jueves, 31 de marzo de 2011

- COMPORTAMIENTO -





Día del comportamiento humano

31 DE MARZO

Vivir en sociedad





El hombre es un ser social, siempre lo fue. Como tal, debe seguir ciertas reglas que lo ayuden a vivir en armonía, buscando su progreso y bienestar personal pero siempre respetando a su prójimo en beneficio del bien social.

En 1992, la Resolución Ministerial N° 1729 estableció que el 31 de marzo de cada año sería conmemorado como "Día Nacional del Comportamiento Humano". La elección de esta fecha no es fruto de la casualidad, sino una forma de perpetuo homenaje a Don Francisco Rizzuto, destacado luchador en favor de la solidaridad social. En 1965, precisamente el 31 de marzo, Rizzuto dejó de existir, pero no así la Liga Pro Comportamiento Humano, fundada por él mismo para promover los valores de igualdad, respeto y hermandad en la sociedad.

Así como esta institución sin fines de lucro sostiene una prédica constante de los principios morales del hombre (dignidad, cortesía, urbanidad, respeto, buenas costumbres), es propicia la celebración del "Día del Comportamiento Humano" para difundir y enfatizar en la sociedad -sobre todo en los pequeños en formación- la importancia de los valores éticos y espirituales del ser humano, contribuyendo así a fomentar la armonía en todas las formas de convivencia social.

No son para nada menores los objetivos que se proponen para esta fecha. Si cada habitante del mundo, sin excepción, promoviera y practicara el buen comportamiento, los hombres viviríamos en un mundo de paz y verdadera solidaridad. Pero esto dista mucho de ser real, pues muchos intereses, egoísmos y miserias humanas conspiran contra ello. Y es frente a esas miserias que debemos plantear nuestro desafío, porque aunque resulta claro que todos entendemos que los seres humanos tenemos derechos y obligaciones, también está claro que no siempre los respetamos.

- VIOLIN -






Stradivarius




Los instrumentos de Stradivarius son muy valorados por los intérpretes más importantes del mundo y por los coleccionistas de antigüedades. Las características sonoras e individuales de estas obras de arte son consideradas únicas, y a menudo los instrumentos se identifican por el nombre de alguien, generalmente un músico famoso que fue su propietario o que simplemente lo utilizó en algún momento para sus interpretaciones.

Teorías sobre la calidad de su sonidoHa habido muchos intentos de imitar la calidad del sonido de estos instrumentos; existen muchas teorías acerca de cómo fueron construidos. Muchos creían que el barniz usado por Stradivari se hacía con una fórmula secreta que se perdió al morir su creador, pero exámenes de rayos X y análisis de espectro en la superficie de los violines revelaron que todos fueron sometidos a cambios en su estructura (especialmente el mango, el cordal y las cuerdas), y a menudo lo único que queda del trabajo original es el cuerpo mismo, que fue rebarnizado periódicamente.

Otra teoría dice que el punto clave fue el tiempo que tomó secar las maderas de arce y abeto con que están construidos; esto también fue desmentido estudiando la fibra de la madera. Las líneas fueron comparadas con modelos de árboles que vivieron en esa época y se pudo determinar el tiempo de secado simplemente tomando la diferencia entre la fecha de construcción (que era dejada por Stradivari en una etiqueta en el interior del instrumento) y el cálculo de cuándo había sido cortado el árbol. Esto reveló que la madera se había secado durante no más de 20 años, y no 60 ó 70, como se creía.

Otra teoría señala que el período de frío extremo que sufrió Europa en los años en que Stradivari vivió, una pequeña edad de hielo, pudo ocasionar que los árboles que crecieron durante esa época desarrollaran una fibra más compacta y con una mejor calidad mecánica sonora. No obstante, existen instrumentos construidos en la misma época, con madera de los mismos árboles, que no lograron la magnificencia de un Stradivarius.

Cabe mencionar también la conocida teoría del árbol de Stradivari, la cual señala que el mismo Stradivari encontró un árbol dentro de un río; del enorme tronco de este árbol creó algunos de sus más renombrados instrumentos. Esta teoría se encuentra justificada a través del concepto de vibración que adquieren los materiales con el tiempo. Se dice que la propia madera adquirió la vibración del río, lo que le da un sonido único e irrepetible. Claro está que esta teoría puede estar basada en un intento por incorporar a la historia de la fabricación de los instrumentos un aspecto mas poético. Stradivarius construyó su primer violín a los 20 en San Petersburgo según algunos científicos.

Hay otra teoría, la más romántica, que nos cuenta que los stradivarius se hacían con madera de barcos hundidos.

Finalmente, la teoría que parece más acertada hasta el momento es una que fue resultado de los mismos análisis de espectro en la superficie y en parte de la viruta residual obtenida del interior de un Stradivarius con sistema endoscópico. Estas pruebas revelaron la presencia de partículas metálicas muy pegadas a la madera, lo que podría sugerir que el gran maestro hizo un fino tratamiento a las maderas que usaba con disoluciones de sales metálicas, lo cual habría conferido a sus instrumentos la fuerza y riqueza de sonido que tanto se aprecian.

En enero del 2009 se publicaron, en la revista Public Library of Science,[1] [2] los resultados de una investigación realizada durante tres décadas con muestras muy pequeñas (capas muy delgadas) tomadas de un Stradivarius en reparación: uno de los autores del estudio, el doctor Joseph Nagyvary, especialista en bioquímica y profesor de química en la Universidad de Texas A&M, aseguró haber hallado pruebas de que en Italia, en el "período dorado" de la construcción de este tipo de instrumentos, entre 1700 y 1720, una plaga de insectos afectó los árboles de la zona y fue la clave del éxito de Stradivari.

El fabricante de violines "utilizó bórax (un componente mineral actualmente usado para la fabricación de detergentes y cosméticos, y también como retardante de incendios, como insecticida y como agente antihongos) para preservar los instrumentos contra los insectos", sin saber que ello tendría también efectos sobre la sonoridad. Usado como insecticida y preservador de la madera desde la época de la antigua civilización egipcia, donde se usó también para momificar restos humanos, el bórax se utilizó como protección en la primera capa de la madera de los instrumentos

- SAAVEDRA -






CORNELIO SAAVEDRA





Nació el 15 de septiembre de 1759 en la Villa Imperial de Potosí (hoy, los Andes bolivianos). Desde 1807 fue Coronel en jefe del cuerpo de Patricios.

En 1809 defendió a Liniers de los conjurados de Álzaga. En la reunión de comandantes del 20 de Mayo negó su apoyo a Cisneros.

Dos días más tarde, en el Cabildo abierto, al votar por la destitución del Virrey, obtuvo la adhesión de 86 cabildantes, entre quienes figuraban Castelli, Belgrano, French y otros.

Como presidente de la Junta del 25 de Mayo, tuvo que enfrentar las alternativas de un clima de gran fervor revolucionario, al que no estaba acostumbrado.

Murió el 29 de Marzo de 1829.

lunes, 28 de marzo de 2011

- JUNGER -





Ernst Jünger



Premios Pour le Mérite, Premio Goethe





Ernst Jünger (Heidelberg, 29 de marzo de 1895 – Riedlingen, 17 de febrero de 1998) fue un escritor, filósofo, novelista e historiador alemán. Era hijo del doctor Ernst George Jünger, profesor de química, y Lily Karoline.

Se une a los Wandervögel en 1911, un movimiento juvenil que sostenía principios radicales posteriormente adoptados por el movimiento hippie, extremaba el espíritu de la naturaleza y la búsqueda de los bosques así como el respeto absoluto por la vida animal. Además, a diferencia de estos últimos teñía su ideario de una glorificación de la nación alemana.

En 1913, a los 18 años, se alistó en la Legión Extranjera francesa, viajando a África a comienzos de siglo. Esa experiencia le marcó para siempre, despertando en él una gran pasión por la guerra. Así, cuando estalló la I Guerra mundial, Jünger fue uno de los primeros en alistarse, obteniendo en 1918, pocas semanas antes del fin de la guerra, la condecoración Pour le Mérite, también conocida como «Blauer Max» al mérito militar.

Fruto de esta experiencia, fue la publicación —con tan sólo 25 años— de sus recuerdos de la guerra en el libro Tempestades de acero, una alabanza a la guerra en cuanto experiencia interior, que catapultó al joven escritor a la fama.

Fue el último ganador de la medalla Pour le Mérite, la última persona condecorada en morir, y la persona más joven en recibir la preciada condecoración, con sólo 23 años.

Entre la guerra y la subida de Hitler al poder en Alemania, Jünger formó parte de la órbita de una compleja corriente político-cultural llamada Konservative Revolution, de la que formaron parte, además de diversos grupos, autores como Ernst Von Salomon, Werner Sombart, Carl Schmitt o Oswald Spengler.

Algunas de las características más importantes que definieron a la Konservative Revolution fue su nacionalismo radical, su rechazo al liberalismo decimonónico, o a la Revolución francesa. Dentro de esta corriente, Jünger publicó libros como La guerra como experiencia interior, La movilización general o El trabajador.

A pesar del marcado tono de la obra de Jünger durante esta época, el matiz «elitista» de su obra, además de la ausencia de antisemitismo, llevó a Jünger a rechazar ya en 1933 al nacionalsocialismo, al no aceptar el ingreso en la Academia de Poesía Alemana, purgada hacía poco tiempo por la Gestapo, y se marchó a una aldea, Goslar, en las montañas Harz; después se radicó en Ueberlingen.

En 1934 prohíbe al periódico del partido nazi que siga utilizando y manipulando sus escritos, rechazando también ocupar un asiento en el Reichtsag, al tiempo que publica Blaetter und Steine (Hojas y piedras), su primera crítica al racismo fascista.

Realiza viajes a Noruega, en 1935, en 1936 a Brasil, Canarias y Marruecos, en 1937 a París, donde se encontró con André Gide y Julien Green y en 1939 se mudó a Kirchhorst, en la Baja Sajonia.

