- contaba, entre otras publicaciones, con la revista Proa, y el grupo de Boedo -su redacción ubicada en la calle alejada, proletaria y tanguera del mismo nombre- estaba representado por las revistas Los Pensadores y Claridad.

No obstante, no intentaron cimentar sus diferencias solamente colaborando con distintas publicaciones sino también marcando su intencionalidad frente a la producción literaria. Los de Florida, dirigiendo su preocupación hacia una nueva vanguardia estética, sin ingredientes ideológicos. Los de Boedo, inclinando su interés a una literatura que refleje los problemas sociales, inspirados en el mundo del trabajo y la ciudad.
























El arte puro confrontado con el arte comprometido.

El grupo de Florida era conformado, entre otros, por los escritores Conrado Nalé Roxlo, Horacio Rega Molina, Oliverio Girondo, Ricardo Molinari, Jorge Luis Borges, Leopoldo Marechal, Francisco Luis Bernárdez, Raúl Gonzalez Tuñón, Eduardo González Lanuza, Norah Lange y, a la cabeza, Ricardo Güiraldes.

El grupo de Boedo lo integraban, entre otros, los escritores Álvaro Yunque, Nicolás Olivari, Leónidas Barletta, Elías Castelnuovo, César Tiempo y Roberto Mariani. Durante mucho tiempo se trató de vincular a este grupo, como su figura más importante, a Roberto Arlt. Lo cierto es que él nunca se identificó plenamente con ninguno de los dos lados. Si bien poseía una mayor afinidad estética e ideológica en su obra con los de Boedo, es verdad que Castelnuovo le rechazó la publicación de su primera novela "El Juguete Rabioso", pudiéndola publicar gracias a la atención y generosidad de Ricardo Güiraldes, puntal de los de Florida.

























Un caso similar se dio con Raúl Gonzalez Tuñón, quien formaba parte del grupo de Florida, sin embargo la temática social de su poesía, así como su ideología revolucionaria, lo relaciona estrechamente con los bodeistas. Por otro lado, Nicolás Olivari, habiendo sido uno de los fundadores del grupo de Boedo, es uno de los primeros en abandonarlo para pasarse al de Florida. Así, con el correr del tiempo, ambos grupos se fusionan. Algunos integrantes de Florida manifiestan preocupaciones por los problemas sociales y algunos de Boedo, como Olivari, se interesan por las nuevas técnicas literarias.

Jorge Luis Borges afirmó, en 1927, que "demasiado se conversó de Boedo y Florida, escuelas inexistentes", pero al año siguiente publica un artículo en el diario "La Prensa" titulado "La inútil discusión de Boedo y Florida". Más allá de sus conclusiones, parece aceptar, en su nota, la existencia de los dos grupos y su polémica.







Los antagonismos sirvieron para subrayar el porteñismo de nuestra cultura urbana.
En 1930, Elías Castelnuovo declaró: "tanto Boedo como Florida sirvieron de pretexto para iniciar una discusión que por entonces era necesaria. Muerta la discusión, ambos grupos pasaron a la historia".

Leónidas Barletta afirmó que los dos grupos desaparecen definitivamente cuando encuentran un enemigo en común en la dictadura militar del 6 de septiembre de 1930, dictadura que silencia la democracia y la cultura nacional.





Críticos e historiadores de la literatura no se mostraron poco sorprendidos ante la dependencia mutua y la constante necesidad de "tenerse en cuenta" de ambos grupos.
Lo cierto es que, más allá del terreno literario, los grupos de Florida y Boedo se anticiparon a una antinomia social y cultural que zanjará nuestra historia del siglo XX.

viernes, 28 de marzo de 2008

- AGUA -





SEMANA DEL AGUA





Desde 1993 y con el fin de concientizar a la población mundial sobre la escasez de este líquido que no tiene sustitutos, la ONU celebra el Día Internacional del Agua. Preocupa fundamentalmente el aumento de su demanda y la contaminación de las fuentes.

"Durante el último siglo la población mundial se ha triplicado mientras que el consumo de agua se sextuplicó. Mayor población supone mayor demanda de energía y de hidroelectricidad”, revela el informe de la Confederación Nacional de Docentes Universitarios (Conadu).

Las organizaciones ecologistas y los organismos internacionales debaten continuamente acerca de las mejores formas de utilizar y controlar el agua potable y aseguran que las reservas naturales son sumamente importantes. “Quien controle el agua, controlará la economía mundial en un futuro no muy lejano", predicen.