Jünger pasó una parte de la II Guerra Mundial como militar en el París ocupado, donde a partir de 1941 frecuentó los salones literarios y de fumadores de opio, así como la bohemia parisina, se dejó invitar por los oficiales que comenzaban a rebelarse contra Hitler y salvó la vida a cuantos judíos represaliados pudo. «El uniforme, las condecoraciones y el brillo de las armas, que tanto he amado, me producen repugnancia», anotó Jünger en su diario, al enterarse de la exterminación progresiva de los judíos.

En 1942 fue enviado al frente ruso, y en 1944, tras el fallido atentado contra Hitler (a quien en sus escritos llamaba Kniebolo), en el que participó, dimitió de su puesto en el ejército. Durante la postguerra sus libros fueron prohibidos hasta 1949 (a pesar de lo cual conseguiría publicar Der Friede (La paz) en 1946 en Ámsterdam, en 1947 Atlantische Fahrt (Viaje atlántico) y un año más tarde Aus der goldenen Muschel (La concha de oro).

La prohibición de sus publicaciones en 1949 surge a raíz de negarse Jünger a cumplimentar un formulario sobre la desnazificación en la zona de ocupación británica. Esta prohibición le llevó a mudarse a Ravensburg, en la zona de ocupación francesa.

Desde que en los años 50 entablara amistad con Albert Hofmann, el creador del LSD, varios de los libros de Jünger versaron de forma directa o indirecta sobre la experiencia psicodélica.

En 1952, después de su primera experiencia con la LSD, escribe Besuch auf Godenholm (Visita a Godenholm), cuya publicación coincidió con la aparición de Las puertas de la percepción, de Aldous Huxley.

En 1959 se le otorga la Cruz del Mérito Federal, junto al pintor Otto Dix.

Su otro gran libro sobre el tema de las drogas es Annäherungen. Drogen und Rausch (Acercamientos. Drogas y ebriedad), de 1970. Esta obra, en la que el autor acuñó el término psiconautas ('navegantes de la psique'), expone las numerosas experiencias de Jünger con varios tipos de sustancias psicoactivas, tanto enteogénicas como estimulantes u opiáceos.

Hacia 1977 escribe otra de sus obras más conocidas, Eumeswil, donde sobresale la figura del «anarca», personaje preconfigurado por Albert Camus en su libro L'homme révolté (El hombre rebelde, 1951).

Recibió el Premio Goethe en 1982.

Uno de sus últimos textos sería Die Schere (La tijera), publicado en 1989, cuando Jünger contaba con 95 años de edad. De gran valor histórico y literario son sus diarios de la Segunda Guerra Mundial (Radiaciones). En la actualidad, su obra está considerada como una de las mayores contribuciones a la literatura en lengua alemana en el siglo XX.

Murió el 17 de febrero de 1998, a dos semanas de cumplir 103 años de edad, unos meses después de haberse convertido a la fe católica.

- CHAGALL -





Marc Chagall



Aniversario de su muerte





(Vitebsk, 1887 - Saint-Paul-de-Vence, 1985) Pintor francés de origen ruso. Nacido en una pequeña aldea rusa, sus inquietudes artísticas le llevaron a París en 1910, donde alcanzó su madurez artística.

Volvió a Rusia en 1914 y participó activamente en la renovación cultural de su país, pero sus disputas con Malevich y las exigencias revolucionarias de vincular compromiso político y obra artística le llevarían a marchar a Alemania en 1924. Su condición de judío le obligaría después a un peregrinaje por Francia y Estados Unidos, que le devolvería definitivamente a Francia al concluir la Segunda Guerra Mundial.

Su asimilación de las dos vanguardias señeras, fauvismo y cubismo, es patente en los cuadros que realizó en sus primeros años parisienses. Composiciones como El poeta (1911, Philadelphia Museum of Art) y Homenaje a Apollinaire (1912, Stedelijk van Abben Museum, Eindhoven) son plenamente cubistas, mientras otras, como El padre (1911, Colección privada, París) siguen a rajatabla las consignas fauvistas.

Desde el primer momento, sin embargo, estas influencias formales se funden con el sustrato más profundo de sus propias vivencias personales, profundamente arraigadas en su Vitebsk natal y en el hecho de pertenecer a la comunidad judía. De esta doble condición extrae Chagall su particular repertorio de imágenes, un reducido vocabulario iconográfico al que se mantiene fiel a lo largo de toda su vida. Su pintura es la encarnación de una memoria que funde los recuerdos personales con la imaginería del folclore popular ruso y constituye una unidad indisoluble entre realidad y fantasía, entre la lógica simbólica y la irracionalidad del subconsciente.

La aldea y yo (1911, MOMA, Nueva York), realizado apenas un año después de su llegada a París, resulta ejemplar respecto a esa síntesis específicamente chagalliana entre vanguardia y tradición popular, y posee el cromatismo brillante y emancipado de la realidad que aprendió del fauvismo y que será un rasgo dominante en toda su producción. La aparente anarquía de sus imágenes, mezcladas sin una clara lógica espacial y narrativa que justifique las superposiciones, la heterogeneidad de tamaños y la transgresión de las leyes de la física, están sin embargo sujetas a una cuidada composición radial que sigue las enseñanzas del cubismo; éstas se evidencian en el diseño de líneas que articulan las diversas imágenes entre sí y establecen conexiones entre las figuras en primer término y el fondo.

Las referencias al mundo campesino en el que pasó su infancia -las casas aldeanas, la ordeñadora, la pareja de labriegos- así como el motivo vegetal en primer término, son algunas de las imágenes que con mayor constancia repitió a lo largo de toda su obra. Todas ellas tienen como referente común el mundo de su niñez y Chagall hace uso de ellas encastándolas con la arbitrariedad del ensueño y la nostalgia.

En otras ocasiones, la apariencia ilógica de sus imágenes deriva de la simple transcripción al lenguaje visual de expresiones comunes del lenguaje hablado, que Chagall retoma y visualiza como forma de revelar experiencias psíquicas. Así puede interpretarse el flotar en el aire de la pareja de amantes en cuadros como El cumpleaños (1915, MOMA, Nueva York), pintado poco después de su matrimonio con Bella, su musa durante largos años.

La idea de "perder la cabeza" se materializa en A Rusia, los asnos y los demás (1911-1912, Museo Nacional de Arte Moderno, Centro Georges Pompidou, París); donde la cabeza separada del tronco no es sino una arbitrariedad explicable, al igual que la vaca roja sobre un tejado o la ingravidez de la mujer, por el placer de crear una fábula visual donde la irrealidad no necesita justificarse.

Chagall construye un mundo de asociaciones a través del cual quiere poner de manifiesto el mensaje secreto de las cosas, pero su mirada está más cerca de la ingenuidad infantil, que prescinde de la funcionalidad inmediata de los objetos y de la coherencia lógica, que de la búsqueda de revelaciones concretas. De ahí que rehúse adherirse al movimiento surrealista a pesar de la insistencia y los elogios de Breton. La existencia de imágenes que coexisten fuera de la lógica racional es para él un hecho real y lo acepta como algo consustancial a la vida misma, no como producto de un refinado juego intelectual o un viaje a las profundidades del inconsciente.

- UN PAÍS -






UNA ARGENTINA PARA TODOS






El día que los argentinos comencemos a mirar hacia adelante, consensuemos básicamente un modelo de país abarcativo –para todos- y olvidemos nuestras viejas y estúpidas diferencias, comenzaremos a ser una NACIÓN. Por ahora somos un "territorio" con distintos caciques y tribus diseminadas por un territorio despoblado.

- DISCÉPOLO -





Enrique Santos Discépolo





Enrique Santos Discépolo Deluchi, conocido como Discepolín, fue compositor, músico, dramaturgo y cineasta argentino, (27 de marzo de 1901 - 23 de diciembre de 1951).

Nació en el Barrio porteño de Balvanera el 27 de marzo de 1901 y falleció el 23 de diciembre de 1951 de un síncope al corazón. fue un compañero peronista de primera linea, desde los estudios de la radio combatio a los carneros de la oligarquía, cipayos, contras a los que llamaba con ironia "mordisquito"[1]

Tras fallecer sus padres, su hermano Armando, varios años mayor, se convirtió en su maestro, lo guió por el camino de la cultura y le descubrió la vocación por el teatro. Con él dio sus primeros pasos como actor en 1917. En 1918 escribió sus primeras obras de teatro: El señor cura, El hombre solo y Día feriado. En 1920 actuó en la obra Mateo, escrita por su hermano. Prosiguió escribiendo para el género teatral y al mismo tiempo, en 1925, compuso la música del tango “Bizcochito” y la letra y la música de “Que vachaché”.

En 1927 compuso el tango “Esta noche me emborracho”, popularizado por Azucena Maizani. Más tarde, entre 1928 y 1929, escribió “Chorra”, “Malevaje”, “Soy un arlequín” y “Yira-yira”, entre otros. Mientras tanto, continuaba actuando con éxito en los teatros de Montevideo y Buenos Aires.

Entre 1931 y 1934 escribió varias obras musicales, entre ellas, Wunderbar y Tres esperanzas. En 1935 viajó a Europa y a su regreso se vinculó al mundo del cine como actor, guionista y director. Simultáneamente escribió y compuso sus tangos más notables “Cambalache” (1935), “Desencanto” (1937), “Alma de bandoneón” (1935), “Uno” (con música de Mariano Mores, 1943) y “Canción desesperada” (1944).

En 1947, después de una gira por México y Cuba, compuso “Cafetín de Buenos Aires” (1948). Durante los siguientes años continuó produciendo películas, obras teatrales y tangos, algunos de los cuales fueron estrenados después de su muerte.

Finalmente, el 13 de abril 1951, estrena y protagoniza su última película como actor, dirigida por Manuel Romero, llamada “El hincha”. En la queda inmortalizada su frase célebre en la que describe lo que es un hincha de fútbol.

En1917, debuta como actor, al lado de Roberto Casaux, un capo cómico de la época, y un año más tarde firmó junto a un amigo la pieza Los duendes, maltratada por la crítica. Luego levantó la puntería con El señor cura (adaptación de un cuento de Guy de Maupassant), Día Feriado, El hombre solo, Páselo cabo y, sobre todo, El organito, feroz pintura social bosquejada junto a su hermano, al promediar los años de 1920. Como actor, Discépolo evolucionó de comparsa a nombre de reparto, y se recordaría con entusiasmo su trabajo en Mustafá, entre muchos otros estrenos.

Tangos

"Malevaje"
"Que vachaché" ["qué vas a hacer"]
"Yira... yira..." ["gira gira..."]
"Que sapa señor" ["qué pasa, señor"]
"Cambalache"
"Sueño de juventud"
"Justo el 31"
"Chorra" ["ladrona"]
"Soy un arlequín"
"Quién más, quién menos"
"Confesión"
"Canción desesperada"
"Cafetín de Buenos Aires" ["café de Buenos Aires"]
"Esta noche me emborracho"
"Sin Palabras"
"Tormenta"
"Desencanto"
"Alma de bandoneón"
"Uno" (Letra)
"El Choclo" (Letra)
"Bizcochito" (Música)

- TAYLOR -






ELIZABETH TAYLOR


(1932-2011)





Una de las estrellas femeninas más rutilantes del cine en toda su historia. Elizabeth Rosemond Taylor nació el 27 de febrero de 1932 en Londres (Inglaterra). Sus padres eran estadounidenses de clase media alta dedicados al comercio del arte, negocio que les ocupaba en la capital inglesa.

Cuando estalló la Segunda Guerra Mundial, la familia Taylor decidió regresar a los Estados Unidos para establecerse en la ciudad de Los Angeles.

Después de presentarse a unos casting, Liz consiguió un contrato con la Universal a la edad de diez años, debutando en "There's One Born Every Minute" (1942), una comedia dirigida por Harold Young.

Tras esta película la Universal prescindió de la niña, siendo poco después contratada por la Metro Goldwyn Mayer. En este estudio Elizabeth se convirtió en una de las niñas prodigio más importantes de la época.

Con "La Cadena Invisible" (1943), película protagonizada por la perra Lassie que estaba dirigida por Fred. M. Wilcox, Liz debutó con fortuna en el glamouroso estudio. En esta primera etapa como actriz Taylor intervino además en títulos como "Alma Rebelde" (1944) de Robert Stevenson, o "Las Rocas Blancas De Dover" (1944), un film dirigido por Clarence Brown.

El salto definitivo al estrellato para Elizabeth llegó con "Fuego De Juventud" (1944), una película dirigida por el citado Clarence Brown que la actriz co-protagonizó junto a Mickey Rooney.

Los años 40 terminaron con otra película de Lassie dirigida de nuevo por Wilcox, "El Coraje De Lassie" (1946), la famosa versión de "Mujercitas" (1949) realizada por Mervyn Leroy y "Vivir con papá" (1947), una comedia de Michael Curtiz con William Powell como principal protagonista masculino.

Ya convertida en toda una mujer, la hermosa intérprete de ojos violeta fue en las siguientes décadas la actriz más importante de Hollywood, no sólo por sus logros profesionales sino también por sus publicitadas andanzas sentimentales que comenzaron en 1950 cuando contrajo matrimonio con el millonario Nicky Hilton Jr.

Respecto al cine, los años 50 confirmaron a Elizabeth Taylor como una gran intérprete gracias a películas como "El Padre De La Novia" (1950), "El Padre Es Abuelo" (1951), "Un Lugar En El Sol" (1951), "Ivanhoe" (1952), "Beau Brummell" (1954), "La Última Vez Que Vi París" (1954), "Gigante" (1956), "El Árbol De La Vida" (1957), "La Gata Sobre El Tejado De Zinc" (1958) o "De Repente, El Último Verano" (1959), una película dirigida por Joseph L. Mankiewicz.

En este período la actriz conoció a dos de sus mejores amigos, Rock Hudson y Montgomery Clift (quien la llamaba "Bessie Mae"), actores (los dos homosexuales) con los que Liz mantuvo siempre una estrecha amistad.

Sus trabajos en "El Árbol De La Vida", "La Gata Sobre El Tejado De Zinc" y "De Repente, El Último Verano" fueron recompensados por sus compañeros de profesión con sendas nominaciones al Oscar.

Su vida matrimonial tuvo bastantes variaciones durante los años 50. El enlace con Hilton duró menos de un año. Tras divorciarse en 1951 Liz se casó a lo largo de la década con el actor Michael Wilding ("Atormentada"), con quien convivió entre 1952 y 1957; con el productor Mike Todd ("La vuelta al mundo en 80 días"), con quien estuvo casada de 1957 a 1958, año en el cual quedó viuda; y con el cantante y ocasional actor Eddie Fisher, antiguo marido de Debbie Reynolds con quien estuvo emparejada entre 1959 y 1964.

Tras ser nominada en varias ocasiones, Elizabeth Taylor pudo por fin lograr la estatuilla dorada por su intervención en "Una Mujer Marcada" (1960).

Después de esta película y el premio de la Academia de Hollywood, la morena actriz se embarcó en el megaproyecto de "Cleopatra" (1963), una adaptación de la vida de la famosa y seductora reina egipcia.
El rodaje fue calamitoso y duró una eternidad, provocando que su coste se disparara a cifras por aquella época mareantes, siendo el salario de Liz Taylor de un millón de dólares.

"Cleopatra", dirigida por Joseph L. Mankiewicz, se estrenó finalmente en 1963 sin poder recuperar el dinero invertido. En el rodaje de esta película Elizabeth compartió protagonismo con un actor británico que encarnaba a Marco Antonio, Richard Burton, con quien la actriz protagonizó uno de los idilios más célebres de toda la historia del cine.
Se casaron en 1964, se divorciaron diez años después, en 1974, y volvieron a casarse en el año 1975 para terminar separándose definitivamente en 1976. Todo un culebrón.

Elizabeth Taylor y Richard Burton aparecieron juntos en un buen puñado de títulos. Además de "Cleopatra", los dos protagonizaron "Hotel Internacional" (1963), "Castillos En La arena" (1965), "¿Quién Teme a Virginia Wolf?" (1966), película por la que Liz ganó su segundo Oscar, "La Mujer Indomable" (1967), "The Comedians" (1967), "Doctor Fausto" (1968), "La Mujer Maldita" (1968), "Pacto Con El Diablo" (1972), "Bajo el Bosque Lácteo" (1973), y para la televisión y con un adecuado título para su situación personal, "Divorce His, Divorce Hers" (1973).

Las décadas siguientes fueron menos prolíficas y satisfactorias a nivel profesional para Liz, quien trabajó principalmente para productos televisivos y dedicó parte de su tiempo libre a promover la lucha contra diversas enfermedades como el cáncer (fue operada de un tumor cerebral) y el sida, especialmente tras la muerte de su gran amigo Rock Hudson.

Algunos de los títulos que rodó en su última etapa profesional fueron "Miércoles De Ceniza" (1973) de Larry Peerce, "El Pájaro Azul" (1976) de George Cukor, "El Espejo Roto" (1980) de Guy Hamilton, o "The Flinstones. Los Picapiedra" (1994), adaptación de la serie de dibujos animados que fue producida por Steven Spielberg.

Elizabeth, tras su divorcio de Burton, se volvió a casar en dos ocasiones más. En 1976 contrajo matrimonio con el político John Warner, de quien se separó en 1982. Su último esposo fue el albañil Larry Fortensky, con quien estuvo casada entre 1991 y 1996.

Falleció el 23 de marzo del año 2011 en Los Angeles a causa de problemas cardíacos. Tenía 79 años de edad.

- EL CLIMA -






Día Meteorológico Mundial 2011



23 de marzo de 2011





Todos los años, el 23 de marzo, la Organización Meteorológica Mundial, sus 189 Miembros y la comunidad meteorológica internacional celebran el Día Meteorológico Mundial con la elección de un tema oportuno. Este día conmemora la entrada en vigor, en 1950, del Convenio por el que se estableció la Organización. Posteriormente, en 1951, la OMM fue designada organismo especializado del sistema de las Naciones Unidas.

El tema de este año es "El clima y tú ".

- AGUA -





Día Mundial del Agua


22 de marzo





«Comprometámonos a contrarrestar el alarmante descenso de la inversión en proyectos hídricos y de saneamiento en favor de los pobres, y reafirmemos nuestro compromiso de poner fin a la lamentable situación de los más de 800 millones de personas que, en un mundo pletórico de recursos, todavía carecen del ... agua potable o los servicios de saneamiento imprescindibles para disfrutar de una vida digna y de buena salud.».

Mensaje del Secretario General Ban Ki-moon

El objetivo del Día Mundial del Agua 2011 es centrar la atención internacional sobre el impacto del rápido crecimiento de la población urbana, la industrialización y la incertidumbre causada por el cambio climático, los conflictos y los desastres naturales sobre los sistemas urbanos de abastecimiento de agua.

El tema de este año, Agua para las ciudades: respondiendo al desafío urbano, tiene por objeto poner de relieve y alentar a los gobiernos, las organizaciones, comunidades y personas a participar activamente para responder al desafío de la gestión del agua urbana.

El Día Mundial del Agua se celebra anualmente el 22 de marzo como un medio de llamar la atención sobre la importancia del agua dulce y la defensa de la gestión sostenible de los recursos de agua dulce.
Cada año, el Día Mundial del Agua destaca un aspecto particular relacionado con el agua.

lunes, 21 de marzo de 2011

- POESIA -






Día mundial de la poesía




El día mundial de la poesía es tributo a la palabra poética propuesto en el año 2001 por la Unesco, se celebra cada 21 de marzo (equinoccio de primavera) con el propósito de consagrar la palabra esencial y la reflexión sobre nuestro tiempo. Este evento que fortalece la cultura en nuestro planeta se realiza en i ...mportantes capitales del mundo como París, Ámsterdam, Berlín y Bogotá.