El Pacto Internacional de Derechos Económicos, Sociales y Culturales (CESCR) firmado en el 2002 reconoció que “el agua es un derecho humano fundamental”, y los 145 países que firmaron el tratado están obligados a garantizar progresivamente el acceso universal al agua potable, de forma equitativa y sin discriminación.

Sin embargo, un informe de las Naciones Unidas, reconoce que en la actualidad hay 1.100 millones de personas que no tienen acceso a agua potable segura; 2,6 mil millones carecen de sistemas sanitarios básicos, y cerca de dos millones de personas son víctimas cada año de enfermedades diarreicas, de las cuales el 90 por ciento son niños menores de cinco años.

Las declaraciones de Ismael Serageldin, ex vicepresidente del Banco Mundial, fueron bastante alarmantes: "Las guerras del siglo XXI serán por el agua", dijo, y advirtió que “con las privatizaciones, las grandes corporaciones han pasado a controlar el agua en gran parte del mundo.

Se calcula que en 15 años, unas pocas empresas privadas tendrán el control monopólico de casi el 75 por ciento de ese recurso vital para todos".







Con este motivo, ayer en el Centro Cultural Recoleta, la Agencia de Protección Ambiental de la CABA, organizó el primero de varios cursos sobre “El Agua y el Arte”.

jueves, 27 de marzo de 2008

- TEATRO -




Hoy se celebra el Día Internacional del Teatro



Tras el cruento conflicto desatado por gobernantes, políticos, economistas y militares, los hombres de teatro manifestaban su esperanza –y su confianza- de que el arte escénico estableciera lazos permanentes de solidaridad y comprensión entre los países. Así, en 1948, nace el Instituto Internacional, y en 1961, en el noveno congreso del ITI, en Viena, un delegado de Finlandia propone la creación del Día Mundial del Teatro.

Se fija el 27 de marzo porque era el día en que se inauguraba en París el festival "Teatro de las Naciones, ITI, UNESCO" que reúne a representantes de todos los países del mundo.

Desde 1962, una personalidad del mundo del teatro o una figura conocida por sus cualidades de corazón y espíritu sea invitada a escribir el Mensaje Internacional, traducido a 20 idiomas, leído delante de decenas de millares de espectadores del mundo entero y difundido por los medios de comunicación de los cinco continentes. Este año el mensaje fue escrito por el director y actor canadiense Robert Lepage.





Mensaje del Día Mundial del Teatro - "Un destello de esperanza"

Se han realizado obras sin palabras, sin luz, y hasta sin actores, con maniquíes solamente o marionetas instaladas con juegos de luces.

La tecnología ha tratado de transformar el teatro en fuegos artificiales o en un espectáculo de feria. Hoy asistimos al regreso del actor frente al espectador. Hoy somos testigos del regreso de la palabra sobre el escenario.

El teatro ha renunciado a la comunicación de masas y ha reconocido sus propios límites, impuestos por la presencia de dos seres frente a frente que se comunican sentimientos, emociones, sueños y esperanzas. El arte escénico deja de contar historias para intercambiar ideas.

El teatro emociona, ilumina, molesta, perturba, exalta, revela, provoca, transgrede. Es una conversación compartida con la sociedad. El teatro es la primera de las artes en confrontarse con la nada, con las sombras y el silencio para que surjan la palabra, el movimiento, las luces y la vida.

El teatro es materia viva que se consume al mismo tiempo que se crea, pero que siempre renace de las cenizas. Es una forma de comunicación mágica en la que cada persona da y recibe algo que la transforma. A través del teatro no se expresan sólo los creadores sino la sociedad contemporánea.

El teatro tiene enemigos visibles: la falta de educación artística en la niñez, que nos impide descubrirlo y disfrutarlo, la pobreza que invade el mundo, que aleja a los espectadores de los lugares de espectáculo; la indiferencia y el desprecio de los gobernantes que tendrían que promoverlo.

En el teatro los dioses y los hombres se han comunicado, pero ahora el hombre le habla a otros hombres. Por eso el teatro debe ser más grande y mejor que la vida misma. El teatro es un acto de fe en el valor de una verdad prudente en un mundo enloquecido.