En Europa es llamado Primavera de los Poetas y en Colombia la Común Presencia de los Poetas, por ser instituido por la Fundación que lleva el mismo nombre, la cuál trabaja desde hace dos décadas en la promoción del universo poético en hispanoamérica.

Con eventos multitudinarios y lecturas múltiples se realizan actos en diversas latitudes del planeta para celebrar tan importante evento por este género de la literatura, por esa extrema forma de percepción de la vida. La UNESCO lanzó al mundo el siguiente comunicado para avalar la conmemoración del día mundial de la poesía al instituir ese legado para el mundo:

«Es evidente que una acción mundial a favor de la poesía daría un reconocimiento y un impulso nuevo a los movimientos poéticos nacionales, regionales, e internacionales. Esta acción debería tener como objetivo principal sostener la diversidad de los idiomas a través de la expresión poética y dar a los que están amenazados la posibilidad de expresarse en sus comunidades respectivas.»

- KCHAIKOSKY -






Pyotr Ilyich Tchaikovsky




El compositor ruso eminente Pyotr Ilyich Tchaikovsky nació el 7 de mayo en 1840, Votkinsk; provincia de Viatka , en Rusia, ( Algunas personas dicen que el 7 de Marzo de 1840, otros en Abril, debido a la diferencia de calendario que se utilizaba en Rusia en esa epoca) .

La primera mención de su participación con la música aparece en una carta de 1844 que informa que compuso una canción, "Mamá en Petersburg". En su casa, Tchaikovsky oyó canciones tradicionales, arias populares, y romances cantados por su madre, y por las partituras tocadas por un órgano , entre ellos extractos del Don Giovanni de Mozart. (Mozart seria para Tchaikovsky uno de sus compositores amados ). Las clases de piano, empezadas cerca de la edad de cinco, y continuadas en St. Petersburg, donde él entró internado en 1848.

Tchaikovsky era un niño demasiado sensible, irritable, y cualquier palabra que le sonara agresiva o hiriente, lo hacía reaccionar llorando desconsoladamente.
Tuvo un amor y apego a su madre casi enfermizo, y cuando lo llevaron a estudiar a otra ciudad, se dice que llorando amargamente, se aferro onloquecidamente a las ruedas del carruaje que los llevaría a él y a su hermano al internado.
Este hecho dramatico lo marco muchísimo en su vida, igual que la muerte de su madre, cuando tenía 8 años de edad. Quiza, este fuera uno de los motivos de su inspiracion a veces sombría, dramatica.

Otro gran drama en la vida de Tchaikovsky, fue su condicion de homosexual, que las mentes retrogradas, no aceptaban. Y esa condicion, lo hizo penar mucho. Pues intentaba por todos los medios, de que no se conozca tal inclinacion. Escribe a su hermano Modesto, tambien homosexual, el 10 de Octubre de 1876 escribe Tchaikovsky "hay personas que no pueden remediar el despreciarme a causa de mi vicio……Deseo, por medio del matrimonio o de algún otro lazo público con una mujer, cerrar la boca de esas despreciables criaturas."

Una discipula de él, Antonina Miliukova, le escribio a Tchaikovsky que lo amaba, y lo invitaba a que la visite. El muchas veces le repitio que no, ya que solo podia ofrecerle su gratitud y simpatia. No obstante, Piotr, termino casandose con ella, siendo este matrimonio un estrepitoso fracaso.
Este hecho, lo sumio en una gran desesperacion, por lo que intento suicidarse tirandose a las heladas aguas del rio Moscova.

El huyó de Moscú en un estado de la confusión pero logró terminar tres obras maestras -- la Cuarta Sinfonía, el Concerto de Violín, y la ópera Eugene Onegin--antes del 1878 de mayo, cuando su esposa acepto la separación (ellos nunca se divorciaron).

Ella termino siendo internada en un manicomio.
Ya en esos tiempos, tenía la amistad con la Condesa von Meck.

De 1850 a 1859 él asistió la Escuela de Jurisprudencia, donde Tchaikovsky participó en un coro realizado por Gavriil Lomakin y piano estudiando con Rudolph Kundinger y armonía conel hermano de Kundinger. Obteniendo la graduación en el Ministerio de la Justicia, Tchaikovsky continuó dedicado la música, y en 1861 él empezó las clases patrocinadas por la Sociedad rusa de la Música. El año después, Tchaikovsky dejó su trabajo y entró el Conservatorio apenas-fundado de St. Petersburg. Trabajando entusiastamente bajo la direccion de Anton Rubinstein y Nikolai Zaremba, y recibió una Medalla de Plata por su cantata de la graduación en el Schiller de Johann Freude en diciembre 1865.

Tchaikovsky enseñó teoría en Moscú, uniendo la facultad del nuevo Conservatorio de Moscú cuando abrió en septiembre 1866. Durante sus 11 años allí, él compuso su Concierto para piano no. 1 (1875), el Lago de los Cisnes, musica de ballet (1876), cuatro óperas, tres sinfonías, y muchos trabajos más pequeños. El estableció también amistad con los compositores del grupo nacionalista conocido como "El grupo de los Cinco," especialmente Balakirev y Rimsky-Korsakov; el crítico Vladimir Stasov lo llamó el "sexto miembro de su círculo".

Una historia entre romantica y extraña, la vivio con la Condesa von Meck. ( Viuda con 12 hijos, que, quiso en dedicarse a ayudar artistas desconocidos, pero además de enfrascarse en la parte espiritual) En una ocasion, ella asistió a un concierto donde se tocó música de Tchaikovsky y se enamoró de su música.
Ella lo apadrinó, pagandole un salario, para que él se dedique por completo a la composición. Intercambiaron correpondencia, durante 13 años, y él intentó conocerla personalmente, pero la condicion de la Condesa, fue no encontrarse jamás. Se cuenta que en una ocasión él creyó ver a la Condesa en un carruaje, que paso cerca de Tchaikovsky.

Estaban enamorados platonicamente, y sus cartas eran muy amorosas. Ella lo comprendía y alentaba incluso haciendo criticas de su obra.
Un día, inesperadamente, ella dejó, no solo de escribirle, sino que le retiró la pensión asignada. Cosa que no fue lo que mas dolió a Tchaikovsky, que nunca pudo tener la explicación de parte de ella, del motivo real. Se dice que una de las causas, fue descubrir que él era homosexual.
Lo suminó en una depresión inmensa, y desde ese momento, él decayó mucho. Curiosamente, o tal como lo creía Tchaikovsky, el Destino hizo que ella falleciera a los dos meses de haber muerto él.

De 1878 a 1885, Tchaikovsky vivió a veces en Rusia, a veces en Europa occidental. Su reputación creció con el Capriccio Italien (1880), la 1812 Propuesta (1880), y dos más óperas, así como la Liturgia (1878) y el Servicio Vespertino (1881). Durante sus últimos años él vivió en Moscú . En 1888 Zar Alexander III le otorgó una pensión anual.

La fama de Tchaikovsky, como tanto el Director de orquesta, como de compositor, dio como resultado de una serie de visitas internacionales, que lo llevó a los Estados Unidos en 1891. El continuó componiendo -- la Bella Durmiente de ballet (1889) y el Cascanueces (1892), el Quinto (1888), Sexto (1893), y Manfred (1885) Sinfonías, y tres óperas finales, inclusive la poderosa y teatral La Reina de Palas (1890). Los compositores más jóvenes lo emularon, entre ellos Ippolitov-Ivanov de Mikhail y, más tarde, Sergei Rachmaninoff. En noviembre. 6 (N. S.), 1893, unos pocos días después de completar su Sexta Sinfonía, Tchaikovsky murió en el St. Petersburg.

De esta sinfonia, se dice que en el último movimiento, describe su sentimiento ante su final inminente. Fue la sinfonia que mas conforme dejo a Tchaikovsky.
Aunque se dijo que Tchaikovsky murió del cólera, algunos eruditos creen que su muerte fue de hecho un suicidio, el resultado de una amenaza para revelar su enlace con un joven hidalgo ruso.

Tambien se dice que cuando el tio del alumno se enteró que Tchaikovsky tenía atracción por él, se le hizo una especie de juicio en el lugar donde daba las clases. Y según algunos historiadores, ( no se si ha sido comprobado) se lo conminó a dar a conocer publicamente su condicion de homosexual, ( que en esos tiempos era considerado como un grave pecado) o se suicidara con arsenico. quiza esto no sea más que una leyenda. Pero la realidad es que Tchaikovsky terminó bebiendo agua contaminada, y su muerte fue provocada por el cólera.

Pero lo extraño, fue que su cadaver, a pesar de morir de colera, fue expuesto publicamente, y acudieron a derle el ultimo adios miles de personas que besaban sus manos, su frente, y ninguno se contagio....

En sus Sinfonias 4a. 5a. y 6a. habla del Destino, habitando una idea que se le atribuye "No se puede huir de él. El Destino siempre nos alcanza".
Al último movimiento de la Sexta sinfonia, le han llamado con ese nombre: "Destino", pues se piensa que en él plasmó musicalmente el fin de su vida, y el inexorable alcance de ese Destino, a pesar de los pasajes, en los anteriores movimientos, de éxtasis,( Tema del primer Movimiento) de alegria de vivir, ( como en el Tercer movimiento) de "olvido" temporario de la muerte que, según Tchaikovsky tiene el hombre.

- GELBER -





Bruno Gelber





Bruno Leonardo Gelber es un pianista argentino nacido en Buenos Aires, Argentina el 19 de marzo de 1941.

De ascendencia austríaca, francesa e italiana, desde su primera infancia vivió el ambiente musical familiar, siendo su padre violinista en la orquesta del Teatro Colón de Buenos Aires y su madre una profesora de piano que influyó mucho en su determinación por seguir la carrera musical y a la que perdió joven, justo al principio de su carrera internacional como pianista.