Es un acto de fe en la humanidad, responsable de su propio destino. Es necesario vivir el teatro para comprender lo que nos sucede, para transmitir el dolor que flota en el aire, pero también para vislumbrar un destello de esperanza en medio del caos y la pesadilla cotidianos.

miércoles, 26 de marzo de 2008

- LOCURA -







FRASES Y CITAS


CALEBRES SOBRE


LA LOCURA











No ha habido hombre de genio
extraordinario sin
mezcla de locura.
Séneca

No hay genio sin un
grano de locura.
Aristóteles

Para obtener éxito en el
mundo hay que parecer
loco y ser sabio.
Charles de Montesquieu

Sólo un loco celebra
que cumple años.
George Bernard Shaw

Las únicas personas que
me agradan son las que
están locas:
locas por vivir,
locas por hablar,
locas por ser salvadas.
Jack Kerouac

La ciencia no nos ha
enseñado aún si la locura
es o no lo más sublime
de la inteligencia.
Edgar Allan Poe

La única diferencia
entre un loco y yo,
es que yo no estoy loco.
Dalí

El sabio es quien quiere
asomar su cabeza al cielo;
y el loco es quien quiere
meter el cielo en su cabeza.
Chesterton

Prefiero una locura que
me entusiasme a una verdad
que me abata.
Christoph M. Wieland

Siempre hay un poco de
locura en el amor, pero
siempre hay un poco de
razón en la locura.
Friedrich Nietzsche

No hay loco de quien
algo no pueda aprender
el cuerdo.
Calderón de la Barca

Hay un placer en la locura
que sólo los locos conocen.
John Dryden

Si el loco persistiese en
su locura se volvería sabio.
William Blake

Cuando todo el mundo está loco,
ser cuerdo es una locura.
Paul Samuelson

El loco se cree cuerdo,
mientras que el cuerdo
reconoce que no es sino un loco.
Shakespeare

Loco es el hombre que
ha perdido todo menos la razón.
Gilbert K. Chesterton

Sé loco cuando la
ocasión te lo reclame.
Catón

Si la gente nos oyera
los pensamientos, pocos
escaparíamos de estar
encerrados por locos.
Jacinto Benavente

La sensatez no conviene
en todas las ocasiones;
a veces hay que ser un
poco loco con los locos.
Menandro

En verdad, si no fuera
por la música, habría
más razones para volverse loco.
Piotr Ilich Tchaikovski

Todos nacemos locos.
Algunos siguen siéndolo
toda la vida.
Samuel Beckett

Una vez al año es
lícito hacer locuras.
San Agustín

- MERCOSUR -








Día del MERCOSUR


El 26 de marzo de cada año se denomina el Día del MERCOSUR, en ocasión de recordar la firma del Tratado de Asunción del año 1991, que dio nacimiento al proceso de integración de los países del Cono Sur.

El Mercado Común del Sur o Mercosur (en portugués Mercado Comum do Sul, Mercosul) es un bloque comercial cuyos propósitos son promover el libre intercambio y movimiento de bienes, personas y capital entre los países que lo integran, y avanzar a una mayor integración política y cultural entre sus países miembros y asociados.

Sus estados miembros son Argentina, Brasil, Paraguay, y Uruguay. Venezuela firmó su adhesión el 17 de junio de 2006. Su "status" dentro del bloque no es claro: no ejerce los derechos propios de un estado miembro pleno pero está claro que es más que un mero estado asociado. Bolivia, Chile, Colombia, Ecuador y Perú tienen estatus de estado asociado.





Los países miembros consideran que su fecha de creación fue el 30 de noviembre de 1985, fecha de la Declaración de Foz de Iguazú que puso en marcha el proceso. Sin embargo, el nombre le fue asignado el 26 de marzo de 1991 por el Tratado de Asunción, en tanto que su existencia como persona jurídica de Derecho Internacional fue decidida en el Protocolo de Ouro Preto, firmado el 16 de diciembre de 1994, pero que recién entró en vigencia el 15 de diciembre de 1995. El Protocolo de Ouro Preto estableció un arancel externo común y desde 1999 existe una zona libre de aranceles entre sus integrantes con la sola excepción del azúcar y el sector automotriz. La Unión Aduanera se encuentra aún en proceso de construcción.

El Mercosur es el mayor productor de alimentos del mundo.

martes, 25 de marzo de 2008

- VARGAS LLOSA -








Mario Vargas Llosa




Jorge Mario Pedro Vargas Llosa, nació en Perú, Arequipa, 28 de marzo de 1936.
Más conocido como Mario Vargas Llosa, es uno de los más renombrados autores que escriben en español, reconocido a nivel mundial como novelista, periodista, ensayista y político peruano. Vargas Llosa fue candidato a la presidencia de Perú en 1990, en las elecciones que finalmente ganó Alberto Fujimori.