Gelber empezó a estudiar piano a los tres años y medio, siendo capaz de interpretar sonatas y conciertos desde los cinco años de edad. Fue alumno, desde los seis años y durante una década, de Vincenzo Scaramuzza, que tuvo entre sus discípulos a Marta Argerich, de quien Gelber es coetáneo, y al padre de Daniel Barenboim, entre otros.

Fue víctima de la poliomielitis a los siete años de edad, debiendo de quedarse en reposo durante más de un año. Sus padres realizaron las adaptaciones oportunas para que pudiera tocar el piano con el menor esfuerzo posible desde la cama.

Debutó en público a los diez años, interpretando el Concierto para piano n.º 3 de Beethoven, bajo la dirección de su maestro. A los catorce años debutó en el Teatro Colón con el concierto para piano de Robert Schumann, bajo la dirección de Lorin Maazel.

Continuó sus estudios de piano en París a partir de los diecinueve años con la célebre pedagoga Marguerite Long -para la que fue, en sus propias palabras, el último pero el mejor de sus alumnos-, gracias a una beca del gobierno francés. Continuó residiendo en la capital francesa hasta finales de los años ochenta, cuando se trasladó a Mónaco. Ha celebrado más de cinco mil conciertos en las más importantes capitales del mundo.

1959 (a los 18 años de edad) tuvo lugar su debut internacional en Múnich (Alemania), que fue un gran éxito, calificado por el crítico Joachim Kaiser como "casi un milagro".

Se le considera un intérprete especialmente competente en el repertorio de Beethoven para piano, habiendo grabado una integral de sus sonatas para este instrumento.

Ha compartido escenario con directores como Ernest Ansermet, Sergiu Celibidache, Rudolf Kempe, George Szell, Kiril Kondrashin, Sir Colin Davis, Bernard Haitink, Riccardo Chailly, Lorin Maazel y Antal Doráti, con las más importantes orquestas del mundo, entre las que pueden citarse la Filarmónica de Berlín, la Filarmónica de Viena, la Filarmónica de Nueva York, la Sinfónica de Chicago, entre otras, y ha sido invitado por los más importantes festivales musicales del mundo

El pianista Arthur Rubinstein dijo que Gelber era «uno de los pianistas más grandes de su generación»y además lo seleccionó para participar en la película L’amour de la vie – Artur Rubinstein que el director François Reichenbach dedicó a Rubinstein.

Un accidente automovilístico sufrido en el año 2001 le produjo lesiones que pusieron en peligro la funcionalidad de su mano derecha. Afortunadamente pudo recuperarse y reanudar su brillante carrera.

La prensa especializada lo destaca como uno de los mejores pianistas de su generación y como uno de los cien mejores del siglo.

- VILLA REAL -






Villa Real




Villa Real es uno de los 48 barrios en que se encuentra dividida la Ciudad de Buenos Aires. Se caracteriza por ser un barrio de casas bajas y de ingresos medios. Sus avenidas principales son Gral. Paz, Francisco Beiró, y Lope de Vega.

Villa Real es uno de los barrios menos extensos de toda la ciudad, y también uno de los que ... tienen menor población. Con poco más de 14.000 habitantes (2001), es el tercer barrio menos poblado, luego de Versalles y Puerto Madero.

El barrio forma parte de la Comuna 10 junto con Versalles, Monte Castro, Floresta, Vélez Sársfield y Villa Luro, dentro del sistema de gestión política y administrativa por comunas de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires.

El barrio de Villa Real está comprendido por las calles Lope de Vega, Baigorria, Irigoyen, Nogoyá y Av. General Paz. Limita con los barrios de Villa Devoto al norte, Monte Castro al este y Versalles al sur, y con las localidades de Ciudadela, José Ingenieros y Villa Raffo al oeste.

Dentro de sus límites funcionan la Escuela Cristiana Evangélica Argentina, el Museo del Automóvil, el Club Social y Deportivo Jorge Newbery de Versailles, el Club Social y Deportivo Villa Real y la asociación Triglav.

En el año 1804, el virrey de Sobremonte estableció en este barrio su residencia veraniega. Como en la zona que hoy ocupa el barrio estaban construidas la mayoría de las quintas de los virreyes, recibió el nombre de Villa Real. Es desde esta quinta construida por el virrey de Sobremonte de donde precisamente emprendió la fuga hacia Córdoba cuando se produjo la Primera Invasión Inglesa.

Era una fracción de tierra totalmente despoblada, desde donde se divisaban cuando se pasaba con el ramal del Pacífico por la Av. Gral. Paz, los cuarteles de Ciudadela. También se podían encontrar en los terraplenes del tren quintas de verduras y frutas.

Alrededor de 1909 se construye la estación Villa Real del entonces Ferrocarril Buenos Aires al Pacífico (el cual pasaría a llamarse Ferrocarril General San Martín) en la intersección de las calles Tinogasta e Irigoyen.

- CAMPO -





‎18 de marzo



Día del ruralista





La conmemoración fue instituida por la entidad para destacar el protagonismo y la imagen del hombre de campo que trabaja desde su actividad para el bien del país. La conmemoración fue instituida por la entidad el 18 de marzo para destacar el protagonismo y la imagen del hombre de campo que trabaja desde su ... actividad para el bien del país.

H.Cámara de Diputados de la Nación
PROYECTO DE RESOLUCIÓN

Texto facilitado por los firmantes del proyecto. Debe tenerse en cuenta que solamente podrá ser tenido por auténtico el texto publicado en el respectivo Trámite Parlamentario, editado por la Imprenta del Congreso de la Nación.

Nº de Expediente 0506-D-2009
Trámite Parlamentario 005 (06/03/2009)
Sumario ADHERIR AL "DIA DEL RURALISTA", A CELEBRARSE EL 18 DE MARZO DE CADA AÑO.
Firmantes BIANCHI, IVANA MARIA.
Giro a Comisiones AGRICULTURA Y GANADERIA.

La Cámara de Diputados de la Nación

RESUELVE:

Expresar su adhesión al "Día del Ruralista" a realizarse el día 18 de marzo de cada año.

FUNDAMENTOS
Señor presidente:

Las Confederaciones Rurales Argentinas (CRA) celebran el Día del Ruralista.

La conmemoración fue instituida por la entidad el 18 de marzo para destacar el protagonismo y la imagen del hombre de campo que trabaja desde su actividad para el bien del país. Dicha fecha fue instituida por las Confederaciones Rurales Argentinas en el año 1.989

Confederaciones Rurales Argentinas (CRA) informó que celebrará Día del Ruralista, instituído por esa entidad para destacar el protagonismo y la imágen del hombre de campo que trabaja desde su actividad para hacer crecer el país.

Se celebra en todo el país el Día del Ruralista, en conmemoración a la labor diaria del hombre de campo que a través de las instituciones o desde su accionar personal colabora en beneficio de la comunidad agropecuaria.

Se reconoce así el trabajo que por décadas realizaron hombres y mujeres del campo para defender el pilar que sostuvo el país en momentos difíciles y al sector que brindó bienestar a las comunidades, con su aporte

de divisas, generación de empleo y como factor de arraigo en el interior, indicó la Confederaciones Rurales Argentinas (CRA).

Quiero dejar constancia que estoy convencida que debemos premiar y felicitar el sacrificio y la conducta de vida de estas personas que día a día, trabajan para que el país crezca, y que aún ante la adversidad nunca bajaron los brazos, ni lo harán.

Por todo lo expuesto, señor Presidente le solicito a mis pares que me apoyen en la aprobación del presente proyecto

- ATENTADO -






A 19 AÑOS




Atentado a la embajada de Israel en Argentina

Monumento a las víctimas y al Estado de Israel por el atentado terrorista a la Embajada de Israel en Buenos Aires.El ataque terrorista a la Embajada de Israel en Argentina sucedió el 17 de marzo de 1992 y causó 29 muertos y 242 heridos.

El ataque destruyó completamente la sede de la embajada. En la Argentina vive la comunidad judía más numerosa de América Latina.

jueves, 17 de marzo de 2011

- OROZCO -






Olga Orozco





Olga Orozco (Olga Nilda Gugliotta Orozco, Toay, La Pampa, 17 de marzo de 1920- 15 de agosto de 1999) fue una poeta argentina.
Hija de Carmelo Gugliotta, siciliano de Capo d' Orlando, y de la argentina Cecilia Orozco. Pasó sus primeros años entre Toay (La Pampa), patria chica de su madre, y Buenos Aires. En 1928, la familia se mudó a Bahía Blanca y ocho años más tarde a Buenos Aires. Estudió en la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad de Buenos Aires, donde se recibió de maestra. Muy joven fue una de las integrantes del grupo literario surrealista Tercera Vanguardia, al cual pertenecía asimismo Oliverio Girondo.

Trabajó en periodismo empleando varios seudónimos y dirigió, también, algunas publicaciones literarias. Así, colaboró en la revista Canto que dirigía su primer esposo, el poeta Miguel Angel Gómez y reunía a la llamada Generación del 40. Por esa época también hacía comentarios sobre teatro clásico español y argentino en Radio Municipal; fue actriz teatral (personaje Mónica Videla 1947-1954) y trabajó asimismo en Radio Splendid en la compañía de Nidia Reynal y Héctor Coire. En los años sesenta fue redactora en la revista Claudia y organizó el horóscopo del diario Clarín durante los años 1968 y 1974.

Formó parte de la generación «Tercera Vanguardia» de marcada tendencia surrealista, y basó su producción poética en la influencia que en ella ejercieran san Juan de la Cruz, Rimbaud, Nerval, Baudelaire, Milosz y Rilke. Lo más importante de su producción se encuentra en los poemarios, de alguna manera prolongados en un libro de prosas poéticas narrativas: La oscuridad es otro sol (1967).

La influencia de los relatos en boca de su abuela María Laureana la llevarán a desarrollar una poética en donde la infancia es una puerta iniciática. Su vínculo con el tarot la lleva a escribir poemas como "Cartomancia" o "Para destruir a la enemiga". Olga ritualiza cada gesto vinculado con el acto de escribir. Así por ejemplo, solía repetir en entrevistas que acostumbraba escribir con una piedra en cada mano. Una traída de donde nació su padre, otra de la tierra de su madre y una tercera que le había obsequiado un amigo de la infancia cuando se muda de Toay a Bahía Blanca.

Olga Orozco se caracteriza por una inteligencia sutil que le permite una extraordinaria capacidad para recurrir a los tropos —una característica suya es el uso frecuente y logrado que hace del oxímoron—; también sabe hacer uso de versículos en los que desarrolla una especial y visionaria imaginación pródiga en expresiones, siendo sus temas frecuentes la evocación de la niñez (que asimila con la época del paraíso perdido), la adolescencia (época de la develación) o, en última instancia, el recurso de la memoria en donde el tiempo parece a resguardo y recuperable ante la muerte.

Su gran amor fue el arquitecto Valerio Peluffo, con quien se casó en 1965. Después de la muerte de Peluffo, acaecida en 1990, le dedicó el poema En la brisa, un momento, que contiene los siguientes versos: Ah, si pudiera encontrar en las paredes blancas de la hora más cruel / esa larga fisura por donde te fuiste, / ese tajo que atravesó el pasado y cortó el porvenir, / acaso nos veríamos más desnudos que nunca, como después de nunca, / como después del paraíso que perdimos, / y hasta quizás podríamos nombrarnos con los últimos nombres, / esos que solamente Dios conoce, / y descubrir los pliegues ignorados de nuestra propia historia / cubriendo las respuestas que callamos, / incrustadas tal vez como piedras preciosas en el fondo del alma.

Falleció de un paro cardíaco a los 79 años en el sanatorio Anchorena, Buenos Aires, en 1999. Desde 1994 funciona en Toay la Casa Museo Olga Orozco en la que se realizan diferentes actividades culturales en torno a la obra de la poeta y en la que se puede consultar su biblioteca.

- MAFALDA -







MAFALDA




Cumpleños Nº 49

Felicitaciones a su padre:

Joaquín Salvador Lavado: Quino

- GRANADEROS -





NUESTROS GRANADEROS




El 16 de marzo de 1812 se crea el Regimiento de Granaderos a Caballo. El Gobierno Superior Provisional de las Provincias Unidas del Río de la Plata, el Triunvirato, nombra conjuntamente Teniente Coronel de Caballería y Comandante del Escuadrón de Granaderos a Caballo a José de San Martín, quien se encarga de organizar y dirigir esta nueva fuerza armada.

Al arribar al suelo rioplatense, el entonces Teniente Coronel José de San Martín, motivado por la necesidad de crear una moderna organización militar de las Provincias Unidas del Río de la Plata, crea este nuevo Regimiento. Por aquellos años, las milicias rioplatenses estaban alzadas en armas contra el poder imperial de la metrópolis española. El plan de San Martín fue conformar un cuerpo de caballería idóneo y cualificado, compuesto por voluntarios rigurosamente seleccionados, cumpliendo parámetros de conducta y personalidad muy elevados.

El diseño original de los uniformes militares fue basado en el sistema militar sueco.
El objetivo que perseguía San Martín con la creación de este nuevo cuerpo de Caballería no era solo el de dotar a las incipientes milicias revolucionarias con una mayor cantidad de efectivos para poder contener los embates del ejercito real, sino que también, la constitución de una unidad militar ejemplar, dotada de las mejores personas para que se conviertan en soldados de bien con los que contara la patria nueva, y que sirviera de insignia y ejemplo dentro de las fuerzas armadas nacionales.

El nuevo regimiento buscaba funcionar como ejemplo de profesionalismo y perfeccionamiento para el resto de las fuerzas. Esta aspiración se correspondería con la visión que San Martín tenía sobre el futuro mediato de las fuerzas militares modernas, confiaba en una rigurosa disciplina militar, evocada no sólo en las maniobras y el entrenamiento, sino también en la esfera social del militar, que debía funcionar como figura ejemplar no sólo para sus camaradas de armas sino también para el resto de la sociedad. Así, quedarían delineados desde el nacimiento del ejército, los valores y fundamentos primarios que San Martín esperaba se convirtieran en los basamentos del accionar del Ejercito Argentino, la estricta disciplina y la conducta ejemplar.

San Martín dispuso el reclutamiento de los hombres más aptos y estipuló un estricto código de disciplina, que hasta el día de la fecha, bajo la denominación de "Código de honor sanmartiniano", rige el accionar diario de los Granaderos a Caballo.

- CONSUMIDOR -





Día Mundial de los Derechos del Consumidor


15 de MARZO




Día instituido por la Asamblea General de las Naciones Unidas en el año 1985 con el propósito de reafirmar los derechos de los consumidores. Para que estos derechos puedan ser ejercidos por la población la información y la educación de los consumidores son tareas a emprender priori ...tariamente.

En América Latina numerosos países ya cuentan con una ley de defensa del consumidor, mientras que parte de ellos los ha incorporado en sus constituciones. En la Argentina la Ley Nacional N° 24.240 de Defensa del Consumidor fue aprobada en octubre de 1993 y reglamentada por decreto N° 1798/94 un año más tarde.

Los derechos del consumidor fueron incluidos en la Constitución Nacional por la reforma del año 1994.

lunes, 14 de marzo de 2011

- JAPON -

- CAPDEVILLA -





Arturo Capdevila



Aniversario de su nacimiento




(Córdoba, 1889 - Buenos Aires, 1967) Polígrafo argentino. Fue abogado, juez y profesor de Filosofía y Sociología en su ciudad natal, y profesor de Literatura argentina e hispanoamericana en la Universidad de La Plata.

Poeta, novelista, dramaturgo, historiador, ensayista y jurista, Arturo Capdevila fue un ejemplo curioso de clásico viviente, es decir, de escritor que por su ponderación, su sentido nacional, su hispanismo y su manera optimista de ver los problemas de la vida y las perspectivas de la Historia, todo dentro de un estilo cuidado y correcto, se convirtió en vida en modelo, no para los selectos, pero sí para la masa ilustrada.

Autor de una producción extensísima, como poeta es un lírico humano, elocuente, sin grandes abismos, de raíz romántica y pretensión filosófica: Jardines solos (1911), Melpómene (1912), El poema de Nenúfar (1915), El libro de la noche (1917), La fiesta del mundo (1921), El tiempo que se fue (1926), El apocalipsis de San Lenin (1929), Simbad (1929), Córdoba azul (1940), Otoño en flor (1952) y una versificación castellana de Los Salmos (1955).

En su teatro figuran los títulos La Sulamita (1916), El amor de Schehrazada (poema dramático, 1918), La casa de los fantasmas (1926), Zincalí (poema escénico gitano, 1927), Branca d'Oria (1933), Cuando el vals y los lanceros (1937) y Consumación de Sigmund Freud (1946).

Publicó además novelas como Arbaces, maestro de amor (1945), Advenimiento (1947) y El gran reidor Segovia; libros de viajes como Tierras nobles: viajes por España y Portugal; ensayos como La dulce patria (1917), Babel y el castellano (1928), Antano (1936); estudios jurídicos e históricos como Dharma: influencia de Oriente en el Derecho de Roma (1914), Las vísperas de Caseraos (1922), Las invasiones inglesas (1938), Historia de Dorrego (1949) y La ruta de San Martín (1950)

Entre sus estudios literarios destacan Los románticos: espectros, fantasmas y muñecos del romanticismo (1929), El pensamiento vivo de Benito Pérez Galdós (1944) y Popol-Vuh o la Biblia de los mayas (1945). En 1923 publicó sus evocaciones de infancia y adolescencia: Córdoba del recuerdo. Con todo esto, que es una parte de su producción, puede formarse una idea de la obra colosal de este ilustre polígrafo argentino, que influyó poderosamente en la formación cultural de las generaciones jóvenes de su patria.

Cabe citar, entre sus obras de madurez, El hombre de Guayaquil, obra publicada en 1950.

- LEVENE -






RICARDO LEVENE




El Dr. Ricardo Levene nació en la ciudad de Buenos Aires, el 7 de febrero de 1885
y fallece en la misma un 13 de marzo de 1959. Estudió en el Colegio Nacional Buenos Aires, obteniendo el título de bachiller y se graduó como doctor en Jurisprudencia y Leyes en la Universidad de Buenos Aires en el año 1906.

Fue Profesor de Historia en el Colegio Nacional "Mariano Moreno" (1906-1928), alternando la actividad docente con la de publicista. Hacia 1911 inició su labor como docente universitario en la Facultad de Filosofía y Letras como profesor suplente de Sociología en la Cátedra de Ernesto Quesada. A partir de allí comenzaría a dictar clases en diferentes universidades de nuestro país, como la Facultad de Derecho y Ciencias Sociales de la Universidad de Buenos Aires y la Facultad de Humanidades y Ciencias de la Educación de la Universidad Nacional de La Plata.

A lo largo de su vasta trayectoria profesional desempeñó numerosos cargos en diversos congresos, instituciones y certámenes científicos. Desde 1915 fue miembro de número de la Junta de Historia y Numismática Argentina y Americana resultando elegido presidente de la misma entre 1927-1931 y 1934-1938. A partir de ese momento le tocó presidir la transformación de la Junta en Academia Nacional de la Historia, cuya presidencia ejerció hasta el momento de su fallecimiento en 1959.

Participó en la gestión de proyectos culturales que hasta la actualidad subsisten como la creación del Archivo Histórico de la Provincia de Buenos Aires que actualmente lleva su nombre o la creación de la “Comisión de Museos, Monumentos y Lugares Históricos” que presidió desde 1939 hasta 1946.

Junto con Luis M. Torres, Rómulo D. Carbia, Emilio Ravignani y Diego L. Molinari, fue protagonista de la renovación historiográfica de la Nueva Escuela Histórica Argentina. En sus libros, Ricardo Levene entrelazó la aspiración a la verdad científica con la inquietud por la formación de la “cultura histórica” de los argentinos.