Nació en Arequipa, Perú el 28 de marzo de 1936. Hijo de Ernesto Vargas Maldonado y de Dora Llosa Ureta, quienes se separaron antes de que él naciera. Proveniente de una familia de clase media, a temprana edad viajó a la ciudad boliviana de Cochabamba donde vivió toda su infancia y cursó sus primeros estudios en el Colegio La Salle de esa ciudad. Durante el gobierno de José Luis Bustamante y Rivero su abuelo obtuvo un cargo político en la ciudad de Piura, por lo que regresó al Perú con toda su familia y se instaló en esa urbe. En 1946 conoció a su padre, quien residía en la ciudad de Lima. Ese año se trasladó a la ciudad capital junto con su madre y su padre.

En Piura cursó sus estudios primarios en el Colegio Salesiano de esa ciudad. Una vez en Lima, estudió en el Colegio "La Salle" de Lima y, durante dos años, en el Colegio Militar Leoncio Prado ubicado en el distrito chalaco de La Perla, donde tuvo como profesor de francés al poeta surrealista César Moro.





En el verano anterior a su último año en el colegio, Vargas Llosa se inició en el oficio de periodista. Se retiró del colegio militar y ese último año lo cursó en la ciudad de Piura, donde trabajó en la publicación del periódico local La Industria y donde, por otro lado, se llevó a cabo la representación teatral de su primera obra dramática La huida del Inca.

Durante el gobierno de Manuel A. Odría ingresó en la Universidad Nacional Mayor de San Marcos, donde llevó algunos cursos de Derecho y terminó la carrera de Letras. Su vocación de escritor se iba consolidando a la par que su carrera como periodista iba cediendo paso a sus nuevas obligaciones.

Contrajo matrimonio con Julia Urquidi, quien era una tía política por parte materna. El matrimonio duró aproximadamente 10 años. La pareja no tuvo hijos.

En 1958 obtuvo la beca de estudios "Javier Prado" que le permitió viajar a Madrid al año siguiente. Cursó estudios de doctorado en la Universidad Complutense de Madrid, y obtuvo el grado de "Doctor en Filosofía y Letras". En 1959 publicó un conjunto de cuentos bajo el título de Los jefes, que obtuvo el "Premio Leopoldo Alas". Luego de doctorarse se instaló en París.





Suscitó la atención como escritor por primera vez con su novela La ciudad y los perros (1962) (traducida en 1963 al inglés bajo el título de The Time of the Hero) basada en sus propias vivencias adolescentes como cadete en el Colegio Militar Leoncio Prado.

Su obra a menudo critica la jerarquía de castas sociales y raciales vigente aún hoy en el Perú y en América Latina. Muchos de sus escritos son de naturaleza autobiográfica, como La Casa Verde (1966), La tía Julia y el escribidor (1977) o Travesuras de la niña mala (2006).

Su ambiciosa novela histórica La guerra del fin del mundo (1981) tiene lugar en las profundidades del sertao brasileño del siglo XIX, y se basa en hechos auténticos de la historia del Brasil, la revuelta antirrepublicana de masas milenaristas sebastianistas guiadas por el taumaturgo iluminado Antonio Conselheiro en el pueblo de Canudos.

En 1965, contrajo matrimonio con su prima Patricia Llosa con la que tuvo tres hijos: Gonzalo, Álvaro y Morgana. Regresó a Europa, y residió en París, Londres y Barcelona. En 1974 regresó al Perú e hizo incursiones en el periodismo televisivo como conductor del programa político "La Torre de Babel".

Tras un período de intensa actividad política, Vargas Llosa volvió a ocuparse en la literatura con su libro autobiográfico El pez en el agua (1993), Los cuadernos de don Rigoberto (1997), y El paraíso en la otra esquina (2003). Otro trabajo destacable es un ensayo que resume el curso dictado en Oxford sobre la novela Los Miserables de Victor Hugo, La tentación de lo imposible.





La novela La Fiesta del Chivo (2000) fue llevada al cine de la mano por su primo Luis Llosa en la película de igual título.