- ESCUDO -


ESCUDO NACIONAL ARGENTINO


ASAMBLEA GENERAL CONSTITUYENTE


Sesión del 12 de Marzo de 1813





Hecha una moción en este día por uno de los ciudadanos representantes para que se designe al Supremo Poder Ejecutivo el sello que debe usar en sus diplomas y contestaciones oficiales, se acordó por unanimidad de votos lo siguiente
DECRETO:

La Asamblea General Constituyente ordena que el Supremo Poder Ejecutivo use el mis mo sello de este Cuerpo Soberano, con la sola diferencia de que la inscripción del Círculo sea la de: Supremo Poder Ejecutivo de las Provincias Unidas del Río de la Plata .

- Dr. TOMAS VALLE, Presidente.
- HIPOLITO VIEYTES, Diputado Secretario.

NOTA.- El redactor de la Asamblea Constituyente no publicó en sus columnas el decreto creando el sello ó escudo de la misma á que se refiere en el precedente, estableciendo el que debía usar el Poder Ejecutivo, pero en una ley posterior _13 de Abril_ mandando variar los troqueles de la moneda se refiere á los atributos de dicho sello ó escudo en los siguientes términos:

LEY:
La Asamblea General Constituyente ordena: que el Supremo Poder Ejecutivo comunique lo que corresponde al Superintendente de la Casa de Moneda de Potosí, á fin de que inmediatamente y bajo la misma ley y peso que ha tenido la moneda de oro y plata en los últimos reinados de Carlos IV y Fernando VII se abran y esculpan nuevos sellos por el órden siguiente:

Moneda de plata_ La moneda de plata que de aquí en adelante debe acuñarse en la casa de moneda de Potosí, tendrá por una parte el sello de la Asamblea General, quitado el sol que lo encabeza; y un letrero que diga alrededor: Provincias del Río de la Plata _ por el reverso un Sol que ocupe todo el centro, y alrededor la inscripción siguiente: En Unión y Libertad -debiendo además llevar todos los otros signos que expresan el nombre de los ensayadores, lugar de su amonedación, año y valor de la moneda y demás que han contenido las expresadas monedas.

Moneda de oro_ Lo mismo que la de plata, con solo la diferencia que al pie de la pica y bajo de las manos que la afianzan, se esculpan trofeos militares, consistentes en dos banderas de cada lado, dos cañones cruzados y un tambor al pie. De una y otra deberán sacarse dibujos en pergamino, que autorizados debidamente, acompañen la orden de la nueva amonedación.

- Dr. PEDRO AGRELO, Presidente.
- HIPÓLITO VIEYTES, Diputado Secretario

viernes, 11 de marzo de 2011

- PIAZZOLLA -



Astor Piazzolla

Un renovador de nuestra música

Eximio compositor y adelantado de "lo que vendrá"





Ástor Pantaleón Piazzolla (Mar del Plata, 11 de marzo de 1921 - Buenos Aires, 4 de julio de 1992) fue un bandoneonista y compositor argentino.

Según muchos especialistas, fue uno de los músicos de tango más importantes de la segunda mitad del siglo XX.Estudió armonía y música clásica y contemporánea con la compositora y directora de orquesta francesa Nadia Boulanger (1887-1979).

En su juventud tocó y realizó arreglos orquestales para el bandoneonista, compositor y director Aníbal Troilo. Cuando comenzó a hacer innovaciones en el tango (en lo que respecta a ritmo, timbres y armonía) fue muy criticado por los tangueros de la «Guardia Vieja» En los años posteriores sería reivindicado por intelectuales y músicos de rock.

Cuando en los años 1950 y 1960 los tangueros ortodoxos -que lo consideraban "el asesino del tango"- decretaron que sus composiciones no eran tango, Piazzolla respondió con una nueva definición: «es música contemporánea de Buenos Aires».

Sus obras no eran difundidas por las estaciones radiodifusoras y los comentaristas seguían atacando su arte. Los sellos discográficos no se atrevían a editarla. Lo consideraron un snob irrespetuoso que componía música híbrida, con exabruptos de armonía disonante.

"Si, es cierto, soy un enemigo del tango; pero del tango como ellos lo entienden. Ellos siguen creyendo en el compadrito, yo no. Creen en el farolito, yo no. Si todo ha cambiado, también debe cambiar la música de Buenos Aires. Somos muchos los que queremos cambiar el tango, pero estos señores que me atacan no lo entienden ni lo van a entender jamás. Yo voy a seguir adelante, a pesar de ellos."

Entre los músicos contemporáneos a quienes admiraba profundamente se encuentran Alfredo Gobbi y, fundamentalmente, Osvaldo Pugliese. Este último con sus composiciones "Negracha", "Malandraca" y "La Yumba" se adelantó a lo que Astor luego realizó como músico. Básicamente en la música de Piazzolla la marcación rítmica está basada en el tango "Negracha" (de Pugliese) compuesto en 1943 y grabado en 1948.

Siempre hubo entre Osvaldo Pugliese y Astor una relación de respeto y admiración mutua.6 Pugliese hizo versiones de tangos de Piazzolla como: "El cielo en las manos" en 1951, "Marrón y azul" en 1956, "Nonino" entre 1961 y 1962, "Verano porteño" en 1965, "Balada para un loco" en 1970 y "Zum" en 1976.

Astor grabó de Pugliese: "Recuerdo" en 1966 y "Negracha" en 1956. Compartieron un recital juntos en el teatro Carré de Ámsterdam, Holanda, el 29 de junio de 1989. Cerraron el recital tocando juntos sus éxitos más populares: "La Yumba" y "Adiós Nonino". Ambos en una entrevista previa manifestaron su admiración y respeto mutuos y lamentaron el hecho que este recital no se realizase en Argentina.Nacido en Mar del Plata, Argentina en 1921, hijo de padres inmigrantes italianos, Vicente Piazzolla y Asunta Manetti. Su padre le puso su nombre por un amigo, Astor Bolognini, corredor de moto y primer Cello de la Orquesta Sinfónica de Chicago. Piazzolla vivió gran parte de su niñez con su familia en Nueva York, donde desde muy joven entró en contacto tanto con el jazz como con la música clásica de Bach.

"Era un barrio violento, porque existía hambre y bronca. Crecí viendo todo eso. Pandillas que peleaban entre sí, robos y muertes todos los días. De todas maneras, la calle Ocho, Nueva York, Elia Kazan, Al Jolson, Gershwin, Sophie Taulker cantando en el Orpheum, un bar que estaba en la esquina de casa... Todo eso, más la violencia, más esa cosa emocionante que tiene Nueva York, está en mi música, están en mi vida, en mi conducta, en mis relaciones."

Mientras vivió allí, aprendió a hablar fluidamente cuatro idiomas: castellano, inglés, francés e italiano. Comenzó a tocar el bandoneón en 1929 cuando su padre, nostálgico de su Italia natal, le compró uno en una casa de empeños por 18 dólares.10 En 1933 tomó clases con Bela Wilda, un pianista húngaro discípulo de Sergey Rachmaninov.

En 1935, a los 15 años, conoció a Carlos Gardel, quien le invitó a participar en la película que rodaba en esos días, "El Día Que Me Quieras", como un joven vendedor de diarios.11 Gardel invitó al joven prodigio a unirse en su gira, pero el padre de Astor decidió que éste era muy joven. Esta temprana desilusión probó ser una suerte en la desgracia, ya que fue en esta gira en la que Gardel y toda su banda perdieron la vida en un accidente aéreo. Años más tarde, Astor bromearía al respecto diciendo que "si no fuese por mi padre, en vez de tocar el bandoneón hubiese terminado tocando el arpa".

Volvió a Argentina en 1937, donde el tango estrictamente tradicional aún reinaba. Mientras tanto, Astor tocaba en clubes nocturnos con una serie de grupos, incluyendo la orquesta de Anibal Troilo, considerado en ese momento el mejor bandoneonista y líder en Buenos Aires.13 Fue aconsejado de estudiar con el compositor Alberto Ginastera y posteriormente con Raúl Spivak. Introducido en grabaciones de Stravinsky, Bartók, Ravel, entre otros, iba cada mañana a oír la orquesta del Teatro Colón, mientras continuaba tocando tango de noche.

En 1942 se casó con Dedé Wolf y del matrimonio nacieron sus hijos Diana en 1943 y Daniel en 1944.

En 1950 compuso la banda de sonido de la película Bólidos de Acero. También en esa década continuó con la composición de obras de música tales como "Rapsodia Porteña", "Sinfonietta" y "Buenos Aires (Tres movimentos sinfónicos)". Por ésta última ganaría el premio Fabien Sevitzky, por lo que el gobierno francés le otorgó una beca para estudiar con Nadia Boulanger en París, en 1953.

Boulanger fue una pieza muy importante en su carrera, ya que hasta su encuentro con ella, Piazzolla se debatía entre ser un músico de tango o un compositor de música clásica. Nadia Boulanger lo animó a seguir con el tango, pero si hasta ese momento todo era o tango o música clásica, a partir de entonces sería tango y música clásica.

También en París, tuvo la oportunidad de escuchar al octeto del saxofonista Gerry Mulligan, y quedó impresionado por su improvisación y por el distendimiento con el que tocaban los músicos.

Estudió 11 meses con Boulanger, pero al mismo tiempo formó una orquesta de cuerdas con músicos de la Ópera de París, con Lalo Schifrin y Martial Solal alternándose en el piano, y grabó un álbum con temas como "Picasso", "Luz y Sombra", "Nonino" (primitiva versión de Adiós Nonino) y "Bandó".

Años mas tarde Astor recordaría a Boulanger diciendo:

Ella me enseñó a creer en Astor Piazzolla, en que mi música no era tan mala como yo creía. Yo pensaba que era una basura porque tocaba tangos en un cabaret, y resulta que yo tenía una cosa que se llama estilo.

En 1955 volvió a Buenos Aires, donde formó una orquesta de cuerdas con músicos argentinos, en la que cantó Jorge Sobral (para esta formación compone "Tres minutos con la realidad", obra síntesis entre el tango y la música de Stravinsky y Bartók), y el famoso Octeto Buenos Aires, conjunto considerado como el iniciador del tango moderno, tanto por su instrumentación (incluía por primera vez una guitarra eléctrica en un conjunto de tango), como por sus novedades armónicas y contrapuntísticas (acordes con 13as. aumentadas, seisillos, fugas).
En 1958 disuelve ambas formaciones y se marcha a los Estados Unidos, donde graba los dos únicos discos de lo que él llamó el Jazz-Tango (los cuales actualmente son muy difíciles de encontrar).

En 1959, durante una actuación en Puerto Rico, junto a Juan Carlos Copes y María Nieves, recibe la noticia de la muerte de su padre, Vicente "Nonino" Piazzolla. Astor vuelve a Nueva York, donde vivía con su familia, y allí compuso "Adiós Nonino", su obra más célebre, que conservaría la sección rítmica del anterior tango "Nonino", más una sentida elegía de despedida, que se convertiría en un sinónimo de Piazzolla a lo largo de los años.

Frustrado por el intento del Jazz-Tango, vuelve a Buenos Aires en 1960 y forma la agrupación que definiría su estilo musical definitivamente, que sería la base de agrupaciones posteriores y a la que volvería cada vez que se sentía frustrado por otros proyectos: el Quinteto Nuevo Tango, formado en su primera versión, por Piazzolla en el bandoneón, Jaime Gosis en piano, Simón Bajour en violín, Kicho Díaz en contrabajo y Horacio Malvicino en guitarra eléctrica.

Con esta agrupación daría a conocer "Adiós Nonino" y todas las composiciones que dieron forma a su estilo y que serían las más recordadas: Las Estaciones ("Verano Porteño", "Otoño Porteño", "Invierno Porteño" y "Primavera Porteña"), La Serie del Ángel ("Introducción al ángel", "Milonga del ángel", "Muerte del ángel" y "Resurrección del ángel"), La Serie del Diablo ("Tango diablo", "Vayamos al diablo" y "Romance del diablo"), "Revirado", "Fracanapa", "Calambre", "Buenos Aires Hora Cero", "Decarísimo", "Michelangelo ´70" y "Fugata", entre otros.

En 1963, forma el Nuevo Octeto, para el cual compuso "Introducción a Héroes y Tumbas", con letra de Ernesto Sábato.19 En ese año también gana el Premio Hirsch por su "Serie de tangos sinfónicos", estrenados bajo la dirección de Paul Klecky.
En 1965, junto al Quinteto, una Orquesta formada ad hoc, y con las voces de Luis Medina Castro como recitante y Edmundo Rivero como cantante, graba el disco "El Tango", que contiene temas con letras de Jorge Luis Borges, incluido "Hombre de la Esquina Rosada", suite para canto, recitado y de doce instrumentos.

En 1966 se separa de Dedé Wolff y en 1967 empieza su colaboración con el poeta Horacio Ferrer, con quien compuso la operita "María de Buenos Aires", que se estrenaría al año siguiente, con la cantante Amelita Baltar. Por otra parte, Piazzolla inicia con Baltar una relación sentimental que durará cinco años.
En 1969, Piazzolla y Ferrer componen la exitosa "Balada para un loco", que supondría una popularidad súbita para Piazzolla.

Quinteto de Ástor Piazzolla. De izquierda a derecha: Osvaldo Manzi (piano), Chacho Tirao (guitarra), Ástor Piazzolla (bandoneón), Enrique "Kicho" Díaz (contrabajo), Antonio Agri (violín). Michelángelo, 1970.

En 1970 retornó a París donde nuevamente junto a Ferrer, creó el oratorio El pueblo joven, estrenado poco después en 1971 en Saarbrücken, Alemania. Al año siguiente fue invitado por primera vez a presentarse en el Teatro Colón en Buenos Aires, junto con otras importantes orquestas de tango. También en 1972, Piazzolla compone, para su Conjunto 9 el "Concierto de Nácar, para nueve tanguistas y orquesta filarmónica", primer antecedente de sus obras sinfónicas para bandoneón posteriores.

En 1973 sufre un infarto que le obliga a reducir su actividad, por lo que se instala en Italia, en donde permaneció grabando durante cinco años. De esta etapa destacaría su trabajo Libertango, obra que él consideró como "su carta de presentación ante el público europeo". Durante esos años también formó el Conjunto Electrónico, un octeto integrado por bandoneón, piano eléctrico o acústico, órgano, guitarra y bajo eléctricos, batería, sintetizador y violín (el cual posteriormente fue reemplazado por una flauta traversa o saxo). Tiempo más tarde, Astor incorporaría al octeto al cantante José Ángel Trelles.

En 1974 se separó de Amelita Baltar, y ese mismo año graba con Gerry Mulligan "Summit", junto a una orquesta de músicos italianos.15 . Al año siguiente, el Ensemble Buenos Aires graba su obra "Tangazo" para orquesta sinfónica.

- NACIONAL BUENOS AIRES -





‎10 de Marzo de 1772


Real Colegio de San Carlos





Juan José Vértiz fue designado gobernador, hombre ilustre y progresista, una vez designado en su cargo se abocó a la tarea de organizar un establecimiento educativo.

Para tal propósito contaba con las rentas y los bienes -inclusive una chacra y una estancia-, confiscados a los jesuitas, que la Junta de Temporalidades, integrada por el mismo Vértiz, administraba con destino a beneficencia. Por lo tanto, el gobernador se dirigió, con fecha 16 de noviembre de 1771, en base a un informe de la Junta, a los Cabildos Eclesiástico y Secular, para "que coadyuven con sus dictámenes" sobre materia pedagógica. El Cabildo Eclesiástico se expidió de inmediato (5 de diciembre), mediante un informe medular, atribuidos según todos los indicios, a Juan Baltazar Maziel.

Este informe proponía la creación de un Convictorio y Universidad en el Colegio Grande, tomando por modelo al Colegio de Monserrat, fundado en Córdoba en 1687. Explicaba con detalle sus programas y el modo de atender sus erogaciones. El despacho del Cabildo Secular (28 de diciembre) coincidía con el anterior, proyectando además un seminario para "indios nobles y principales".

La Junta de Temporalidades resolvió pronto, acorde con los dos dictámenes, la creación de los cursos del Real Colegio de San Carlos, -llamado así en homenaje al monarca, Carlos III-, que Vértiz inauguró el 10 de febrero de 1772, en condiciones un tanto precarias, porque las cátedras no estaban aún provistas.

El 28 de febrero se cubrieron las de latín y primeras letras, en las personas de Villota y García. Meses después las de filosofía, a cargo del presbítero Juan Montero. A comienzos del año siguiente, 1773, la Junta designó carcelario y regente de los reales estudios a Juan Baltazar Maziel, que redactó el reglamento de estudios y dirigió con acierto los destinos del Colegio durante catorce años.

- GASALLA -






Antonio Gasalla





Antonio Gasalla nació en la ciudad de Buenos Aires, un 9 de marzo de 1941)
Actor y autor cómico argentino, muy reconocido en el ambiente binacional rioplatense.

En 1966 hizo su primer gran éxito con Help Valentino junto a Carlos Perciavalle, Edda Díaz y Nora Blay. El grupo fundó el estilo café-concert argentino realizando varios shows. Al disolverse, Gasalla y Perciavalle formaron durante años el dúo más exitoso y recordado del café concert argentino, presentando espectáculos como "La Mandarina a Pedal" y otros.

En los años ochenta entró a la televisión, donde protagonizó sus propios programas, y se quedó durante trece años, haciendo los clásicos personajes de «La Abuela», «La empleada pública» o «Soledad». En 1994 ganó el Premio Martín Fierro de Oro.

En 1985 protagonizó la exitosa película argentina Esperando la carroza, en donde hacia el papel de «Mamá Cora» junto a otros grandes actores como China Zorrilla, Luis Brandoni y Betiana Blum.

De 1995 a 1997 su programa se llamó "El Palacio de la Risa", con la participación de Norma Pons y Roberto Carnaghi, y guiones de Víctor Wolf y Hugo Fili. En el 98 pasó a llamarse "Gasalla en la Tele" En el 2000 pasó a Canal 9 y se llamó simplemente "Gasalla"

Antonio Gasalla en la revista Gente (diciembre de 1977).En 2000, el actor abandonó la televisión y se refugió en las salas teatrales. Recorrió el país haciendo giras hasta 2004.

En 2004 volvió con su clásico programa de televisión, esta vez con el nombre de Gasalla en pantalla y sigue con sus clásicos personajes. Ganó el Premio Martín Fierro 2004 a la «mejor labor humorística» por sus apariciones como «La Abuela» en el show de Susana Giménez.

Hizo Clásicos 2, un nuevo espectáculo presentado en el Teatro Nogaró de Punta del Este (Uruguay).

Desde diciembre de 2007, y hasta verano de 2008, protagonizó, junto a Nito Artaza y Luciana Salazar, la obra Cristina en el país de las maravillas en el teatro de Mar del Plata. Durante el 2008 encabezó la revista "Maipo Siempre Maipo", celebrando los 100 años del Teatro Maipo de Buenos Aires.

Durante parte de 2010, Antonio Gasalla trabajó en la televisión en el programa Susana Giménez conducido por Susana Giménez. Gasalla hace una participación especial con el personaje de «La Abuela», una anciana que va a visitar a Susana y le cuenta sus anécdotas disparatadas y divertidas. El 15 de enero de 2009 estrenó, en el Teatro Metropolitan de Buenos Aires, la obra Más respeto que soy tu madre, de Hernán Casciari, donde interpreta a Mirta Bertotti, un ama de casa de 52 años que debe lidiar con una familia disparatada. Actualmente se presenta con esta misma obra en Mar del Plata.

En una nota para el programa "intrusos" confesó haber creado el "conchero" (prenda de vestir que utilizan las vedettes argentinas) primero comenzó haciéndolo con un corcho pero dijo que nadie lo quiso usar, hasta que llegó a hacerlo como se lo conoce actualmente.