En mayo de 2006 presentó su novela Travesuras de la niña mala (Alfaguara, 2006).

lunes, 24 de marzo de 2008

- PAZ -





Frases y citas


célebres


sobre La Paz






El corazón en paz ve una
fiesta en todas las aldeas.
Provebio indio

Es preferible una paz
injusta a una guerra justa.
Samuel Butler

Estar en paz consigo mismo
es el medio más seguro
de comenzar a estarlo
con los demás.
Fray Luis de León

En mar tranquila,
todos son buenos pilotos.
Publio Siro

No hay camino para la paz,
la paz es el camino.
Gandhi

Allí donde el agua alcanza
su mayor profundidad,
se mantiene más en calma.
Shakespeare

El respeto al derecho
ajeno es la paz
Benito Juárez

Jamás hubo una guerra
buena o una paz mala.
Benjamín Franklin

Si quieres hacer la paz,
no hables con tus amigos;
habla con tus enemigos.
Moshé Dayán

Si dormir es morir,
quiero dormir en paz en
la noche de la muerte.
Bécquer

Un hombre no trata de verse
en el agua que corre,
sino en el agua tranquila,
porque solamente lo que en
sí es tranquilo puede dar
tranquilidad a los otros.
Confucio

La justicia te proporcionará
paz, y también trabajos.
Ramón Llull

La concordia aumenta las
fortunas pequeñas.
La discordia arruina
las más grandes.
Agripa

El mantenimiento de la paz
comienza con la
autosatisfacción
de cada individuo.
Dalai Lama

domingo, 23 de marzo de 2008

- DIA DE LA POESIA -




21 DE MARZO

Día Mundial de la Poesía



Cada 21 de marzo se celebra el Día Mundial de la Poesía. Esta conmemoración fue impulsada por la UNESCO en el año 2000 con el objetivo de reconocer las actividades poéticas que se realizan en los diferentes países y promover la poesía como una forma de cultura esencial.

Desde esta organización se considera que el mundo contemporáneo tiene necesidades, en el terreno de la estética, que la poesía puede cubrir siempre y cuando se reconozca su papel social. Por este motivo, era necesario crear un día específico que sirviera para mostrar la importancia de la poesía a la opinión pública.

El Día de la Poesía es el marco en el que se efectúan las acciones para sostener este género literario, se valoran los esfuerzos de los pequeños editores que intentan entrar en el mercado y se fomenta la lectura y el conocimiento de la poesía.

A lo largo de la celebración se han realizado recitales de poesía, conferencias con la intención de establecer el diálogo entre este arte y los demás (la danza, la música, la pintura, etc.) y actividades destinadas a promover la imagen de modernidad de la poesía en los medios de comunicación.






NO NAY CIUDAD SIN POESÍA


Hace cinco años, la Unesco declaró al 21 de marzo como Día Internacional de la Poesía. La campaña “No hay Ciudad sin poesía” celebra la palabra. La poesía acerca a los ciudadanos mensajes de belleza y su contenido contribuye al enriquecimiento de las experiencias personales.

A través de las actividades que se enumeran a continuación, se acercará a los ciudadanos de Buenos Aires distintas propuestas de contacto con la poesía universal. “Ciudad de poesías”es una página creada para acompañar la iniciativa de la Unesco durante todo el año. Podrán enviarse poemas, consultar catálogos on line, buscar información de autores y obras.

jueves, 20 de marzo de 2008

- VERDI -



GIUSEPPE FORTUNINO

FRANCESCO VERDI


El clásico italiano



Giuseppe Fortunino Francesco Verdi (Roncole, 10 de octubre de 1813 - † Milán, 27 de enero de 1901), compositor romántico italiano de ópera del siglo XIX muy conocido. Es autor de algunos de los títulos más populares del repertorio actual, como los que componen su trilogía popular o romántica: Rigoletto, La Traviata e Il Trovatore.





Nace en Roncole, en el ducado de Parma (entonces parte de Francia), donde recibe sus primeras lecciones de música. Continúa estudios en Busseto, bajo la tutela de Ferdinando Provesi.

Se convierte pronto en el organista de la iglesia de su pueblo. Intenta entrar en el conservatorio de la ciudad de Milán pero no lo consigue.





Se puede decir que sus primeros éxitos están relacionados con la situación política que se vivía en Italia. Aparte de su calidad artística, sus óperas servían además para exaltar el carácter nacionalista del pueblo italiano. Quizás el Va pensiero (coro de los esclavos de la ópera Nabucco) es uno de los coros más conocidos de Italia por esta razón. De esta forma, Verdi triunfa en Milán.

Gracias a los éxitos conseguidos, Verdi puede apostar por un estilo más personal en sus óperas y presionar a libretistas y empresarios para que arriesguen y experimenten un poco más. Es notable, en este sentido, la forma en que se engendró la ópera Macbeth, con unos arduos, e incluso despóticos, ensayos para lograr que el texto fuera más hablado que cantado. Verdi consigue su cometido y el éxito de estas óperas es también notorio.

Sigue un período de dificultades personales, con la muerte de su primera esposa y su hija, que contrasta con la creación de sus óperas más populares y queridas, las ya mencionadas Rigoletto, La Traviata e Il Trovatore.





Muchos consideran que la madurez del compositor se percibe en las obras que siguen a este periodo; por ejemplo, Don Carlos, que fue compuesta para la Gran Ópera de París; Aida, compuesta para la Ópera del Cairo; Otello y Falstaff, con libreto de Arrigo Boito basado en Shakespeare. Algunas de estas obras no son bien recibidas por el público o los críticos, que las calificaron de demasiado wagnerianas, crítica que el autor siempre rechaza.





Verdi compone algunas obras no operísticas. A pesar de no ser particularmente religioso, compuso obras litúrgicas, como la misa de Réquiem (1874) y el Te Deum. También compuso el Himno de las naciones, que incluye las melodías de los himnos italiano, francés e inglés, sobre texto del poeta Arrigo Boito (1862) y un cuarteto para cuerdas en mi menor (1873).





Fallece en Milán, el 27 de enero de 1901, afectado por un derrame cerebral.

miércoles, 19 de marzo de 2008

- ARTESANO -



19 de marzo

"Día Internacional del Artesano"



El santoral de la fecha es "San José Carpintero", que conmemora el oficio de quien fue el padre terrenal de Nuestro Señor Jesucristo. Si bien existieron artesanos antes de su aparición, se lo considera como símbolo de la artesanía por haber tomado masivo conocimiento de su oficio a través de la Biblia.



Artesano

Tejedor de ilusiones
Hilador de sueños
Pintor de arco iris
Orfebre del universo
Escultor de tesoros
Ebanista de recuerdos
Compositor de almas
Carpintero de mundos
Artesano de la vida
Genio creador






Nuestro reconocimiento a los auténticos artesanos,
que con sus manos crean...

martes, 18 de marzo de 2008

- ARLT -




ROBERTO ARLT

UN ESCRITOR MUY PORTEÑO



Hijo de un inmigrante prusiano y una italiana, Roberto Godofredo Christophersen Arlt nació en Buenos Aires, en el barrio de Flores, el 2 de abril de 1900.

Publicó El juguete rabioso, su primer novela, en 1926. Por entonces comenzaba también a escribir para los diarios Crítica y El mundo. Sus columnas diarias Aguafuertes porteñas, aparecieron de 1928 a 1935 y fueron después recopiladas en el libro del mismo nombre. Se divertía contando de sus amistades con rufianes, falsificadores y pistoleros, de las que saldrían muchos de sus personajes. Las Aguafuertes se convirtieron con el tiempo en uno de los clásicos de la literatura argentina.






Al mismo tiempo de su actividad como escritor, Arlt buscó constantemente hacerse rico como inventor, con singular fracaso. Formó una sociedad, ARNA (por Arlt y Naccaratti) y con el poco dinero que el actor Pascual Naccaratti pudo aportar instaló un pequeño laboratorio químico en Lanús. Llegó incluso a patentar unas medias reforzadas con caucho, que no fueron comercializadas, y al decir de un amigo, "parecen botas de bombero".

En 1935, viajó a España y África enviado por El Mundo, de donde salen sus Aguafuertes Españolas. Pero salvo este viaje y alguna escapada a Chile y Brasil, permaneció en la ciudad de Buenos Aires, tanto en la vida real como en sus novelas, Los siete locos y su continuación, Los lanzallamas.

Fue uno de escritores más apreciados por Borges.
Murió de un ataque cardíaco en Buenos Aires, el 26 de julio de 1942, con poco más de cuarenta años.





Entre sus obras figura:

El juguete rabioso (1926)
Los siete locos (1929)
Un hombre extraño
Las opiniones del Rufián Melancólico
Discurso del Astrólogo
Los lanzallamas (1931)
El amor brujo (1932)
Aguafuertes porteñas (1933)
El fiacún
El jorobadito (1933)
El jorobadito
Aguafuertes españolas (1936)
El criador de gorilas (1941)
Nuevas aguafuertes españolas (1960)
Teatro completo (1968)
Cuentos Completos (1997)